No es buena la idea incordiar a la madre Naturaleza. El hombre que desde hace miles de años habitaba el medio físico rodeado de piedras, plantas y otros animales y sometido a las implacables leyes naturales, un día pensó que podía someterlo y en ello persevera hasta nuestro días con más pena que gloria.

Hace cinco años, durante un curso sobre canto histórico celebrado en Aledo, Jorge Losana, director musical de la Coral y de la Orquesta Universitaria de Murcia idea la plataforma artística Early Music Proyect, rodeándose de otros jóvenes con talento y creatividad suficientes para desplegar y amplificar la importancia de la Música Antigua en nuestra región, situando su epicentro en el bello paraje natural de Sierra Espuña.

A partir de 2017, el ECOS Festival de Sierra Espuña ha ocupado un lugar estratégico en el calendario nacional e internacional de la Música Antigua llevando esta disciplina artística a Aledo, Alhama de Murcia, Librilla, Mula, Totana y Pliego donde se agregan otros elementos de índole histórica, filosófica, arquitectónica y gastronómica.

Música Inesperada ha seguido la trayectoria del ECOS Festival desde su despertar en este entorno natural donde se conjugan la importancia de un proyecto de primer nivel y el cuidado por los pequeños detalles. Nuestra invitada de hoy es Amber Kay, soprano profesional, licenciada en Bellas Artes, productora musical y gestora cultural, que presenció los primeros latidos del festival asumiendo desde entonces responsabilidades en la coordinación y producción artística: “Mi relación con ECOS ha sido muy estrecha desde los primeros instantes en los que se denominaba Early Music Aledo. El festival fue una idea de Jorge Losana al que conocí como director del Coro y Orquesta Universitaria de Murcia, en la que participaba junto a otros compañeros que hoy también forman parte del staff del evento. Bajo la dirección y visión de Losana este festival se ha consolidado en el mundo de la Música Antigua”.

En esta edición de ECOS Festival ha participado el Dúo Mavra formado por Amber Kay y la clavecinista Marina López: “Nos conocimos en la primera edición del festival, donde estuvimos ensayando y haciendo música durante dos semanas. Las dos encontramos un terreno común en la música de finales del Renacimiento y Barroco temprano y enseguida nos dimos cuenta de que teníamos concepciones sobre la interpretación similares y que podríamos crear un proyecto conjunto”.

Desde entonces Amber y Marina, Marina y Amber han ofrecido conciertos en distintos eventos, aunque el momento ideal para formalizar su colaboración no llegó hasta finales de 2019, cuando surge el Dúo Mavra, nombre inspirado en una ópera de Igor Stravinsky que fue polémica por ser consideraba una obra de escasas dimensiones para los grandes espacios donde se programó: “Nos gustó el nombre de Mavra por ser música demasiado pequeña para un escenario y por la estética del término. Marina había terminado su carrera de Clave en el Conservatorio Superior de Murcia con Javeir Artigas y yo iniciaba mi tesis doctoral en Bellas Artes, así que decidimos que era el momento de crear Mavra y continuar un proceso conjunto de investigación en la conjunción poética y musical, donde nos interesa cómo se reflejan las emociones de esta música y cómo resuenan en el público de hoy”.

Para la soprano y la clavecinista, el ofrecer el micro-concierto de la Iglesia de San Bartolomé de Librilla ha sido un cierre precioso de un ciclo de cuatro años en los que empezaron como músicos residentes del ECOS Festival y han concretado este año con un papel más relevante. La pieza que han interpretado es una delicada aria inglesa titulada Have you seen but a white lily grow?” (¿Has visto crecer alguna vez un lirio blanco?), compuesta por el laudista y compositor Robert Johnson (1550-1625) sobre texto de Benjamin Jonhson para la obra teatral The Devil is an Ass (El diablo es un desastre), una crítica a la sociedad del momento imposible de ser empeorada por la maldad de un demonio enviado a La Tierra con este fin. Amber nos aclara que a pesar de que los dos autores no estaban emparentados, mantenían una excelente complicidad artística: “Robert escribía música para teatro, llegando a colaborar con autores de la talla de Shakespeare. En la canción, la música está al servicio del texto teatral de forma que cuando aparece el verbo grow la melodía crece en un salto completo de octava y pocos compases después,  con el verbo caer, la melodía sufre un descenso. La armonía está en modo mayor cuando se nombra la palabra lirio, pero al hablar del riesgo de que se estropee al tocarlo, la música pasa al modo menor. Por otra parte, el acompañamiento de la pieza tiene un carácter muy libre que se adapta a la expresividad propia de una pieza teatral. Todo está estrechamente relacionado con el fin de apelar a las sensaciones y a los sentimientos”.

