Para los lectores que deseen acceder a esta nueva etapa de Música Inesperada disponen de este enlace:

https://www.laverdad.es/autor/carlos-escobar-4931.html

En cierto que hay brazos que han quedado repentina y permanentemente paralizados en su quehacer durante la covid-19 y que pertenecen a casi todos los estamentos sociales y profesionales. Me refiero a la regresión sufrida por la hostelería, servicios de seguridad, la industria, el transporte, los servicios, el mantenimiento y en los escenarios donde se disfruta y se comparte la cultura, entre otros.

La pandemia ha tenido especial repercusión en las orquestas profesionales de todo el planeta. Las batutas, violines, violas, violonchelos, contrabajos, clarinetes, flautas, oboes, fagotes, trombones, trompetas, tubas, pianos y timbales, han seguido en los brazos de personas que ofrecen lo mejor de ellas, sin la posibilidad de hacer música en grupo ni de sentir la proximidad del público en las butacas de la sala.

Afortunadamente, la vida orquestal va recuperando parte de las palpitaciones de antaño y, ajena a las restricciones, preparan los programas como si el aforo de la sala fuese a llenarse al completo. El público, sin embargo acude al auditorio de forma muy gradual a pesar de las medidas de seguridad. Es comprensible que las personas con más edad sacrifiquen su pasión por la música clásica en directo ante la vulnerabilidad frente a un enemigo invisible y en cierto modo imprevisible.

La incertidumbre ha sustituido al melómano en la sala de conciertos, pero la orquesta necesita seguir en actividad para mantener el nivel artístico y profesional que debe exigirse. Por ello, los ciudadanos debemos hacer un esfuerzo para salir de la zona de inquietud y ocupar nuestro lugar en el ecosistema de la cultura.

El próximo jueves día 3 de febrero la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia vuelve a escena. Interpretarán el Nocturno Sinfónico de Fernández-Barrero, los Nocturnos de Andalucía para piano y orquesta de Palomo y las Variaciones Enigma de Elgar, bajo la dirección de Ramón Tebar y la actuación de la pianista Judith Jáuregui.

Desde estas páginas, les animo a ir al concierto siguiendo las medidas de seguridad establecidas. Escucharán un programa muy atractivo y apoyarán a nuestros músicos en un día especialmente importante para ellos. Al mismo tiempo, le harán un guiño a Edward Elgar, un compositor que en las Variaciones Enigma opus 36 no sólo hizo un alegato a la amistad, sino a la fidelidad. En el audio adjunto escucharán la novena variación (Memrod. Adagio), dedicada a su amigo y colaborador August Jaeger, que trabajaba para la editorial musical Novello. En el único momento en el que Elgar se aleja de las tonalidades de do y sol,  crea una emotiva pieza en mi bemol que rinde homenaje a una persona que siempre lo apoyó, tanto en los momentos felices como en los más difíciles de su existencia. 

Ojalá la intensidad de este fragmento orquestal de Elgar sirva para despertar y activar consciencias que, con un generoso gesto, contribuyan a proteger uno de los bienes culturales fundamentales, la música.

Hay quien se pregunta qué tiene la ópera para atraer a las personas. El hecho de permanecer sentado y callado durante horas ante una historia de la que conoces todo el argumento parece inconcebible. Sin embargo, cualquiera de nosotros somos capaces de narrar una y otra vez un cuento ante la mirada de asombro de un niño boquiabierto. Y es que, desde la infancia, nos fascina que nos repitan historias si están bien aderezadas con magia e imaginación. 

Llega el fin de año y el momento de renovar las esperanzas en un futuro mejor. Para que se cumplan los sueños hay que gozar de buena salud y combinar genética, esfuerzo, suerte y sobre todo, determinación. Hoy hablamos de un personaje de la historia de la ópera que destaca por su decisión, carácter y asertividad bajo una apariencia bondadosa y de obediencia. 

