La Verdad

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Categoría: Oro molido
Rescate intramuros

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Cada día se descubren más partituras antiguas escritas desde la Edad Media hasta el Barroco. Fueron muchos los hombres y mujeres que en ese periodo elevaron la composición a la categoría de arte y que, sin embargo, no han tenido la relevancia de otros músicos del mismo nivel.

Un caso particular es el de las monjas compositoras de los conventos de la Europa medieval y renacentista. En esa época, la única manera que tenía una mujer de evitar un matrimonio no deseado, era tomar los hábitos religiosos e integrarse en la vida conventual. Las novicias recibían una sólida formación cultural en el que la música tenía especial protagonismo, lo que les permitía participar en la liturgia como intérpretes e incluso más tarde como compositoras de obras musicales.

A finales de 2009, la doctora en Musicología María Ángeles Zapata funda el grupo vocal femenino DeMusica Ensemble, dedicado al repertorio antiguo y con un reconocido nivel artístico refrendado con un primer premio en la categoría de Agrupación Vocal Camerística del IX Concurso Nacional de Música de Cámara Francisco Salzillo.

DeMusica Ensemble toma el nombre del tratado homónimo de San Agustín del siglo IV sobre diálogos de inspiración neoplatónica que influyeron marcadamente en los compositores del Renacimiento, por su concepción liberal de la música.

Esta agrupación vocal fue noticia en 2016 por la cuidada edición del disco O Clarissima Mater con obras antiguas escritas por monjas europeas y grabadas en la Iglesia de San Sebastián de Ricote (Murcia). María Ángeles nos cuenta que: “La música de estas compositoras tiene, entre otras cualidades, la originalidad de estar fuera de los requerimientos estéticos de la época. Se trata de piezas de gran calidad, belleza y espiritualidad que estaban pensadas para la liturgia de los conventos”.

Para esta musicóloga, las voces blancas de DeMusica Ensemble abarcan obras compuestas y/o adaptadas específicas de este tipo vocal para explorar nuevas interpretaciones dentro del panorama musical: “Nuestra finalidad es investigar, interpretar, difundir y promocionar la música compuesta e interpretada por mujeres y que sean reconocidas en el ámbito musical y cultural”.
Las voces de la agrupación son Susana Almazán (Cantus I), Eva Sánchez (Cantus I), Susanna Vardanyan (Cantus II), Rocío Ruiz (Cantus II), la propia Mª Ángeles Zapata (Altus I), Susi Gálvez (Altus II) y Nuria Díez (Altus II) acompañadas por Javier Sáez (Órgano) y Lorenzo Cutillas (Viola de arco). Este conjunto interpreta música compuesta por monjas de conventos femeninos europeos y afirman que O Clarissima Mater “es el fruto de años de investigación alrededor del patrimonio musical de estas mujeres, dejando de lado el repertorio profano que tenemos en mente para futuros trabajos discográficos. Las partituras las hemos ido encontrando en diferentes fuentes, manuscritas, realizando transcripciones y en editoriales especializadas de música de compositoras”.

O Clarisima Mater es el también el título de uno de los responsorios incluidos en el CD escrito por la monja alemana Hildegard von Bingen, conocida como la Sibila del Rhin. La directora de DeMusica Ensemble nos explica que “es un homenaje a su compositora, una figura extraordinaria y una mujer pionera del siglo XII, con una vasta producción musical, como literaria y científica”.

He tenido la oportunidad de escuchar este disco con atención y se los recomiendo. Disfrutarán de una música de calidad, muy bien grabada e ideal para retrotraernos en el tiempo durante las tardes de invierno.

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La tita Elisabeth

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Con el paso del tiempo, las colecciones de discos se enriquecen con nuevas grabaciones o versiones de obras ya conocidas. Al recorrer con la mirada la discoteca de casa, rememoro con frecuencia los momentos únicos en los que adquirí lo que para mí son joyas de la discografía. Cuando tengo que elegir que discos me voy a llevar para escuchar en vacaciones, paso por la terrible experiencia de no saber exactamente que es lo que voy a dejar hasta la vuelta del veraneo. Por otro lado, como cada uno de nosotros tiene un oído (y un cerebro) con cierta preferencia por determinados timbres, tempos y, si me lo permiten, por los aromas de época que envuelven algunos discos, la magia contenida en cada cajita con música no deja de ser algo muy íntimo y personal.