Las integrantes de Mavra observan cada detalle de esta partitura y destacan el hecho de que por primera vez en la música inglesa de la época se hable de sentimientos humanos y de melancolía de una manera tan sincera, pura y personal: “Es una pieza evocadora que ofrece un imaginario extenso y que abarca a los cinco sentidos. La música de esta obra expresa fascinación y adoración absolutas de manera que es imposible expresar ningún tipo de ego por parte del intérprete. Hay que seguir esa línea de pureza para que la interpretación sea sincera”.

Hablábamos al principio de la repercusión que tiene la mano del hombre sobre el entorno donde vive y en este sentido, Amber Kay destaca que esta aria es una  apología a la belleza a la naturaleza y sobre como podemos estropearla si influimos sobe ella: “Es una reflexión tremendamente relevante hoy en día”. 

El Dúo Mavra mira al futuro dentro de la línea de investigación sobre la conjunción poética y musical de la música inglesa del Renacimiento y Barroco: “Queremos seguir indagando en las posibilidades interpretativas que ofrece esta música tan estrechamente vinculada al teatro. La plataforma del ECOS Festival nos ayudará a reprogramar los conciertos que desgraciadamente se cancelaron por la pandemia y tenemos prevista la grabación a final de año de una pieza relacionada con el teatro renacentista escrita por John Wilson”.

No deja se ser un alivio saber que Mavra seguirá con sus proyectos de futuro, especialmente tras visualizar el vídeo de Have you seen but a white lily grow? que les propongo a continuación y en el que no les bastará con escuchar y ver. Ya les advierto de que desde la primera frase corren el riesgo de ser atrapados por el asombro de sus cinco sentidos y de llegar a percibir el brillo del lirio, la caída de la nieve, el tacto de la lana, la suavidad de las plumas de un cisne, el olor de un capullo o el sabor de la miel. Todo un ejemplo de la delicadeza con la que la voz y el clave de Mavra expresan, lo que notas y palabras, por sí mismas no logran hacer.

El maestro llegó a la sala muy contrariado. Era un hombre metódico y ordenado que se tomaba su tiempo para preparar bien los ensayos. Los músicos de la orquesta lo esperaban expectantes con los instrumentos perfectamente afinados, ante la visita de un invitado de mucho prestigio. Lo reconocieron fácilmente porque su rostro, sensiblemente rejuvenecido, era habitual verlo en las carátulas de discos compactos de música clásica. La ilusión que generaba un invitado tan especial era enorme ante una prometedora semana de ensayos.

Eran las cinco de la tarde cuando el director elevó su batuta y la música vibró en toda la sala. Los profesores de la orquesta habían estudiado a fondo sus particellas con el plus de motivación que tiene el trabajar un programa con un experto de renombre y el conocer su fama de malas pulgas ante músicos que consideraba no comprometidos con el cometido.

De pronto, el director detuvo la música golpeando el atril con un rítmico gesto de batuta y miró fijamente a los ojos del solista de corno inglés. La cara del maestro tornaba a un color verde oliva al tiempo que se enrojecían las orejas del músico de viento. Tras unos segundos de interminable tensión, dijo con energía y en un más que aceptable español: “Toque como si cantara a su abuela. Todos a César”. Los miembros de la orquesta suspiraron con alivio y retrocedieron ágilmente hasta la página de la casilla “C”. La batuta se elevó de nuevo sobre sus cabezas y continuó el ensayo.

De pronto, una señal de alarma recorrió toda la sección de los violines segundos, que fueron los primeros en apercibir que el solista de timbal se había dormido. La tarde era calurosa y en la sala, la tormenta postprandial se estaba cobrando su primera víctima. La sensación de angustia se extendió al resto de la orquesta que no daban crédito a que uno de sus mejores músicos cayera en los brazos de Morfeo justo ese día y ante un director tan exigente. Conscientes de lo complicado que es ser el solista del timbal, cuando tienes un número interminable de compases de espera antes de entrar en acción con el máximo protagonismo y precisión, los miembros de la orquesta palidecían al verse privados de su rítmico corazón.