Rosina es la protagonista femenina de El barbero de Sevilla, la ópera más célebre de Rossini con libreto de Sterbini, donde se suceden una serie de personajes y situaciones geniales hilados con melodías inolvidables. Ella es una bella e ingeniosa huérfana que está enamorada del Conde de Almaviva y tiene que lidiar con los deseos Don Bartolo, el viejo tutor que la cobijó desde niña, de desposarla.

Nuestra invitada de hoy es Ana Molina García, mezzosoprano lírica que completa su formación en la Escuela Superior de Canto de Madrid y que conoce muy bien a Rosina: “Es un personaje que me ha dado muchos quebraderos de cabeza. Hace dos años, Sara Almazán, mi profesora de canto de la Escuela Superior, me ofreció cantar la celebre aria de Rosina “Una voce poco fa”, pero no encontraba ningún parecido con ella como para  enfrentarme a este papel y abordar el personaje. Además, desde el punto de vista vocal, tenía una tesitura imposible para el punto en el que yo estaba, no tenía nada resuelto el tema de los agudos y decidí apartar el proyecto”.

Pero Una voce poco fa es el aria por excelencia de Rosina, con la que la protagonista se presenta de forma muy lucida en escena y con un final muy brillante. Por ello, Ana persistió en su empeño y al año siguiente los agudos se resolvieron y su profesora exclamó: ≪Oh Dios mío, qué gran momento≫ y le dijo que lo intentara de nuevo: “De repente, conecté con Rosina vocal y artísticamente. El proceso de aprendizaje duró todo el curso académico pero me ha ayudado mucho a aligerar mi voz, a meterme mucho más en la interpretación del personaje, a crecer y a divertirme, por fin, en escena. Hasta hoy, es el personaje con el que mejor he conectado y mejor me lo he pasado”.

Tanto es así, que Ana Molina presentó con éxito Una voce poco fa al examen final de tercer curso de la carrera. La existencia de nuestra mezzo invitada siempre ha estado ligada al canto. De niña ya lo hacía en en el colegio y en el coro de la iglesia, pero nunca pensó en dedicarse a esto: “Empecé mi carrera de Historia pensando en ser arqueóloga y me incorporé desde el primer curso al coro de la facultad. Me encantó ver que mi voz se desarrollaba y me apunté con la profesora de canto María Teresa Manzano, mi maestra desde hace diez años y a la que no creo que deje nunca. Yo todo lo que empiezo, lo termino”.

Tras completar en la Universidad Autónoma de Madrid el Grado en Historia (2015) y el Máster en Educación Secundaria Obligatoria (2019), Ana obtiene el Título Profesional de Canto en el Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid (2020): “Actualmente estoy en la Escuela Superior de Canto de Madrid, y creo que una vez que te pica el gusanillo del canto, es muy difícil salir de ahí. Cada día aprendo y disfruto con todas las asignaturas. Esta carrera es un regalo para mí.”

Volviendo a Rosina, Ana Molina nos explica que para ella es una Colombina de la Commedia Dell´Arte: “Tiene inteligencia, ingenio, belleza y sabe de sus artes para conseguir lo que se propone. Rosina se va a salir con la suya y va a conseguir lo que quiere y a quien quiere, de manera que la presencia de Don Bartolo, que pretende casarse con ella, no es una amenaza para ella y convierte todo en una trama divertida donde sabemos que, al final, Rosina va a conseguir su objetivo”.

Para el largo trabajo de preparación de un papel como el de Rosina, la mezzosoprano madrileña tiene como estrategia la división en tres etapas de trabajo: mesa, partitura y artístico: “Durante el trabajo de mesa, te haces todas las preguntas que consideres necesarias para la construcción de tu personaje y con el libreto delante: ¿Quién eres?; ¿Qué haces en escena?; ¿Con quién estás?;…”

En una segunda fase, Ana analiza la estructura de la partitura y los pasajes más dificultosos: “A mí lo que más me cuesta es la línea, el darle dirección a la obra para que las frases no queden rotas. Esto fue lo más importante a la hora de trabajar el aria. A pesar que tengo facilidad con las agilidades, es muy importante ejecutarlas bien para que la voz fluya. En este sentido, me gusta el símil del surf en las olas. Cuando haces una agilidad, tienes que tener muy poco peso y sentir que surfeas cada nota dándole la adecuada línea y dirección”.

