Imaginemos que un pianista nos invita a cenar con un menú-degustación constituido a base de música exclusivamente. Un concierto de piano donde cada una de las piezas tengan una conexión. Precisamente, esto es lo que nos propone Lázaro Fernández Millán en su recital de piano con el que se inaugura el ciclo ideado por Ángel Campos Gil, director del Centro Cultural Las Claras de la Fundación Cajamurcia y que comienza esta semana en el Aula Cultural de Gran Vía de la capital.

Este ciclo se denomina Piano con mucho gusto y consta de tres recitales de piano interpretados por reconocidos músicos de contrastado nivel artístico. En escena podremos escuchar junto a Lázaro Fernández Millán a las pianistas Laura Moratón Carrasco y Ángela Alonso García, que ya han pasado por Música inesperada.

Lázaro cursa en la actualidad los estudios de piano en el Conservatorio Superior de Música de Murcia bajo la tutela de la catedrática Pilar Valero. El concierto que nos ofrecerá mañana abarca obras de Bach, Rachmaninov y Chopin que tienen clara afinidad con el compositor polaco: “La tercera sonata de Chopin es una de las grandes obras de piano del Romanticismo y sin duda el plato fuerte de la velada. Las danzas de la Suite inglesa de Bach son preciosas y la Elegía de Rachmaninov es prácticamente un nocturno de su primera época, que recuerda a Chopin por los arpeggios con acordes en Mi bemol”.

Este joven lorquino de veinte años crece jugando bajo el piano de casa hasta que sus padres le animan a estudiarlo. Poco después descubre que es el instrumento con el que puede expresar lo que siente a cada momento: “A pesar de que tocar el piano sea algo solitario, para mí es el instrumento rey, porque me permite interpretar la infinita gama de colores de una orquesta”.

Del concierto que ha preparado en torno a Chopin, nos recomienda que restemos especial atención a su Sonata número 3: “Creo que lo que va a gustar más al público son el primer y el cuarto movimiento de esta obra, porque son realmente sublimes”.

Los proyectos a corto plazo de Lázaro son la participación en el concurso Villa de Molina de la próxima semana y luego asistir al curso de la primavera pianística de Bruselas, donde también concursará para optar a un galardón: “Además, estoy preparando el concierto número 23 de Mozart para tocarlo con orquesta y tengo en mente completar un máster de interpretación de la música de cámara fuera de España”.

Les animo a no perder nada del ciclo Piano con mucho gusto ya que el trío de intérpretes es de máxima calidad artística. Lázaro, Laura y Ángela tienen distintas formas de interpretar el piano pero lo hacen con el mismo rigor musical, tal y como refleja el curriculum que atesoran.

Ciclo “Piano con mucho gusto”. Aula cultural de Cajamurcia Gran Vía de Murcia, 20 horas. Entrada libre hasta completar aforo

Miércoles 19 de febrero: obras de Bach, Chopin y Rachmaninov. Lázaro Fernández Millán (piano).

Jueves 20 de febrero: obras de Bach, Beethoven, Albéniz y Liszt. Laura Moratón Carrasco (piano).

Viernes 21 de febrero: obras de Bach, Mozart, Chopin y Debussy, entre otros. Ángela Alonso García (piano).

Los dos compositores húngaros del siglo XX con más influencia en la música clásica son Béla Bartók y Zoltán Kodály. Aunque la colaboración estrecha que mantuvieron dificulta el hablar de ellos por separado, hoy nos vamos a centrar en el segundo, con motivo del programa del próximo concierto de la Orquesta Sinfónica de Cartagena.

Nacido en 1882 en la céntrica localidad húngara de Kecskemét, Zoltán destacó por su amplia formación como compositor, crítico musical, musicólogo étnico, filólogo y pedagogo. Para conocer mejor la personalidad del maestro magiar, conversamos con el director Leonardo Martínez Cayuelas titular de la Orquesta Sinfónica de Cartagena y de la Sociedad Unión Musical La Constancia de Catral: “Hoy no entenderíamos la música occidental sin la aportación de Kodály. Fue un prodigio musical con una enorme capacidad investigadora que supo luego plasmar en su obra”.

Leonardo destaca la esmerada formación del compositor húngaro en las mejores escuelas y con maestros como Claude Debussy, al que posteriormente influyó con sus aportaciones, como lo hizo también con Falla. El próximo miércoles, dirigirá un programa que incluye Las danzas de Galanta de Kodály, una obra donde destacan el ritmo y la influencia del folclore: “Como musicólogo étnico, Kodály aportó lo que nadie había hecho hasta ahora, ya que no se conformó con reproducir las melodías de los gitanos que tanto le cautivaron, sino que, junto a Bartók, profundizó en sus investigaciones y analizó el origen de cada melodía, sentando las bases del folclore húngaro”.