Hace unos días leí en el último Music Magazine de la BBC un artículo de Elinor Cooper que resumía la opinión de distintos expertos sobre veinte mejores de las mejores sopranos de todos los tiempos. Me pregunté ¿es posible hacer un listado de cantantes en este sentido?

Así que opté por hacer ejercicio mental guiado por mi criterio y sin atender a otras consideraciones, con el reto de intentar definir qué sopranos me han conmovido más a lo largo de mi vida. Soy perfectamente consciente de que corro un elevado riesgo de cometer un grave sacrilegio para otras opiniones, pero lo cierto es que es irrefutable el hecho de que una obra de arte provoca en cada uno de nosotros reacciones, experiencias y emociones muy distintas.

Por ello no voy a pasar por alto la magia de la íntima liederista Elly Ameling, la sublime perfección de Rosa Poncelle, la exquisita dicción y fraseo de Christine Brewer, la regularidad y excelencia de una todoterreno como Christa Ludwig o las memorables interpretaciones de Leontyne Price o Margaret Price.

Lucía Popp es una cantante que vinculo a los últimos cuatro lieder de Richard Strauss; Joan Sutherland, conocida como La stupenda tras su debut en La Fenice, fue una Lucía de Lammermoor sublime; la inocencia seductora de Victoria de los Ángeles la convirtió en una Rosina increíble, sin olvidar sus papeles como Carmen de Bizet y Margarita en el Fausto de Gounod. También son maravillosas las interpretaciones de Gundula Janovich en las bodas de Figaro de Mozart o en la Creación de Haydn, la fiabilidad de Monserrat Caballé para cantar las óperas de Bellini y Donizetti, dando la sensación de que algunas fueron escritas expresamente para ella.

María Callas fue una cantante única. Con su voz singular y sus excelentes cualidades dramáticas, artísticas, técnicas y vocales, nos deleitó en los roles de Traviata, Norma y Lucía de Lamermoor, entre otros, pero para mí la soprano de origen griego fue la Tosca por excelencia por su manera de desenvolverse en situaciones que van de la pasión más amorosa a la crueldad más extrema, contraste que Puccini manejaba como nadie.

En el mundo de Richard Wagner me quedaría con la Brunhilda de Brigitte Nilsson, y la Isolda de Kirsten Flagstad, aunque también su interpretación de los Cuatro últimos lieder de Strauss es soberbia. Y en la esfera de la obra de Gustav Mahler, el protagonismo lo acapara Kathleen Ferrier, una soprano que supo entender el mensaje del compositor y transmitirlo como nadie ha hecho jamás.

En casa la soprano más conocida es Elisabeth Schwarzkopf. Podríamos decir que ella es casi de la familia. Sus papeles como condesa en Las bodas de Fígaro de Mozart o de La Mariscala en El caballero de la rosa de Strauss la consagraron en el Olimpo de la lírica. La belleza y la clase de esta soprano complementaban su categoría artística de tal modo que la audición de sus canciones de Mozart, Strauss, Wolf y Schubert todavía estremecen y perturban al oyente atento. Cuando falleció en 2006, muchas de las personas de mi círculo de aficionados a la música lo sentimos como una verdadera pérdida en el seno familiar. Afortunadamente, nos dejó sus registros en disco e imágenes de vídeo como las que les adjunto.

Con ellas logro sobrevivir cada verano hasta que el otoño nos traiga más música.

 

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En la onda de Cammerata

 

 

La segunda temporada de Cammerata en el Auditorio Víctor Villegas está servida. Tuve la oportunidad de asistir el pasado 5 de septiembre a la presentación del ciclo de esta agrupación y puedo confirmarles que la apuesta musical es de primer orden en cuanto a intérpretes y obras seleccionadas.