El aspecto artístico también fue un reto para Molina por el carácter del personaje: “Esto me resultó muy complicado porque una Colombina como Rosina tiene que ser fresca y al principio yo no conseguía esa frescura por ningún lado. Le daba mucho peso y la veía muy diferente a mi. Pero trabajando el papel, vi que tenía dentro de mí más cosas de Rosina de lo que yo pensaba. Lejos de ser una chica tontita, descubrí en Rosina a una mujer muy segura. Y lo que más me ayudó en la interpretación fue llevarla a la diversión. Me dije, ≪Ana, pásatelo bien, riéte y disfruta≫. Y eso me cambió la visión de todo.”

En el video adjunto, tienen una interpretación de Ana Molina de Una voce poco fa  Con este post les deseo a todos un Feliz Año Nuevo lleno de salud porque estoy seguro que si ponen la determinación de Ana  y de Rosina en sus proyectos, cumplirán sus sueños.

La noticia acapara las portadas de los diarios italianos. Hace tres días desembarcó en Bari el barco Vlora con 18.000 compatriotas que huían de la realidad albanesa y del conflicto de Kosovo en busca de un futuro mejor.

De camino hacia el Conservatorio de Santa Cecilia, donde imparto clases de violín, acudieron las imágenes de mi infancia en Tirana, el cuarto donde jugaba con Nesti y la pared donde colgaba el violín de su abuelo, un instrumento  inalcanzable para unos niños que años más tarde completaron sus estudios musicales tocándolo por turnos. Los dos fantaseábamos con lograr una beca que nos llevara a Moscú y de allí saltar a Europa y visitar Roma. El día del examen final de carrera, me precipité al cruzar la calle y Nesti salvó mi vida. Su brusco empujón logró que esquivara un droshky que pasaba a gran velocidad. Mi amigo sufrió el impacto del carruaje y quedó con severas lesiones en piernas y brazos. Yo pude examinarme mientras a Nesti lo trataban en el hospital y con la solvencia necesaria para obtener la ansiada beca de estudios. Después me enteré que él nunca pudo volver a tocar el violín y que su familia cayó en desgracia por escuchar una emisora de radio italiana, siendo llevado junto a sus padres a trabajar a una mina de carbón.

Los albaneses refugiados de Bari quedaron hacinados y expuestos al sol de agosto en un campo de fútbol, lo que propició que, durante la noche, centenares de ellos se fugasen y se dispersasen en distintas direcciones. Levanté la mirada y creí reconocer a unos pasos por delante de mí a alguien muy familiar. Posiblemente mis recuerdos me llevaron a pensar en Ridvan, el padre de Nesti, con un aspecto algo más envejecido, pero con sus típicos andares a pesar de la ayuda de una muleta. Atravesó con tanta agilidad la vía del Corso que, temiendo perder su rastro, crucé apresuradamente la calle sin percatarme de la motocicleta que me lanzó al asfalto. Aturdido y rodeado de transeúntes que recriminaban mi descuidada acción, escuche en un albanés perfecto: “Por fin juntos en Roma, pero esta vez no pude proteger al amigo”. Nadie me ayudó a ponerme en pie y recogí del suelo el estuche de mi violín mientras todos se alejaban sin dejar de mirarme con cierto desprecio. 

Identidad en tránsito es una exposición de Pedro Cano que se puede visitar hasta el 2 de febrero de 2022 en la Sala de Bóvedas de la Casa de la Panadería (Plaza Mayor, 27) de Madrid, de martes a domingo, de 11 a 20 horas.

Las personas con curiosidad por la música barroca de Johann Sebastian Bach disponen de seis conciertos compuestos para varios instrumentos y que son perfectos para iniciarse en ella. Estas seis obras,  que son de una calidad excepcional, vamos a poder escucharlas en directo este mismo mes en el Auditorio Víctor Villegas en la interpretación de la Orquesta Barroca de Helsinki.