Las investigaciones de Kodály y Bartók sobre folclore rumano y húngaro les llevó a Galanta, un pueblecito donde el primero pasó parte de su infancia. Allí grabaron las canciones populares de los campesinos y granjeros: “Estas grabaciones dieron lugar a unos cuadernos de investigación de melodías de los que nació  la obra Las danzas de Galanta”, afirma Martínez.

Además de su papel como compositor, Leonardo subraya el de filólogo con la adaptación de los acentos de la métrica húngara, tal y cómo se refleja en Las danzas de Galanta: “El ritmo en esta obra lo es todo. La riqueza rítmica es muy peculiar con la herencia de los verbunkos, género de danza militar húngara que también utilizó Beethoven en alguna de sus obras como la séptima sinfonía”.

Kodály es un compositor que pone al servicio del ritmo infinidad de recursos, entre los que destacan los cambios de acento de partes fuertes a débiles, los abundantes cambios de compás, la introducción de compases nada frecuentes para compensar la acentuación o la ampliación de la gama rítmica hacia los extremos.

Martínez Cayuelas incrementa el valor añadido de la orquesta de la ciudad portuaria. Natural de Almoradí y formado como director en Murcia y Valencia, dirige orquestas por toda Europa (Orquesta Sinfónica de Praga, Carlsbad Symphony Orchestra, Moravian Filarmonic Orchestra, North Czech Philharmonic, Kharkov Philharmonic Orchestra,  Cucurova State Sinfonie y Szczecin Philharmonic, Orquesta Metropolitana de Lisboa, además de las nacionales Orquesta Joven de Andalucia, Orquesta Sinfónica Ciudad de Elche, Orquesta Sinfónica de Córdoba y Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, entre otras).

Tiene el gran privilegio de ser director asistente de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) y de haber debutado en 2013 en la Sala Dorada de la Musikverein de Viena con la Orquesta Sinfónica de Budapest. Con respecto al concierto de esta semana nos explica que: “La Orquesta Sinfónica de Cartagena quiere reivindicar su calidad y vamos a cuidar al máximo la versión de Las danzas de Galanta. Queremos resaltar algunos detalles como las velocidades extremas, los cambios de acento y de colorido y explotar al máximo los soli orquestales”.

Les animo a escuchar este concierto. Estoy seguro que Leonardo Martínez va a conseguir su objetivo al frente de la Orquesta Sinfónica de Cartagena y que el público vibrará con los ritmos, dinámicas y expresividad de la genial composición de Kodály, el músico que supo llegar al corazón de los más grandes y al cerebro de los más pequeños, creando el famoso método que hoy día se aplica en todas las escuelas de iniciación a la música.

Miércoles 12 de febrero, 20 h. Auditorio El Batel de Cartagena. Obras de Arriaga, Mozart, Beethoven y Kodály. Orquesta Sinfónica de Cartagena. Leonardo Martínez (director musical).

Hay profesores que nunca se olvidan. Unas veces, porque nos enseñaron con maestría para que lo sembrado germine, se desarrolle y perdure con firmeza. En otras ocasiones, porque vimos cómo educaron a nuestros hijos aunando rigor con cariño, exigencias con recompensas, formación con evaluación, para que, ante nuestros ojos, se produjera el mágico logo de un objetivo. Hay una tercera categoría de profesores que impulsados por su vocación y entusiasmo, extienden su iniciativa docente a cada una de las horas del día. Para ellos, cada minuto es una oportunidad de compartir conocimientos y experiencias y tan sólo con ello, ya se ven remunerados.

Recuerdo con emoción la historia de un padre que animó a su hijo a ir al conservatorio para aprender música y poder disfrutarla siempre. El chaval mostró facilidad durante los primeros meses de estudio con la viola, quizás tanta que le costaba tener que repetir una y otra vez las obras que su profesor le iba programando.

Una fría noche, al recogerlo del conservatorio, se sorprendió cuando su hijo le dijo que el profesor le había regalado dos entradas para un concierto en el Auditorio de Murcia. Cada uno de sus compañeros del aula de viola habían recibido sendas invitaciones para que pudiesen asistir acompañados a un concierto en directo, donde el profesor, miembro de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, interpretaba un programa de música clásica.