En el acto estuvieron presentes representantes de la Consejería de Cultura con su máxima responsable al frente, del Auditorio y Palacio de Congresos, de la prensa, la directora de la OSRM, los músicos de Cammerata y su Presidente Honorífico, Joaquín Riquelme, que antes de incorporarse a la Filarmónica de Berlín quiso apoyar a Cammerata con su presencia y un discurso lleno de sinceridad y grandes expectativas.

Joaquín Riquelme es una persona muy interesante porque, además de haber alcanzado el éxito artístico y profesional en una de las mejores orquestas del mundo, conserva la humildad y sencillez de siempre, lo que le permite hablar con criterio y experiencia sobre música. Por ello, el hecho de aceptar la presidencia de honor en Cammerata ya denota la seriedad de la propuesta de esta agrupación de cuerda ya consolidada en la programación del buque insignia de la cultura regional.

Además, la colaboración entre Riquelme y Cammerata ha quedado plasmada en el disco que han grabado juntos por el sello Eudora Records y con música de Brotons, Händel y Tchaikovsky. El CD es una joya en cuanto a interpretación, edición y sonido. Ya se sabe, con buenos ingredientes se cocina bien y ahí está el resultado final. Esta grabación puede adquirirse de una forma fácil y con unas condiciones excelentes, en el abono de Cammerata denominado Premium.

Me gustó mucho el respeto profesional que contenían las palabras de Joaquín Riquelme hacia los integrantes de Cammerata. El violista se siente muy a gusto en su tierra, pero especialmente cuando comparte su arte con músicos que hablan su mismo lenguaje y respiran con él con tanta naturalidad.

Los miembros de Cammerata que acudieron a la representación fueron los hermanos Lorenzo y Gonzalo Meseguer, Ana Mba y Laura Torcal. Lorenzo fue el encargado de explicar el ciclo de 3 conciertos que ofrece Cammerata y que comienza el 17 de octubre precisamente con el programa Jubileum en el que Joaquin Riquelme es el invitado estelar y en el que interpretarán obras de Brotons, Elgar y Tchaikovsky.

El segundo programa de Cammerata se titula La muerte y la doncella, tendrá lugar el  5 de enero de 2017 e incluye obras de Mozart, Mendelssohn y Schubert. Los invitados especiales son Pablo de Pedro y Batipste López, miembros de Europa Galante, la célebre orquesta barroca italiana fundada por Fabio Biondi en 1990.

Por último, el ciclo se cierra el 6 de marzo con un interesantísimo concierto en colaboración con La Tempestad con obras de Locke, Rameau, Lully, Vivaldi y Geminiani.

Además, fuera de este ciclo, Cammerata colabora con la OSRM en dos programas que ya comentaremos con detalle, así como con los Conciertos en Familia.

Joaquín Riquelme hizo dos consideraciones finales importantísimas. Una vez más, ante la Consejera de Cultura, volvió a insistir en la necesidad de activar la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, cuna de nuestros mejores músicos profesionales que están en activo. Hoy día no tendríamos Cammerata ni él estaría en la Filarmónica de Berlín si estos músicos no hubiesen tenido la oportunidad de tocar juntos el repertorio orquestal básico bajo la supervisión de selectos profesores. Nuestra consejera es una mujer muy activa, ilusionada y con grandes dotes de comunicación, pero su gestión en cultura no llegará al aprobado ni tendrá el reconocimiento del mundo de la música si no pone en marcha de una vez a la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia. Dicho queda de nuevo.

La segunda acertada consideración de Riquelme fue para el público de Murcia. Este ciclo (con CD incluido) de Cammerata es un acontecimiento musical de primer nivel a un precio muy asequible. En Berlín, las entradas para este triple evento se hubiesen agotado en 24 horas. En nuestra tierra las cosas son distintas, pero no se duerman, ya que estamos hablando de música de muchos quilates y como surja una fiebre del oro, a lo mejor se quedan sin entrada.

 

Consultar precios y descuentos en la web del Auditorio Victor Villegas y en la web cameratademurcia.com

 

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La mañana de San Juan

 

La obra de Richard Wagner (1813-1883) en la que más aflora el amor por la vida y por el arte es la ópera Los maestros cantores de Nuremberg. De sus obras de madurez, es la única composición en las que los personajes son puramente humanos, ya que en ella no hay dioses, dragones, caballeros del grial o barcos fantasmas) .