La situación fue especialmente tensa a falta de veinte compases para que el timbalero recibiera la entrada del maestro. En el extremo contrario de la sala, el gerente y el inspector de la orquesta, no daban crédito de lo que ocurría sin que pudieran darle solución. Todo el mundo temía la violenta reacción del exigente maestro y un acaloramiento profuso y generalizado se hizo evidente en los atriles. Sólo quedaban tres compases para la entrada del solista de timbal y éste permanecía con el cuello inerte y la cabeza inclinada. Definitivamente, no había tiempo para reaccionar cuando el maestro elevó la mirada y alzó con fuerza la mano izquierda. Sus dilatadas pupilas y sus expresivos ojos anticipaban la catástrofe. La batuta se detuvo en el punto más alto alto y una descarga de adrenalina inundó el podium de un líder que, con ostentosa satisfacción desplegaba los brazos y esperaba el impacto de la baqueta en la membrana del timbal. Nunca el sonido de este instrumento fue tan celebrado por calidez y oportunidad, al tiempo que el solista, guiñando con complicidad, sonreía ante la atónita cara de los presentes. El intenso calor de la sala, lejos de detener el reloj interno de la orquesta como presumían sus integrantes, se alió con el espíritu bromista del que maneja los latidos.

Dedicado a Andrés Vidal Martínez, solista de timbal de la OSRM.

Entre las virtudes más sobresalientes en las que destacó Puccini estaba su capacidad para describir la personalidad femenina con música, a través de mujeres en escena como Tosca, Madama Butterfly, Mimí, Manon o Minnie, entre otras.

Paradójicamente, en Turandot, la heroína de Puccini no es la “princesa de hielo” que da nombre a la ópera, sino Liú, el otro personaje femenino que con su humanidad conmovedora, es perfectamente creíble ante nosotros hasta el punto de agitarnos emocionalmente.

De una manera rotunda, podemos decir que Liú es la mujer que mejor representa como el compositor italiano maneja los temas delicados. En otra ocasión ya les hablé del “instinto neroniano” de Puccini refiriéndome a su capacidad para alternar entre la más terrible crueldad y el amor más puro.

En el primer acto de la ópera, Calaf, el príncipe desconocido, llega a la corte de Turandot en Pekín y se enamora de ella. Allí se da a conocer como un nuevo pretendiente para casarse con la princesa en contra de las advertencias de su padre, de su sirvienta Liú y de tres máscaras que resultan ser los ministros del emperador. Calaf decide someterse con determinación a los tres acertijos que “la princesa de hielo” le propone  a sabiendas de que un error significaría su muerte.

Una vez más, la ópera de Puccini muestra la naturaleza humana y la credibilidad de un enamorado que, preso de la obsesión, no atiende a los consejos y a advertencias para llevar a cabo su empresa. 

Tanto se centra la atención de Calaf en Turandot que permite atónito que la mujer que lo ama, Liú, sea torturada y finalmente se quite la vida, una vez que ella entiende que su amor hacia el príncipe es imposible y que su gesto protege su identidad y por tanto su vida.

Puccini dejó de escribir en la partitura de Turandot justo cuando muere Liú, hecho que tiene un claro reflejo en la producción que se está representando en el Liceo. Al final de la ópera, Turandot descubre que es una mujer con capacidad para amar, pero a diferencia de la versión original completada por Alfano en la que se casa con Calaf, en la propuesta de Barcelona, la princesa besa a la yacente Liú al tiempo que el coro se desnuda para despertar de la irrealidad que está viviendo.

Turandot es una obra de arte en cuanto a melodías, armonías, orquestación, corales y colorido, pero ante todo es un alegato al amor puro y una lección de humanidad. Parece que el destino ha querido que estos días sea representada en Barcelona, donde la convivencia democrática es traicionada por la barbarie independentista.

La combinación de talento y esfuerzo es una temática atractiva de abordar y, si hablamos de los músicos nacidos y formados en nuestra ciudad que consiguen llegar a una orquesta importante, la satisfacción todavía es mayor. Desde hace unas semanas, la Orquesta Sinfónica de Madrid, titular del foso del Teatro Real de la capital de España, cuenta en sus filas con el violista murciano Javier Albarracín Abellán (1995), que ha obtenido una plaza definitiva en esta entidad tras un exigente proceso de selección.