Cuando uno escucha con atención esta colección de conciertos entiende que Bach los empleara como tarjeta de presentación ante Christian Ludwig, Margrave de Brandemburgo y tío del rey Federico Guillermo I, con la intención de que le proporcionara un puesto en Berlín. El maestro alemán los compuso mientras ejercía como Kapellmeister en Köthen considerando los efectivos musicales que disponía en ese momento.

Cuando el Margrave recibió en marzo de 1721 los Conciertos de Brandemburgo, no debió tener suficientes músicos para interpretarlos en su ensemble de Berlin y quedaron aparcados en su biblioteca hasta su fallecimiento trece años después, para ser de nuevo archivados en Brandemburgo durante 115 años más tras su venta por algo más de 25 euros actuales.

En 1849 los conciertos fueron redescubiertos y un año más tarde publicados para su interpretación en orquestas modernas, agrupaciones de cámara o en versiones para piano a cuatro manos.

¿Qué nos vamos a encontrar en estos cien minutos de intensa música? Es difícil responder con palabras a lo que se experimenta con tanta intensidad en directo y a través de los cinco sentidos. 

En primer lugar, estas partituras son un documento histórico de cómo era la música en la corte de de Köthen. Los músicos, además de dominar perfectamente su instrumento, eran capaces de tocar otros con gran destreza, de forma que podían rotar en los diferentes papeles asignados. Los conciertos de la época tenían una triple estructura: La cuerda solía actuar como tutti de acompañamiento en el denominado ripieno. Los solistas formaban el otro cuerpo musical y, entre ellos, destacaba el concertino que tenía un papel más virtuoso.

Los seis Conciertos de Brandemburgo están compuestos en tonalidades mayores y tienen gran influencia de los maestros italianos como Vivaldi, Corelli y Gabrielli. Es muy habitual que parte de ellos contenga materiales empleados en otras obras de Bach como cantatas, corales y conciertos para otros instrumentos.

El primer concierto de ellos BWV 1046 está compuesto en Fa mayor y es el único de los que compuso Bach que tiene cuatro movimientos. Entre los instrumentos destaca la trompa de caza y el violín piccolo (pequeño).

En el segundo, también en Fa mayor, participa la trompeta en registro de clarín, aunque por las dificultades técnicas de este instrumento de época, no lo hace en el segundo movimiento del concierto, escrito en modo menor.

El tercer concierto BWV 1048 en Sol mayor es el más interpretado de todos y entre los efectivos no hay instrumentos de viento.

En el cuarto de la serie, también en Sol mayor, el protagonismo lo adquiere el virtuosismo del violín y Forkel dijo de él que “Nadie puede agotar jamás su belleza”.

El quinto concierto está compuesto en tonalidad de Re Mayor para el clavecin como instrumento solista, aprovechando que en la corte de Köthen se había adquirido este instrumento procedente de Berlín.

La pieza que completa la colección se compuso en Si bemol mayor sin la participación del violín. Bach incorpora esta vez dos violas de gamba y dos violas da braccio. Las primeras eran instrumentos un tanto pasados de moda, pero el compositor quería satisfacer al príncipe Leopoldo de Köthen, al que le encantaba tocar con su maestro de capilla. Así los instrumentos clásicos como la viola de gamba, el contrabajo y el clave participan en el ripieno, mientras que los modernos (viola da braccio y violonchelo) lo hacen como solistas.

El miércoles 15 de diciembre hay un motivo especial para ir al Auditorio. El esplendor barroco de la música de Bach no se extinguirá jamás, pero puede transcurrir mucho tiempo hasta que volvamos a tener una oportunidad como esta de escuchar su colección de conciertos más emblemática.

Nada más instalarse en esta ciudad alemana, Robert comenzó a componer varias obras, una de las cuales recibió el sobrenombre de Renana, ya que el río fue el propicio escenario del dulce momento de creatividad del maestro.

Entre noviembre y diciembre de ese año, Schumann escribió la que sería su Tercera Sinfonía (aunque realmente fue la cuarta y última que compuso) en cinco movimientos.