El padre, sorprendido por el gesto y al tiempo satisfecho de saber que su vástago estaba en manos de un buen profesor, no tardó en acudir al aula para agradecerle el gesto. Necesitó intercambiar pocas frases para comprobar que era una persona con devoción por la música y con avidez de compartirla. En poco tiempo, ambos se reconocieron como melómanos y comenzaron a intercambiar partituras y grabaciones de música clásica.

Una tarde, con un café por medio, el profesor le explicaba lo importante que es contar con un buen director en la orquesta y cómo era el trabajo de los músicos en la preparación de un concierto. El próximo programa  de la orquesta era la Novena Sinfonía de Beethoven y ya habían recibido las partituras. Profesor y padre miraban con asombro la particella con las notas que el compositor de Bonn había escrito para violas junto a las anotaciones a lápiz que marcaban cómo iban los arcos y remarcaban las dinámicas.

En un momento de la conversación, el padre confesó lo que le gustaría sentirse dentro de la masa orquestal durante un concierto, delante de un atril, tocando un instrumento, respirando con todos los músicos y siguiendo la mirada y los gestos del director. En definitiva, algo imposible para una persona sin conocimientos musicales a nivel profesional.

Días después, una llamada de móvil del profesor sobresaltaba la serenidad de una apacible mañana. Había hablado con el gerente y el director de la orquesta y habían aceptado que un invitado ectópico se sentara entre las violas en los ensayos de la sinfonía de Beethoven.

El padre del alumno era el que escribe estas líneas y el profesor era Joaquín Toledo Espallardo, docente del Conservatorio Profesional de Murcia y miembro de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Ese inolvidable día abrió un mundo nuevo para mí. Desde entonces, han sido muchos los ensayos en los que los músicos de nuestra orquesta me han mostrado su cordialidad y complicidad al tiempo que me han hecho sentirme como en familia.

Meses después, una grave enfermedad se llevó a Joaquín, este gran hombre del que les hablo, aunque su recuerdo sigue vivo entre sus compañeros, alumnos y amigos que desde enero de 2007, participan en un concierto homenaje que se celebra en torno al aniversario del nacimiento de Mozart.

Nunca tendré el suficiente nivel como clarinetista para tocar en una orquesta profesional, pero cada año preparo una pieza musical para tocarla en público y homenajear a un profesor impecable y mejor persona.

A lo largo del tiempo, el homenaje se ha extendido a otros profesores que hombro con hombro, interpretaron su mejor música dentro de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y que tristemente se marcharon antes de tiempo. Son Sadvacas Tinibaev, José Antonio Arce y Andrés Vidal.

Mañana dan mal tiempo. Sean prudentes si quieren venir al concierto Con el músico amigo. A pesar de las condiciones climáticas, iré con mi clarinete si Dios quiere. Me faltan cuatro gigantes a los que considero mis hermanos.

Lunes 20 de enero, 20h. Aula cultural de Cajamurcia, Gran vía. Concierto homenaje Con el músico amigo. Música de distintos compositores interpretada por músicos de la OSRM, profesores y alumnos de los conservatorios de Murcia y amateurs. Entrada libre hasta completar aforo.

Los compositores sinfónicos del Romanticismo irrumpen en el siglo XIX con la enorme carga del legado de Beethoven pero con la firme propuesta de ofrecer una nueva estética musical. La era romántica se caracteriza por una música inspirada en la naturaleza, en la poesía, en la mitología y en los acontecimientos y personajes históricos. Los compositores van a priorizar la expresión musical de las ideas y de las emociones que no se pueden expresar con palabras. Heine defendió que si el arte clásico había expresado solo lo finito, el romántico representó lo infinito y lo espiritual.

Uno de los músicos más representativos del Romanticismo fue Robert Schumann (1810-1856) que ya de niño componía música y escribió sus primeras novelas en la juventud. Aunque se interesó por los estudios de Derecho, se hizo concertista de piano hasta que una lesión de la mano lo centró en la composición y crítica musical. Enamorado de Clara Wieck, tuvo que vencer una férrea oposición del padre de ella para desposarla. Cuando logró casarse con ella, se convirtió en una persona pletórica de felicidad y, tras escuchar la Novena Sinfonía de Schubert, se decide a componer su primera sinfonía.

No deja de sorprender como un compositor de breve piezas de piano hasta ese momento, escribe una sinfonía tan buena en tan sólo cinco semanas. La Primera Sinfonía de Schumann se le conoce con el nombre Primavera porque su primer movimiento está inspirado en un poema de Adolf Böttger que habla del florecimiento propio de esta estación climática. El maestro alemán que decía que nada se puede conseguir sin entusiasmo, en esta partitura refleja su felicidad y anhelo por todo lo vernal. 