Música Inesperada se ha hecho eco de algunos momentos importantes de la trayectoria académica de Javier y, por ello, hemos averiguado cómo se siente tras este éxito tan importante: “A decir verdad, aún no lo he asimilado del todo. Desde que comencé mis estudios musicales, me ha apasionado la música de orquesta, mi verdadera vocación y con la que me he sentido realizado incluso en los momentos difíciles. La ópera me ha fascinado siempre por ser un espectáculo mágico para todos, estemos en el foso orquestal o entre el público.  El poder dedicarme profesionalmente a ella en uno de los principales teatros de ópera de Europa me produce satisfacción, ilusión y vértigo a partes iguales”.

El joven violista inicia sus estudios en la Escuela de Música Chaplin, continuándolos en los Conservatorios Profesional y Superior de Música de Murcia. Se traslada a Barcelona para hacer el Grado Superior en la Escola Superior de Música de Catalunya, bajo la tutela del profesor Ashan Pillai y allí finaliza los estudios con la calificación de Matrícula de Honor en 2017: “He tenido la gran suerte de formarme con grandes profesionales, como Manuel del Buey, Juan Antonio Medina, Kasia Grenda, y Ashan Pillai en Barcelona. Todos ellos han aportado cosas positivas en mi formación, pero el profesor Pillai me abrió los ojos hacia el panorama violístico nacional y europeo y me preparó para las pruebas de orquesta”.

Desde la adolescencia, Javier toca con regularidad en distintas orquestas como la  entre las que destacan la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, Joven Orquesta Nacional de España, la European Union Youth Orchestra, Gustav Mahler Jugendorchester, Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya (OBC), Orquesta del Gran Teatre del Liceu,  Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y  Orquesta Sinfónica de Euskadi: “En las orquestas de jóvenes se aprenden todos los fundamentos musicales y artísticos, pero también valores importantes como el compañerismo, el respeto, el trabajo en equipo y la amistad.  Para mí y para muchos músicos de la región fue fundamental la etapa en la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia. Más adelante, en la Joven Orquesta Nacional y en la European Union Youth Orchestra, me maravilló descubrir a jóvenes de distintas partes de Europa, con culturas e idiomas distintos que disfrutaban de la música juntos dejando a un lado cualquier diferencia. Terminábamos casi todos los conciertos con lágrimas de emoción por lo conseguido entre todos”.

Otra formación importante para Javier Albarracín es Camerata de Murcia, en la que ha desarrollado los fundamentos de la música de cámara y por la que ha sentido especial atracción. Es miembro fundador del ensemble Ars Murciae y el Cuarteto Tudmir y en el futuro tratará de hacer compatible estas actividades en su nueva etapa profesional: “Me gustaría ser un músico lo más completo posible, y seguir disfrutando de la música de cámara y de la histórica. Supone un cambio de enfoque interpretativo y contando con la estabilidad que la Orquesta Sinfónica de Madrid me proporciona, invertiré parte de mi tiempo libre en interpretar música de cámara y en seguir formándome. Siempre hay muchas cosas que mejorar y aprendo mucho con cada nuevo profesor que imparte un curso o una masterclass.”

Decíamos que la carrera académica y profesional de Albarracín es un ejemplo de cultura de esfuerzo combinada con talento. A sus 24 años, ha actuado como solista junto a la Orquesta Universitaria de Murcia y la Orquesta de cámara de Cartagena, y ha sido galardonado con el primer premio en los concursos Entre Cuerdas y Metales (2013) y Villa de Molina (2014). Su recomendación para los más jóvenes es: “Que nunca desesperen ni tiren la toalla. En nuestra profesión, los resultados del trabajo y el estudio concienzudo no son inmediatos. Hay que tener fe en tus capacidades y tu talento aunque el fruto no sea visible en pocos días, semanas o meses. Si el trabajo es bueno, el resultado finalmente acabará llegando. Joaquín Riquelme, violista de la Filarmónica de Berlín, dice que el secreto para llegar lejos es ≪estudiar, estudiar, estudiar, y más estudiar≫. Otro consejo que me marcó del profesor Pillai de Barcelona fue que ≪los pasajes orquestales deben ser tratados como joyas de la música≫, ya que una cuidadosa y meticulosa preparación de  los mismos marcan la diferencia en un concurso”.