En estas semanas de noviembre, nuestro grupo de cámara ha comenzado a ensayar el tercer movimiento de la Renana, Nicht schnell, que como las mejores esencias, Schumann la guardó cuidadosamente y la dispuso en el centro de su nueva sinfonía.

Si el oyente presta atención en la audición de este breve y lento movimiento, descubrirá que el lirismo y la calma que transmiten los primeros compases, esconden la pulsión interna que tanto condicionó la existencia del maestro sajón.

La partitura de clarinete invita, desde el primer compás, al canto al unísono con el fagot, hilando una dulce melodía que debe sonar desde la lejanía sobre el pizzicati de las cuerdas. Los instrumentos de cuerda son los que mejor reflejan la agitación interna de Schumann con notas musicales llenas de tensión y que invitan a descifrar el enigma que propone el compositor y que termina por extenderse a la orquesta.

El tercer tema es un encantador interludio a cargo de las violas y que nos recuerda a las canciones de la infancia. 

En conjunto, este Nicht schnell es un lugar donde la fantasía de Schumann nos invita a soñar aunque seamos conscientes de que despertaremos en cualquier momento.

En cada curso académico y por estas fechas, imparto a mis alumnos el tema sobre los mecanismos fisiológicos de la deglución, una de las funciones más primitivas del mundo animal, al que pertenecemos.

El hecho de deglutir con normalidad es algo que iniciamos voluntariamente pero que finalizamos de una manera refleja y, por tanto, involuntaria. Para ello es fundamental que esta función se realice de una manera perfectamente coordinada para que el bolo de alimento pase al esófago sin que entre en las vías respiratorias, lo que en Murcia se conoce como “el irse por lo vedao”.

Cuando en el Neolítico, el hombre cazador decide dejar de formar parte de la naturaleza para intentar dominarla, se convierte en un ser sedentario, agricultor y acaparador de alimentos. A partir de entonces, el acto de sentarse en la mesa para comer con la familia, amigos o socios de negocios cobra una gran importancia y repercute en el estatus de bienestar, placer o éxito en la vida.

Uno de los casos más conocidos de catástrofe gastronómica en la Historia de la Música fue la crisis de llanto que agitó a Rossini cuando se le cayó al lago Como un apetitoso pavo relleno de trufas durante una excursión. 

En el mundo de la ópera se dan muchas circunstancias donde se celebra un acontecimiento alrededor de una buena cena (como la que Don Giovanni prepara al Comendador) o en un brindis, donde la ingesta de alimentos o bebidas se hace de una manera natural e inconsciente, al estar concentrados en la felicidad del momento.

La deglución de alimentos es crucial para los niños. Así en la ópera Hansel y Gretel de Humperdink, la comida está tan presente a lo largo de la partitura, que es el motor de todo lo que le sucede a sus personajes.

La traviata de Verdi empieza con una fiesta donde se conocen los dos personajes principales (Violetta y Alfredo) en un bullicioso brindis que refleja la importancia que tiene el goce en la vida. En La Boheme de Puccini, los personajes van a comer al Café Momus, donde la música acompaña las especialidades y aromas propios del parisino Barrio Latino.

Las tabernas y hosterías son lugares donde concurren los personajes de óperas como Cavalleria Rusticana, Carmen o Los cuentos de Hoffmann, donde las onomatopeyas deglutorias son más que evidentes: “Glou! Glou! Glou! Glou! Glou!”

Hay óperas donde es clave que el personaje trague con normalidad para que sucedan (o dejen de suceder) cosas. El brebaje con el que Sigfrido olvida a Brunhilda en el Ocaso de los dioses o el filtro de amor que desinhibe la pasión latente entre Tristán e Isolda no tendrían ningún efecto si los tres seres wagnerianos no tuviesen intactos sus mecanismos deglutorios.

El elixir de amor que vende el charlatán que se hace llamar Doctor Dulcamara y que no es otra cosa que vino de Burdeos no tendría sentido si no hubiese clientes tan ilusos como Nemorino con capacidad de beberlo con normalidad.