Por otro lado, Los maestros cantores de Nuremberg es una ópera cómica del maestro alemán con rasgoss típicos de la opera bufa como son el papel de Beckmesser o el de la pareja formada por David y Magdalena. En este sentido, hay una escena muy característico que nos recuerda a la ópera Don Giovanni de Mozart que es la escena de la Serenata en la que Magdalena crea una premeditada confusión llevando el vestido de Eva.

Desde el punto de vista musical, Los maestros cantores de Nuremberg es una maravilla. A pesar de que algunos critican que Wagner da un paso compositivo hacia atrás en esta ópera al usar formas arcaicas como la polifonía antigua o de temas populares o el abandono del cromatismo tan presente e Tristán e Isolda, realmente estamos ante una partitura soberbia en la que utiliza recursos muy variados que logran construir una excelente comedia humana.

Por ello, los tipos de registro de la ópera antigua como monólogos, canciones, corales, bailes, conjuntos finales movimientos del conjunto, van surgiendo en relación con la acción y no tanto con la interrupción. Quizás la excepción es el famoso monólogo de Hans Sachs, muy en la línea de la ópera seria al tratarse de un momento de reflexión (y por tanto un standby de lo que está realmente pasando).

Otro momento sublime creado por Wagner es el sublime quinteto hacia el final y que inicia Eva de una forma delicada para expandirse con la sucesión de voces hasta el éxtasis. En mi opinión es uno de los momentos mágicos fabricado por Don Ricardo a pesar de que traiciona su máxima estética de que no cante más de una persona en escena.

En estas fechas, desde Música Inesperada les recomiendo escuchar esta ópera. El célebre e impresionante Preludio con el que empieza les llevará directamente a una mañana de San Juan (Johannistag) en la iglesia de Santa Catalina de Nuremberg, hoy en ruinas, lugar donde se inicia una bella historia sobre la música del mejor Wagner.

 

 

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El revoloteo de Blanche

 

El arte con el que creó Isaac Albéniz (1860-1909) la Suite Iberia es una amalgama de elementos románticos, impresionistas, folklóricos, nacionalistas y virtuosísticos que la convierte en una pieza singular y eterna. Su música es tan variada y rica, que da la sensación que nuestros cinco sentidos no son suficientes para captar todo lo que el maestro de Camprodón nos propuso.

Por ello, les traigo a la sección titulada Oro Molido de Música Inesperada, la grabación en formato DVD que Orpheus editó en diciembre de 2015 con el pianista tinerfeño Gustavo Díaz-Jerez, un virtuoso del instrumento, cuyas manos revolotean sobre las teclas de un Steinway tal y como imaginó Albéniz que lo harían las de Blanche Selva, la intérprete que estrenó la pieza y una de las personas a las que se la dedicó.

Gustavo Díaz-Jerez, intérprete que ya conocen en las mejores salas de conciertos del planeta, es profesor de piano del Conservatorio Superior de Música del Pais Vasco “Musikene” y miembro Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel. Ha tenido la gentileza de corresponder nuestra curiosidad y de la conversación en torno a la Suite Iberia de Albéniz, y estas son sus opiniones al respecto.

¿Por qué la Suite Iberia debe programarse en los auditorios?

“Iberia es una de las obras maestras de la literatura pianística universal, no sólo española. Creo que es una obra que se toca muy poco completa, a pesar de llevar escrita ya más de un siglo. Es muy atractiva para el oyente, no sólo por la belleza de sus líneas melódicas y de su armonía, sino también por la espectacularidad de su pianismo.”

(Aclaración: El término pianismo significa técnica o estilo de interpretación del piano, o de composición de obras para este instrumento, que resultan propios de un determinado autor, de un intérprete o de una época.)

¿Por qué la Suite Iberia es atractiva para un intérprete?