Este músico viene a Murcia cada vez que sus obligaciones se lo permiten. Para él nuestra ciudad “va abriendo los ojos en lo que a música clásica se refiere y se nota mucha mejoría en los últimos años. Los ciclos sinfónicos del auditorio son muy buenos, pero me gustaría que se apostara más por la música de cámara, con un ciclo estable, una orquesta de cámara de calidad y una programación regular que no descuide el talento de los jóvenes. Murcia siempre ha destacado por la formación de la cantera de músicos.”

Enhorabuena a Javier, a toda la familia Albarracín Abellán y, por supuesto, a la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Hace unas semanas hablábamos de lugares de nuestra región fieles a la tradición europea de programar festivales de verano de música clásica cuidadosamente organizados. Las noches estivales son propicias para disfrutar de eventos culturales porque nuestros sentidos, sin el estrés cotidiano, son capaces de percibir y asociar emociones hasta sobrepasar el umbral extrasensorial.

Águilas es una ciudad que apuesta por la música clásica aunando inteligentemente las iniciativas de entidades y colectivos afines a este cometido. La costa marítima que baña esta localidad célebre por su Carnaval, también alcanza en su abrazo al Castillo de San Juan de las Águilas y al Auditorio Infanta Elena, dos enclaves donde se mima una visión más intelectual de la cultura que necesita de la calma y de los silencios.

El Ayuntamiento de Águilas como catalizador de las brillantes propuestas de la Asociación Promúsica de esta ciudad y gracias a la colaboración de Chema Casanova director de ClaMo Music, han reeditado un año más los Conciertos del Castillo, con veladas musicales presididas por la luz de la luna, en un entorno excepcional, con grandes intérpretes y organizadas con todo detalle, si bien, habría que controlar la incómoda amplificación del sonido del viento.

El concierto ofrecido por los tres pianistas finalistas del Concurso Internacional ClaMo Music fue magnífico y el público se mostró muy atento y concentrado, lo que facilitó que cada intérprete mostrara su propia personalidad artística.

Como aficionado a la música, me gustó la tertulia con los músicos tras el concierto. Tras escuchar muy buenas interpretaciones de Bach, Chopin, Liszt, Wagner, Rachmaninov, Debussy o Balakirev, los asistentes disfrutaron de una distendida conversación con los músicos, que agradecieron el “ambiente amigable con buenas sensaciones pero con la necesaria tensión del silencio entre las piezas” como confesaba Alexander Sonderegger, el pianista y profesor de la Universidad de Stuggart.

La programación comenzó con una soberbia interpretación de Paris Tsenikoglou de la Partita No. 5 de J.S. Bach. Este pianista griego formado en Munich y Salzburgo, donde también imparte docencia, se sentía especialmente satisfecho por tocar ante un aforo completo: “Cada concierto es el más importante de mi carrera y me gustan los lugares con energía donde tanto el público como yo estamos concentrados”. Completó su actuación con piezas de Chopin donde mostró tanta pasión y lirismo, que podría afirmarse que el compositor polaco las escribió para él.

Alexander Sonderegger fue fiel a su condición de formidable pianista ruso formado en Alemania. Las obras de Rachmaninov, Liszt y Balakirev llegaron a los oídos como música en estado puro, con una digitación virtuosa salpicada de lirismo y poesía.

Ruben Micieli, ganador de la edición del Concurso ClaMo Music 2015 cerró el concierto con obras de Liszt. A pesar de la frescura que otorgan los veintidós años, mostró una madurez y una sensibilidad sorprendentes, con un excelente control de dinámicas y tempos, un virtuosismo lleno de musicalidad y aportaciones rítmicas propias que agradecieron las más de trescientas personas del auditorio.

La noche finalizó con una simpática y brillante puesta en escena de la Obertura de la ópera Carmen de las seis prodigiosas manos sobre el piano. A continuación, como les decía, pudimos felicitar a los pianistas y aprender de sus impresiones y proyectos. Ruben Micieli prepara para noviembre un concierto en Piacenza donde interpretará los 24 Estudios de Chopin pero no quiere descuidar su participación en concursos: “No me gusta ganarlos por el premio en sí, sino porque te posibilita tocar más conciertos”, reconoce el pianista de Módica, localidad siciliana cercana a Ragusa.

A Alexander le encantó tocar con sus dos compañeros la obertura de Carmen. Como plan de futuro destacó la interpretación del Concierto No. 1 de Chopin en Ulm (Alemania), dentro de dos meses y con la orquesta Collegium Musicum Ulm: “Disfrutar de la música cuando estoy en escena es algo básico para mí”. 