En la primera versión de la Primera Sinfonía, cada uno de los movimientos tenía un título que posteriormente fue eliminado. El Andante poco maestoso. Allegro molto vivace inicial fue titulado El despertar de la primavera por la entrada tan pomposa a cargo de las trompas y trompetas.

El segundo movimiento Larghetto es una auténtica efusión de amor de los violines y violonchelos con una clara evocación a la música de Beethoven y que Schumann tituló como Atardecer.

El tercer movimiento sigue la propuesta de Beethoven de escribirlo en forma de scherzo con trío, sólo que Schumann incluye un segundo trío y distintas indicaciones de compás.

El último movimiento Allegro animato e grazioso recibió el título de Adiós a la primavera y en él anticipa el carácter humorístico que desarrollará posteriormente Chaikovski. La pieza concluye con la frescura y espontaneidad que caracterizan al joven Schumann.

Hablar de una sinfonía del periodo romántico es un imposible. La música es la única que explica lo que no logran las palabras. Por ello les recomiendo el concierto de la OSRM del próximo sábado en el que la Sinfonía Primavera es uno de los platos fuertes, pero no el único. El programa estará dirigido por el maestro austríaco George Mark, un experto de la batuta que sabe transmitir con sabiduría todo su arte a  los atriles de la orquesta y por tanto al público. Otro atractivo del concierto es el Concierto para flauta, arpa y orquesta de Mozart que será interpretado por los mejores solistas del instrumento en nuestra región: el flautista Juan Antonio Nicolás y el arpista José Antonio Domené. Completa el programa la obertura Leonora III de Beethoven, el maestro del que este año celebramos el 250º aniversario. 

Sábado 18 de enero, 20h. Auditorio Víctor Villegas. Obras de Beethoven, Mozart y Schumann. Juan Antonio Nicolás (flauta), José Antonio Domené (arpa) y OSRM. George Mark (director). Entradas entre 9 y 15 euros.

La música de cámara y la Navidad confluyen en el Auditorio de Murcia. Desde hace dos décadas el Cuarteto Saravasti nos convoca en estas fechas para felicitarnos las entrañables fiestas navideñas con lo mejor que saben ofrecernos, música de cámara compuesta, preparada e interpretada con la máxima calidad artística.

El cumplir veinte años con esta firme convicción es motivo de satisfacción y celebración. Saravasti es uno de los mejores cuartetos del país y cuando sube a escena, todos sus recursos convergen en música en estado puro y basada en el equilibrado diálogo entre iguales.

La selección de los nueve movimientos es de absoluta referencia por contener la esencia de los grandes compositores. Hay programados dos movimientos de cuartetos, cinco de quintetos y dos de octeto, para los que el Cuarteto Saravasti se amplia con músicos de la talla de los violinistas Antonio García Egea y Antimo Miravete, el violista Alan Kovacs, el chelista Juarc Kovac, el clarinetista Jesús Carrasco y la guitarrista Carmen María Ros.

Las piezas que el Cuarteto Saravasti interpretará son el Allegro del Cuarteto en re menor, opus 76 nº 2 de Haydn y el Andante cantabile de Cuarteto nº 1 en re mayor opus 11 de Chaikosvki. El primero de ellos recibe el nombre de Las Quintas por los dos intervalos de quintas descendentes que se oyen al comienzo del mismo (la-re y mi-la) y que se repiten con derivaciones a lo largo de todo un movimiento impregnado de tonalidades menores. Sin duda, este Allegro es una de las joyas de la música de cámara y por ello este cuarteto de Haydn es frecuentemente interpretado en salas de todo el mundo.

Siguiendo con otra composición con un comienzo sobrecogedor y emotivo, tenemos el Andante cantabile de Chaikovski, la obra que hizo llorar al propio Tolstoi. En éste, el célebre compositor alterna con maestría dos temas tan rusos como una popular melodía ucraniana y una segunda idea cargada de cromatismo.

Los dos quintetos de guitarra en los que colabora Carmen María Ros fueron escritos por Luigi Bocherini, un virtuoso violonchelista italiano que con veinticinco años se trasladó a la corte de Madrid para no abandonar nunca más España. De la ingente producción de este compositor, destacan los nueve quintetos para guitarra, dos violines, viola y violonchelo de los cuales se interpretarán el movimiento Grave assai-Fandango del G448 conocido por ello como Quinteto del Fandango y el movimiento finale La Ritirata de Madrid del quinteto G453. Ambas obras son un ejemplo del ritmo y la sensibilidad que Bocherini imaginó a partir de temas populares.