“Abordar la Suite Iberia en su integridad supone un gran reto para un pianista. Es una de las obras más difíciles de la literatura pianística. Pero esta dificultad no es gratuita, ya que Albéniz siguió desarrolló con Iberia la técnica pianística de la misma manera que lo hicieron Beethoven, Chopin, Liszt, Debussy, etc.  Además, es una obra de un lirismo extraordinario y una sonoridad muy personal y original.”

¿Qué tiene que aprender a descubrir el oyente para disfrutar de esta obra?

“Creo que Iberia es una obra de tal calidad que puede ser disfrutada por cualquiera, sin necesidad de tener conocimientos profundos sobre ella. Iberia, como no podía ser de otra manera, emana de la mente musical de Albéniz, muy ligada al pianismo romántico, a la modernidad y a las nuevas tendencias musicales de la época. Evidentemente, hay mucho de inspiración española en Iberia, pero también hay una clara influencia del Impresionismo y del pianismo lisztiano. Como solía decir Ravel, la Suite Iberia es compleja pero no complicada. Es un perfecto equilibrio entre lirismo, ritmo, armonía, y pianismo acrobático.”

Al final del post, tienen dos enlaces a sendos fragmentos de muestra del DVD de la Suite Iberia interpretada por Díaz-Jerez. Muchos de los lectores ya conocerán la versión en soporte CD que el propio pianista grabó en 2009 con motivo del centenario de la muerte de Albéniz y cuya calidad se vio refrendada con la concesión de la Medalla Albéniz en 2010. Esta nueva versión en vídeo de alta definición y sonido de alta densidad tiene un gran impacto en el oyente, especialmente por los fragmentos en los que se visualizan las manos del pianista sobre el teclado desde una cámara cenital.

En Corpus Christi en Sevilla, Albéniz parte de la canción popular La Tarara para plasmar la religiosidad y fe de una ciudad a través de su folclore. Por otro lado, Triana es un ejemplo de la habilidad con la que el músico adorna la armonía con una luz y color sin par.

El resto de esta Suite Iberia también contiene el virtuosismo de Díaz-Jerez recogido en esta edición de DVD tan cuidada y que no tiene desperdicio. ¡Qué ustedes la disfruten!

 

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Doble metamorfosis

Entre las virtudes más sobresalientes de Giacomo Puccini, destacó su capacidad de describir la personalidad femenina mediante su música. El compositor de ópera italiano supo como nadie caracterizar a la mujer creando los soberbios personajes de Manon, Mimí, Tosca, Liù, Turandot, Minnie y Butterfly, entre otros.

Hoy nos centraremos en la ópera Madama Butterfly, ópera muy recomendable en toda su extensión que narra una intensa historia de amor en la ciudad japonesa de Nagasaki a principio de siglo XX entre la geisha Cio-Cio-San y Pinkerton, un teniente de la marina americana.

A priori, puede dar la impresión que el argumento se centra en el axioma “dos culturas, un amor imposible”, pero Puccini va mucho más allá y nos revela a una joven ingenua e inmadura que es capaz de renunciar a su religión para casarse con el teniente Pinkerton. Una joven que, durante la ausencia del amado, sobrevive entre el rechazo de sus familiares con la ilusión de un feliz reencuentro con él, que finalmente no se produce como ella imaginaba. Pinkerton, efectivamente vuelve a Nagasaki, pero lo hace casado con una mujer americana y dispuesto a recoger al hijo nacido fruto de su relación con Cio-Cio-San.

A partir de ese momento, Butterfly experimenta su mágica y musical transformación hacia una mujer madura y desilusionada, que elige la muerte como única salida a su situación personal, y lo hace con una decidida disposición.

Como les digo, Madama Butterfly es una maravilla de ópera de principio a fin y como muestra les dejo con el dúo de amor entre Cio-Cio-San y Pinkerton.

Casualidad o no, Madama Butterfly es una ópera que contiene una segunda metamorfosis, esta vez estructural, ya que tras su fracasado estreno en La Scala de Milan en 1904, Puccini revisó la obra para presentarla con éxito en París dos años más tarde.

Madama Butterfly desde entonces, se convierte en una de las joyas del repertorio operístico.

 

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