La maldad de Yago no sería tan implacable si Casio, el fiel capitán de Otello, no pudiese tomar suficiente vino de Chipre para mostrarse como un incompetente militar borracho y agresivo ante los ojos de su valedor.

Las alteraciones de la deglución conllevan déficits nutricionales que acaban mermando la salud de los personajes de las óperas. Así, los pacientes que sufren melancolía, desequilibrios mentales, demencias o delirios, ven alterados los instintos de nutrición y saciedad hasta el punto que se abandonan hasta la debilidad extrema.

Lady Macbeth que, en un momento dado, brinda con vino y lo utiliza para añadirle el somnífero destinado al rey Duncan, al final sufre tal trastorno mental que finalmente el delirio e insomnio alteran irreversiblemente su apetito e instinto de supervivencia.

Otro icono tan célebre como creíble de la locura es Lucia di Lammermoor cuya fragilidad psíquica aderezada con la presión del entorno la sumerge en un delirante trance de fatales consecuencias.

Sir Jonh Falstaff, el particular personaje de la última ópera de Verdi, representa el culto al placer que genera la comida y, sobre todo, la bebida en abundancia. En una cómica escena, mira su barriga y la acaricia al tiempo que se reafirma en su filosofía de vida: “Este es mi reino. Lo engrandeceré”.

Estrenado en la maratoniana tarde vienesa del 22 de diciembre de 1808, con Beethoven como solista, el Cuarto concierto para piano opus 58 compartió su primera puesta en escena con las sinfonías nº 5 y nº 6, la Fantasía Coral, algunos movimientos de la Misa en Do mayor y las escena de concierto “Ah, Perfido”, además de algunas improvisaciones que el célebre intérprete tocó al teclado.

Cuatro hora de concierto dieron para mucho y, no faltaron los imprevistos en escena a consecuencia del ímpetu de Beethoven al dar entrada al primer tutti orquestal del concierto. Tal era la concentración en su interpretación que el pianista alemán dibujó tan gestualmente un esforzando con los brazos que impactó con las dos lámparas dispuestas a cada lado del instrumento, lo que obligó a comenzar da capo el concierto una vez se silenciaron las carcajadas del público. Como el hombre es el único animal que tropieza dos veces, al dar entrada a otro esforzando, la mano derecha del solista impactó en la boca de uno de los niños rescatados del coro para que situaran a cada lado del teclado y sujetaran las lámparas. El mal genio de Beethoven se tradujo en unas cuantas cuerdas rotas durante la ejecución del solo de piano.

Esa noche fue la última vez que el compositor actuó como solista con orquesta ante el público y, de una manera un tanto injusta, el Concierto en Sol Mayor causó tan fría impresión que quedo un tanto relegado. Beethoven pasaba en ese momento de su carrera por un periodo de intensa creatividad y así vieron la luz el Concierto para violín, la Sonata Apassionata y la Overtura Leonora.

El Concierto nº 4 para piano es una de las mejores e innovadoras composiciones de Beethoven ya que nos lleva a la antesala del Romanticismo. En conjunto, podemos etiquetarlo como de “expresivo diálogo entre leales”, ya que la orquesta se libera de su cometido de acompañamiento para entablar una equilibrada conversación con el solista.

El primer movimiento Allegro moderato comienza con una dulce frase del solista que llamó mucho la atención del oyente de la época, acostumbrado a escuchar la entrada orquestal preparatoria de la actuación del pianista. El constante diálogo entre la orquesta y el piano hacen que los dos temas que se contrastan en este movimiento envuelva con agrado nuestro sentido del oído.

El segundo movimiento es uno de los más sublimes y enigmáticos de la Historia de la Música. Considerado por los historiadores como un diálogo entre dos personajes imaginados por el compositor y que su biógrafo Adolf Bernhard Marx centra en el momento que Orfeo (piano) doma a las Furias del Reino de Hades (cuerdas al unísono).