El concierto finalizará con los movimientos Allegro moderato con fuoco y Presto del Octeto para cuatro violines, dos violas y dos violonchelos en mi bemol mayor, opus 20 de Félix Mendelssohn, donde participan los cuatro solistas de cuerdas invitados por Gabriel Lauret, Diego Sanz, Pedro Sanz y Enrique Vidal. Considerada como una de las grandes obras de juventud del maestro alemán, este octeto sigue siendo la referencia universal absoluta, a pesar de estar escrito por un joven de dieciséis años. Se ha tratado de justificar en qué reside la genialidad de esta partitura alegando cierta influencia mozartiana, la vitalidad, la sonoridad, la riqueza temática o la maestría formal, pero podríamos decir simplemente que se trata de música cuya magia no puede explicarse con palabras.

Concluiré con toda mi intención este post comentando los dos quintetos para clarinete y cuerdas que interpretarán el Cuarteto Saravasti en colaboración con Jesús Carrasco. Aunque siento fascinación por el instrumento de madera de ébano y por la natural complicidad que surge entre estos fantásticos intérpretes, hoy destaco estas dos obras por la maestría y la madurez con la que fueron escritas. El Larghetto del Quinteto para clarinete y cuerdas, en la mayor, K.581 de Mozart es una de las joyas de la historia de la música de cámara. El compositor de Salzburgo otorgó al clarinete un papel estelar en sus últimas composiciones y en el Larghetto escribe una de las melodías más bellas y envolventes que sólo él pudo idear. Las sonoridades que Carrasco obtiene con su instrumento y el diálogo mantenido con el violín de Gabriel Lauret serán uno de los momentos estelares de la velada. Para complementar esta obra, se llevará a escena el Allegro del Quinteto para clarinete y cuerdas, en si menor, opus 115 de Brahms, cuyas primeras notas del instrumento de viento se introducen por los poros del oyente para emocionarlo hasta con tres ideas musicales diferentes.  Todo el lirismo y la expresividad de este quinteto, están sustentadas por los instrumentos de cuerda, que logran llevarnos al clímax de sensaciones extremas tan propias del otoño de Brahms.

El aniversario número veinte del Concierto Extraordinario de Navidad del Cuarteto Saravasti es la antesala de los apasionantes años veinte que nos esperan en el presente siglo y en los que el Cuarteto Saravasti tiene muchas cosas que decir.

Lunes 23 de diciembre de 2019, 20h. Sala Miguel Ángel Clares del Auditorio Víctor Villegas. Saravasti and friends. Selección de movimientos de célebres obras de música de cámara.

Desde que Franz Lizst transforma el recital de piano en un acontecimiento sociocultural de primer orden, los conciertos con este instrumento atraen la atención de los aficionados a la música fascinados por la capacidad de memorización de estos solistas sin partitura cuando dialogan con la orquesta.

Los jóvenes virtuosos premiados en el Concurso Internacional de Piano Clamo Music de 2018 tienen el sábado la oportunidad de compartir con el público sus contrastadas cualidades artísticas con el apoyo de  la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. El comentar con los músicos sus impresiones antes del concierto, añade aún más emoción a los momentos previos a la velada.

Alexander Sonderegger es un pianista ruso formado en Alemania que debutó hace tres años con la Filarmónica de Stuttgart con el Segundo Concierto para piano de Rachmaninoff. Posteriormente ha interpretado en la sala Beethoven de la Liederhalle de Stuttgart  los conciertos para piano de Grieg y Chaikowski bajo la dirección de Patrick Strub.

Alexander también ha actuado como solista con orquestas de Finlandia, Rusia y Marruecos y recientemente, ha formado junto a su hermano Eduard el Dúo Sonderegger, con el que ha grabado un disco con obras de Brahms, Szymanowski y Enesco. Además ha sido premiado en distintos concursos internacionales de piano en Praga, Murcia, Roma y Stuttgart, entre otros. 

Sonderegger combina su participación en conciertos y concursos con la docencia como profesor de piano en Suttgart. En el concierto del sábado interpretará la Rhapsody in Blue de George Gershwin: “Hace que me sienta alegre y divertido en escena. Es una gran oportunidad para mí de improvisar y mostrarme espontáneo en un concierto, disfrutando de la música sin presión”.