Paris Tsneikoglou se mostró muy discreto cuando le pregunté sobre su concierto ideal: “No quiero identificarme con determinada orquesta porque hasta que toco con ella no sé si me va a gustar. Cada paso en un sueño y esta noche mi sueño es Águilas”. Sorprendentes fueron las coincidentes respuestas de Ruben y Alexander: “Tocar con la Filarmónica de Berlín el Concierto No. 2 de Brahms”, afirmaron por separado, aunque Sonderegger prefería la sala de Philarmonie de Berlin y el pianista italiano la Carnegie Hall de Nueva York.

Por último les pregunté por su interés en la formación de otros músicos. Aquí la coincidencia fue absoluta: “Por supuesto que si, para enseñar, antes debe comprender muy bien lo que quieres transmitir” (Alexander). “Cuando se enseña, tú aprendes al mismo tiempo” (Ruben). “Siempre hay cosas que mejorar o tocar de una forma diferente. Es increíble compartir el entusiasmo de un alumno  cuando cambian las cosas tras darle un consejo”, confesaba Paris.

En conclusión, las veladas musicales del Castillo de las Águilas de San Juan de Águilas son un deleite para los sentidos de todo el que ame la música. Por favor, no olviden avisar cada año al señor del helicóptero que con tanto esmero deposita el piano en esta fortaleza de la cultura.

El misterio que rodea a Vexations de Erik Satie (1866-1925) está sin resolver a fecha de hoy. Para conocer mejor la obra, Antonio Agustin González Hidalgo, profesor de piano del Conservatorio de Murcia y  coordinador del extenso grupo de músicos que interpretará la obra, ha explicado en distintos medios de prensa y radio los entresijos de esta primera puesta en escena en Murcia. Con la ayuda de otros tres coordinadores, también profesores de piano de la ciudad, ha organizado al resto de los pianistas participantes.

El tocar Vexations dentro del proyecto Pianos en la Calle es un reto físico y mental. Aunque la pieza está formada por 152 notas a lo largo de trece compases, el músico francés dejó por escrito que habría que interpretarla una y otra vez de forma muy lenta: “Hay que repetirla 840 veces, con un final donde el sonido va disminuyendo poco a poco hasta hacerse imperceptible, lo que parece una broma. Como ya se ha hecho en varios sitios dentro y fuera de España, me he documentado bien y he contactado con otros músicos que la han puesto en escena”, explica González.

Con cierta frecuencia, un único pianista se ha propuesto tocar la obra, alimentándose regularmente durante el concierto para evitar un cuadro de hipoglucemia, como si se tratara de una carrera de maratón. La cadena de pianistas que en Murcia interpretarán la obra del “caballero de terciopelo” tienen otro desafío en mente: “Sin duda hay que conseguir un efecto de mantra tanto en el oyente como en cada uno de los músicos que en turnos de 20 minutos repetirán la obra. Los cuatro coordinadores supervisarán las rotaciones previstas en los músicos participantes para que Vexations no deje de sonar en el piano durante las diecisiete horas y media que durará este evento musical”.

La enigmática obra de Satie fue supuestamente compuesta para piano, el instrumento sobre el que desarrolló su carrera. Antonio Agustín nos explica que “la base de la partitura es un fragmento de dieciocho notas o sonidos de tonalidad grave, lo que se denomina bajo musical, que se toca dos veces seguidas de dos armonizaciones para la mano derecha que son tritonos, lo que le da una sonoridad muy particular“. Para que se hagan una idea del asunto, lo que hizo Satie fue emplear dieciocho acordes de dos sonidos a una distancia de lo que serían tres saltos de la escala musical que todos conocemos. Estas parejas de sonidos se llaman tritonos y, por su carácter disonante, en la Edad Media se consideraron como música escrita por el diablo y, por consiguiente, prohibida.

Satie era un músico que escribió pocas obras y por ello fue etiquetado de vago. En palabras suyas, tenía aversión por componer y Vexations tiene características que sorprenden, como es el hecho de que de las doce notas de la escala cromática, solo falte la nota sol sostenido. Probablemente, todo forme parte de la excentricidad de un músico que influyó en los pintores y artistas del siglo XIX, sobre todo del impresionismo y dadaismo, y que posteriormente sembró la discordia con ellos. 