El maestro Achucarro hizo una interpretación tan verosímil de este Andante con moto, que parecía estar refiriéndose a dos estados de una misma persona. Por un lado el de los impulsos gobernados por el instinto (la cuerda orquestal) sobre los que se impone de una manera serena y convincente la conciencia y las buenas maneras (el piano). 

La obra se completa con un Rondo de perfil tradicional con mucho ritmo y que resulta tan inquietante como vital. La música de Beethoven siempre va hacia delante. Tanto es así, que nos lleva al futuro sobrepasando al Romanticismo.

La última semana del ECOS Festival Internacional de Música Antigua de Sierra Espuña nos trae a escena a una soprano de la tierra con especial sensibilidad para la interpretación.

Olalla Alemán, nuestra invitada, actúa hoy viernes en el Santuario de Santa Eulalia de Mérida, más conocido por todos como La Santa de Totana, en un programa que incluye una selección de arias de Haendel y con el cartel de “No hay entradas”.

Olalla nace en un ambiente artístico propiciado por el amor de su madre y abuela paterna hacia la música en un hogar con piano donde se escuchaba música clásica y zarzuelas. Un anuncio en prensa la animó a presentarse con tan sólo diez años al coro infantil del Orfeón Fernández Caballero, antesala de una formación en canto en los conservatorios de Murcia, Madrid y Barcelona y, como ella nos cuenta: “la vida te lleva y de la manera más sencilla, me hice profesional”.

Las tres bellas obras que interpretará pertenecen a las colección de Nueve arias alemanas del maestro de Halle: “Fueron compuesta para voz, bajo continuo y otro instrumento solista sin especificar y que puede ser una flauta travesera, un violín o un oboe”. Escritas sobre poemas del senador hamburgués Bartold Heinrich Brockes, estas obras no fueron concebidas como un ciclo o con carácter unitario y Olalla las define como “muy delicadas, de gran belleza y con un trasfondo religioso, moralizante o de exaltación de la naturaleza. Dos de ellas tienen un carácter muy tranquilo que evocan la calma de un paisaje o la belleza de una rosa, como si se tratara de un encuentro con Dios. La otra es más alegre, exaltada y virtuosa”.

Para la Alemán, es un reto el preparar estas arias escritas en lengua alemana ya que además de la pronunciación es importante conocer el significado de cada palabras: “De este modo te puedes mantener fiel y transmitirlas con la sonoridad y la intención con la que fueron creadas”.

Técnicamente no son fáciles de cantar, “pero sí muy agradecidas. Están tan bien compuestas que son miel para la voz. Sólo hay que dejarse llevar para que los saltos de la melodía sean gráciles y que la coloratura sea bonita. La música de Haendel siempre merece mucho la pena”.

La soprano murciana siente predilección por cantar en espacios amplios: “Las habitaciones de casa son reducidas y la onda de la voz no tiene tiempo de expandirse y desarrollarse. Sin embargo en una iglesia o un auditorio con buena acústica la reverberación es mejor. A la hora de cantar al aire libre, estas supeditada a la amplificación, en el caso de que exista. Siempre confío en los técnicos para conseguir lo mejor de mi y que el producto quede perfectamente envuelto y sea agradable al público”.

La agenda de Olalla Alemán está llena de proyectos importantes e ilusionantes a corto y medio plazo, que incluyen la colaboración artística con la bailaora Rocío Molina, la grabación de un disco de música recién descubierta con el conjunto hispano-belga denominado La Hispanoflamenca, la presentación de un compact disc con música temprana del Cancionero de Palacio y Canto de la Sibila, un concierto en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), el estreno de la zarzuela con los Músicos de su Alteza y una pasión, entre otros: “Tengo la suerte de que voy a trabajar con unos compañeros fantásticos y una música bellísima”.

Los que mañana tengan la fortuna de asistir al recital conjunto de Brezza y Olalla Alemán en La Santa de Totana, entenderán por qué la soprano, que ha participado en conciertos por Europa y América Latina junto a artistas de primer nivel, es una de las voces emergentes en la lírica actual.