Para Alexander, esta obra tiene un carácter especial: “Suena de forma parecida a una jazz band con solista de piano. Algunos metales como las trompetas y trombones crean efectos sonoros muy especiales típicos de la música de Jazz”. El pianista ruso nos anima a ir al Auditorio Víctor Villegas para disfrutar de esta mezcla de música de jazz con clásica. Según él, “esta pieza nos ayuda a darnos cuenta de lo entretenido que puede ser escuchar una orquesta sinfónica en una sala de conciertos y cuánto tienen en común estos estilos de música. The Rhapsody in Blue es como un corto viaje a Nueva York para vivir los locos años veinte”.

Otra pianista muy interesante es la ucraniana Olena Miso. Formada en su Lviv natal y en Graz (Austria), ha sido premiada en concursos de Ucrania, Polonia, Austria, España, Eslovaquia, Italia y Alemania, lo que ha posibilitado que grabe obras para la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz, para el canal de la televisión austríaca ORF y para Radio Clásica de Viena.

Olena interpretará el Concierto para piano nº1 de Brahms, que para ella es “la primera de las grandes piezas sinfónicas del maestro alemán. Es una obra que contiene dramatismo, lirismo y pasión al mismo tiempo. Me emociona el gran dramatismo de la obra al tiempo que me resulta difícil imaginar que un joven de tan sólo veintisiete años pudiese componer esta obra tan fantástica”.

Para la pianista, estamos ante un concierto lleno de contrastes: “Por un lado, está la gran introducción orquestal del primer movimiento que cambia hacia un permanente lirismo desde donde aparece el piano. Por otro, la atmósfera religiosa del segundo movimiento contrasta con la viveza del tercer movimiento”. Además, Olena afirma que la obra es maravillosa y fascinante porque está escrita a modo de diálogo entre iguales entre piano y orquesta, como su fuese música de cámara.

Al igual que Alexander Sonderegger, Olena Miso nos anima a escuchar este programa pianístico: “Voy a tocar el primer concierto de Brahms por primera vez con orquesta y quiero compartir con el público de Murcia, la pasión, amor y alegría que siento por esta música”.

El programa se completa con el Concierto para piano nº3 de Rachmaninov que interpretará el músico de China John Lee.

Sábado 7 de diciembre, 19 horas. Auditorio Víctor Villegas. Conciertos de piano de  Gershwin, Brahms y Rachmaninov. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Alexander Sonderegger, Olena Miso y John Lee (pianistas). Espen Selvik (director musical).

Uno de los músicos españoles más interesantes e internacionales de nuestra región nació hace 90 años en Cartagena. Sus primeras enseñanzas las recibió en casa, donde el amor por la música era cultivado desde anteriores generaciones

Desde el primer concierto de violín en público, Benito Lauret (1929-2005), desarrolló una intensa vida académica y profesional que lo llevó a escenarios tan importantes del planeta como Leningrado, Los Ángeles, Milán, Berlín, Londres o Nueva York, entre otros.

Miembro de la conocida Generación del 50 integrada por otros maestros como Cristóbal Halffter o Luis de Pablo, desde su llegada a Madrid con diecinueve años, completó con éxito una formación en Violín y Composición que le hizo merecedor del Premio Extraordinario de Violín del Conservatorio Superior de Madrid, de la cátedra por oposición de Dirección de Orquesta de los Conservatorios Superiores Españoles, del puesto de primer violín de la Orquesta Nacional de España y de una beca del Ministerio de Educación para completar sus estudios en la Akademie für Musik de Viena.

Con motivo de la Conferencia-Concierto en homenaje a su figura dentro del ciclo sobre Músicos murcianos, hablamos con Gabriel Lauret, catedrático de Violín del Conservatorio Superior de Música de Murcia que es quien impartirá el discurso sobre los detalles de la bibliografía y de la carrera musical de su tío Benito. Además, Gabriel es miembro del Cuarteto Saravasti, la formación de cámara que interpretará el programa seleccionado para tan emotiva velada.

“Benito Lauret fue un músico que desarrolló a lo largo de su vida y a un nivel altísimo múltiples facetas. Además de violinista, director de orquesta, docente, editor y arreglista, fue un compositor que abarcó gran cantidad de géneros. Sus creaciones se basaron fundamentalmente en obras populares, folclóricas y tradicionales” nos cuenta Gabriel.

Este ilustre cartagenero, alternó la docencia y la dirección de orquesta con la composición musical, escribiendo obras tan conocidas como la Suite cartagenera, Tres melodías asturianas, Atardecer y paisaje asturiano, Estampa lorquina, alguna ópera pendiente de llevar a la escena y la opereta Virginia Virginis que se estrenó en 2003 en la capital de España.