El compositor galo no permitía que en su presencia se opinase de música con superficialidad y esto le llevó a enfrentarse mediante insultos con más de un crítico. Tampoco usaba el teléfono y para evitar ser perjudicado por sus efectos, descolgaba todos los que encontraba a su paso. Las 840 repeticiones de Vexations están en consonancia con una mente tan singular como para escribir una obra de teatro donde el protagonista en escena contaba del uno al cien mil.

Les animo a disfrutar de esta gran fiesta del piano, donde a lo largo del fin de semana se darán cita músicos de talla internacional con motivo del Concurso Clamo Music, pero en la que todos los pianistas de Murcia, ya sean profesionales o aficionados, llenaran el sábado de sonidos la ciudad siguiendo las indicaciones de los grandes genios de la música.

Vº Concurso Internacional Clamo Music. Viernes 10, sábado 11 y domingo 12 de mayo. Sala Caballerizas de Molinos del Río y Auditorio de Murcia. Ver: www.clamomusic.com

Pianos en la calle. Sábado 11 de mayo en lugares emblemáticos de la ciudad. Ver: https://pianosenlacalle.com

Comenzar el año reuniendo en casa a músicos es un privilegio. Cuando los instrumentos se acercan a nuestros sentidos, el espíritu de Franz Schubert inunda cada rincón de la estancia.

Aunque seguimos inmersos en el ECOS Festival de Música Antigua, ya se acerca la Early Music Night, la noche mágica de clausura que viviremos en torno a la emblemática Torre del Homenaje de Aledo. Por tercer año consecutivo, esta antigua y bella localidad de Sierra Espuña reúne a los principales grupos participantes en el festival y, como si de un halo misterioso se tratase, la villa se rodea de una atmósfera de complicidad casi irreal para músicos, público y organización.

Este mundo mágico es la síntesis de todo lo experimentado en las distintas sedes culturales que han albergado durante once días al ECOS Festival. Tras muchas horas de ensayos, de conciertos, de organización, de comunicación y de feliz imaginación, Aledo aglutina y canaliza las buenas sensaciones y energías compartidas en cada evento musical.

He pedido a los participantes del ECOS Festival que compartan con nosotros sus peticiones para la Early Music Night y he recogido testimonios tan interesantes como el de María Laura Witrth, flautista de pico del trío argentino Imaginario Barroco: “Espero disfrutar de un concierto en un contexto más descontracturado, tener otra interacción con el público y también escuchar a mis colegas en la misma sala y disfrutar de la última noche de este festival”. Para Hermann Scheirner, chelista de la misma formación, en esa noche espera “compartir música con los compañeros y que sea una linda velada para compartir música y pasarlo bien”. Y Alejandro Cattaneo, clavecinista que completa el trío valora mucho “los contactos personales y profesionales que ha hecho y compartir experiencias con otros ensembles, para crecer como grupo e introducirnos en el mundo de la Música Antigua”.

Uno de los grupos seleccionados para el ECOS Festival por el violinista Manfredo Kraemer, responsable de la formación y director del Taller de Música de Cámara, es Ars Quartetae (Murcia). Para sus integrantes, Aledo mágico es importante para “disfrutar de la música, de los compañeros y del trabajo realizado” como opina Santiago Navarro. A José Antonio Mondéjar y a Fran Díaz Hernández les gustaría “aprender mucho de los otros grupos del festival”. Jorge Mira , el integrante que completa el cuarteto, sueña con “encontrar esa noche un entorno muy emotivo donde escuchar las maravillosas músicas que estos días han llenado Sierra Espuña”.

Finalmente, Gabriel Belkheiri, Amparo Camps y Paula Molina de la formación valenciana L´Ampastratta, ven la Early Music Night como “un reto alegre y divertido sobre todo por la experiencia de tocar en un lugar con tan buena acústica, con un formato de concierto de 30 minutos, por la variedad de estilos musicales y alguna sorpresilla que tenemos guardada para el público”.

Definitivamente, nunca Aledo ha estado tan cerca de lo mágico.