Como director de ópera y ballet, desde que debutó con veinticinco años frente a la Orquesta Filarmónica de Madrid, Benito Lauret desarrolló un gran repertorio en buena parte registrado por el sello Columbia incluyendo voces tan relevantes como Monserrat Caballé, Pilar Lorengar, Teresa Berganza, Alfredo Krauss o Luciano Pavarotti, entre otros.

Seguramente quedarán muchos detalles de su vida que contará Gabriel Lauret en su conferencia del Museo de la Ciencia, pero lo que mejor define a Benito Lauret es su música. Por ello, el Cuarteto Saravasti ha elegido las cuatro partituras del maestro tituladas Himno a la Región de Murcia, el pasodoble Un Recuerdo y un Suspiro, el Estudio-Evocando a Eliocroca y la Suite folklórica sobre temas murcianos. La mayoría de ellas han sido estrenadas por la formación camerística murciana.

Gabriel Lauret nos cuenta que el Himno a la Región de Murcia “fue compuesto junto al libretista Luis Federico Viudes para gran banda y coro, pero nosotros interpretaremos una trascripción para cuarteto realizada por Salvador Martínez. El pasodoble Un recuerdo y un suspiro es un dos por uno ya que está inspirado y superpuesto al célebre Suspiros de España del maestro Alonso. El tema de Alonso lo interpretan el violín segundo, viola y violonchelo, el bajo lo hará la guitarra y el segundo tema original de Lauret lo hace el violín primero”.

La noche se completa con el estudio y la suite, de la que Gabriel Lauret aclara que: “El estudio está inspirado en dos temas de la procesión, uno del paso blanco y otro del azul, mientras que la Suite folclórica sobre temas murcianos es una transcripción que Benito Lauret hizo especialmente para nuestro cuarteto con motivo de un concierto en el Museo Reina Sofía de Madrid”.

Aunque en tres semanas volveremos a escuchar en el Auditorio Víctor Villegas al Cuarteto Saravasti en su tradicional Concierto Extraordinario de Navidad, este acto de homenaje a la figura de Benito Lauret es un ejemplo de lo importante que es contar con los mejores ingredientes: la figura de un ilustre músico de Murcia, la conferencia de un excelente orador como es Gabriel Lauret y la música excelentemente interpretada por grandes músicos actuales.

Jueves 5 de diciembre, 19:30 h. Museo de la Ciudad de Murcia.  Conferencia-Concierto: Benito Lauret, un músico ecléctico. Conferenciarte: Gabriel Lauret. Concierto: Cuarteto Saravasti. Entrada libre hasta completar aforo.

La cultura alemana es una parte importante de la tradición europea. La forma de entender el Humanismo en Alemania tiene tanta profundidad como trascendencia en todos los ámbitos de la vida. Tuve la suerte de completar mi formación como médico otorrinolaringólogo en este país centroeuropeo, lo que tuvo una marcada repercusión en las esferas que conforman mi existencia y mi personalidad.

Por todo ello, hablarles de un concierto de música clásica donde el profesor de piano y de Historia de la Música, Ramón Muñoz Gonzálvez, nos llevará por distintas épocas de la música alemana, es un momento de reflexión y de eterna gratitud hacia esta tierra.

Conozco muy bien al profesor Muñoz lo que facilita el trasladar al lector sus sensaciones e intenciones de cara a este apasionante programa: “Son obras de distinto nivel de dificultad técnica para cualquier intérprete, pero las del Barroco, de aparente sencillez suponen el reto musical de conseguir el matiz sonoro propio de la praxis de la época”.

Ramón Muñoz es un veterano pianista con especial interés por todos los instrumentos de tecla (clave, pianoforte, clavicordio, armonio, piano preparado y órgano). Nacido en Elche y formado en Murcia, Salamanca y Granada, se caracteriza por la honestidad con la que interpreta las partituras. Algunas de las que ha seleccionado para el concierto, las conoce desde su época de estudiante, como es el caso de Papillons de Schumann: “Es una obra que me sale por los poros y la tengo clavada en mi interior a sangre y fuego. A los veintisiete años interpreté por primera vez en público el aria de las variaciones Goldberg, pero también hay piezas que he preparado en profundidad exclusivamente para este concierto. Pretendo ofrecer en escena lo mejor de mí como pianista”.