 
Sábado 28 de julio. Aledo.
20:30h: Plaza de Aledo. Ars Quartetae
21:30h: Torre del Homenaje. Nuri Collective
22:30h: Torre del Homenaje. Imaginario Barroco
23:30h: Torre del Homenaje. Quartetto Nero
00:30h – Torre del Homenaje. L’Ampastrata

Entradas sueltas (3 euros) o abonos Early Music Night en www.ecosfestival.com

El verano nos trae buena música a la Región de Murcia. Desde mañana hasta el 28 de julio se celebra la tercera edición del ECOS Festival Internacional de Música Antigua de Sierra Espuña en la que los seis municipios que forman la mancomunidad se vuelcan en un evento musical de primer nivel y que organiza Early Music Project bajo la dirección artística de Jorge Losana.

Entre los atractivos de esta edición del ECOS 2018 están los grupos residentes seleccionados para el festival y que son el cuarteto femenino Quartetto Nero de Polonia; el trío argentino de flauta de pico, clave y cello denominado Imaginario Barroco y el cuarteto de flauta clásico formado por traverso, violines y cello llamado Nuri Collective, formado en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) por intérpretes de Corea del Sur, Suecia e Italia.

El concierto inaugural del ECOS Festival 2018 será ofrecido por los hermanos Pablo y Daniel Zapico en el Estrecho de la Aualeja, un entorno espectacular que la naturaleza nos ha regalado en las cercanías de Aledo. La disponibilidad de estos músicos para contarnos cómo va a ser su concierto de música antigua, nos permiten adelantar que van a ser fieles a los criterios históricos del periodo correspondiente, empleando como instrumentos la tiorba y la guitarra barroca. Daniel explica que: “El programa «Mediterránea» tiene mucha dosis de frescura e improvisación y reúne danzas españolas e italianas del Barroco para estos instrumentos. Son piezas propias del repertorio de cada uno de los instrumentos sobre las que hemos trabajado nuevos acompañamientos y variaciones, tal y como era práctica en la época”.

Para los arreglos de guitarra y tiorba, los intérpretes han creado estructuras formales muy parecidas al lenguaje pop moderno, formadas por estrofas con uno o dos estribillos. Para Pablo esto no es un invento de hoy día: “Es algo común a cualquier tipo de música popular y es lo que la hacía pegadiza y fácil de recordar. No nos conformamos con escribir la partitura de arriba a abajo porque en nuestra opinión no fueron concebidas así. Las partituras por entonces eran simplemente unas pautas o instrucciones para desarrollar tu propia música a tu propio gusto.”

Esto, desde luego, tiene el aliciente de que a medida que se desarrolla la pieza, acabe independizándose del resto, según opinan los Zapico: “Además, aunque uno acometa la mayoría de los solos y el otro le acompañe y reaccione en cada uno de ellos, en ocasiones nos intercambiamos los papeles y así la posibilidad del diálogo duplica el crecimiento de la obra”.

Sobre las particularidades de los instrumentos, Pablo aclara que “en términos generales, la tiorba es un instrumento de poderosa tesitura grave, carácter rítmico y un timbre profundo capaz de llenar por sí solo cualquier espacio. Las características de la guitarra barroca atendiendo a su técnica de ejecución son el punteado, que la hace muy ágil, y el rasgueado con el que dibuja enormes contrastes dinámicos dotados de mucho ritmo”.

Los afortunados que asistan al concierto de mañana (hay dos horarios) escucharán obras y sonoridades nuevas. Daniel advierte que “los momentos mágicos se producen de forma diferente en cada persona ya que van ligados a alguna sensación, sensibilidad o experiencia personal que conecta en mayor grado con una pieza o situación concreta”.

Lo que es indiscutible es que con la calidad de estos músicos y la belleza singular del entorno, surgirán muchos instantes con magia que los intérpretes tratarán de transmitir al oyente. Para Pablo, “el espacio juega un papel muy importante, si no definitivo, para lograr la deseada comunión entre el intérprete y el público. Cuando sientes que la audiencia disfruta, escucha con atención, marca el compás con el pie o sonríe, quieres dar lo mejor de ti y corresponderles”.

Además de actuar en concierto, Pablo Zapico impartirá los días 19 y 20 de julio, el Curso Intensivo de Bajo Continuo dentro de la Academia Internacional del ECOS Festival. El programa de conciertos lo pueden consultar en www.ecosfestival.com.

Miércoles 18 de julio, 21h y 22:30h. Estrecho de la Agualeja de Aledo (Murcia). Concierto de Apertura del ECOS Festival: Mediterránea. Danzas españolas e italianas del Barroco de Gaspar Sanz, Giovanni Girolamo Kapsberger y Santiago de Murcia. Entradas entre 5 y 15 euros.