El concierto recorrerá tres épocas empezando por el Barroco. Lógicamente, las obras de este periodo no fueron escritas para el piano moderno que conocemos actualmente y con el que se interpretará el concierto, lo que tiene claras consecuencias en el enfoque que dará el profesor Muñoz: “Hay que tener en cuenta la praxis instrumental de la época, lo que condiciona mucho la articulación, el fraseo, la dinámica y el esfuerzo mental extra del pianista. La música histórica no se toca bien o mal por hacerlo con un determinado instrumento, sino por la concepción musical y la sensibilidad del intérprete”.

En la segunda parte Ramón Muñoz nos llevará a Viena a través de partituras de dos músicos con aspectos en común: Beethoven y Schubert: “Lo que pretendo es dar una sensación de homogeneidad con las tres composiciones seleccionadas, como si se tratara de una sola obra de gran forma. El hacer que funcionen juntas es un reto.”

En la sala escucharemos un Beethoven primigenio claramente influido por Haydn, pero que ya da  muestra de su genialidad. “Las piezas de Schubert – afirma Muñoz Gonzálvez – reflejan su sensibilidad y visión vanguardista sin abandonar la forma clásica. El maestro siempre miró hacia adelante para meternos en el Romanticismo”.  

La última parte de El piano en la cultura alemana se centra en piezas musicales basadas en obras literarias que serán leídas en escena, con el fin de que el público encuentre sentido a la forma con la que el pianista transmitirá los poemas. Ramón nos explica que “Papillons de Robert Schumann se inspira en la novela de Jean Paul y es una composición de juventud cuasi onírica donde la fantasía es llevada al extremo. Estos rasgos los comparte con El lugar Maldito de las Escenas del Bosque del autor que luego padecería una de las locuras más célebres de la Historia de la Música”.

Ramón Muñoz define la personalidad de Brahms como pegada a la tierra y con gran sentido de la realidad, de ahí que sus composiciones estén aferradas a la forma musical: “Es un arquitecto dentro de la música. Todo lo que escribe tiene una fuerte y compacta estructura que le da sentido a todo. Como intérprete quiero que se aprecie el contraste entre lo telúrico de Brahms y lo onírico de Schumann”.

Este concierto es una iniciativa de la Asociación AMUDAL cuya finalidad es la difusión del idioma alemán y cuanta con el apoyo de la Fundación Cajamurcia.

Martes 3 de diciembre, 20h. Aula cultural de Cajamurcia en Gran Vía. Obras de
J.S. Bach, C.Ph.E. Bach, L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann y J. Brahms. Ramón Muñoz Gonzálvez (pianista). Entrada libre hasta completar aforo.

El Real Casino de Murcia se viste de gala en Santa Cecilia. El día de la patrona de la música será celebrado con un concierto de excepción. La XII edición del Ciclo Jóvenes Solistas que organiza el Ayuntamiento de Murcia se clausura el próximo viernes 22 de noviembre en el Salón de Baile del Casino con un programa de música clásica que interpretará el Trío Picasso, una formación de prestigio internacional formada por los músicos Daniel Broncano (clarinete), Lorenzo Meseguer (violonchelo) y Mario Mora (piano). 

Estos tres intérpretes tienen en común el haberse graduado en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, el haber completado la formación en los mejores conservatorios de música europeos, el haber sido becados por instituciones oficiales del país, el haber sido reconocidos en importantes premios internacionales, el impartir docencia en conservatorios de ciudades con tradición musical y el compartir una concepción artística fundamentada y abierta a todos los enfoques posibles.

Lorenzo Meseguer, catedrático de violonchelo de Salamanca y miembro de la City of Birmingham Symphony Orchestra, nos habla de cómo han planificado el concierto del viernes: “El concierto se iniciará con música de Clara Schumann (1819-1896) con la que Brahms mantuvo una relación artística, profesional y personal. Ella compuso el Trío para violín, chelo y piano opus 17, en el que hemos pasado la voz del violín al clarinete, lo que funciona muy bien una vez solucionados los efectos de pizzicatos y acordes, para crear un concepto homogéneo”.

Para estos músicos, esta obra de cámara de Clara Schumann ha supuesto un auténtico descubrimiento dada la calidad que atesora: “Es sorprendente que haya sido olvidada esta partitura que remarca el papel de la mujer como compositora. Es coetánea del Trío de Brahms y son un ejemplo de música romántica tradicional.”. 

Además, se han programado dos obras de música clásica actual. Una es del austríaco Georg Widmann (1973), compositor y clarinetista en activo que estrena habitualmente obras con las mejores orquestas del mundo. Para Lorenzo Meseguer es un artista muy cercano: “El pasado año ha sido músico residente de la Orquesta Sinfónica de Birmingham con la que hemos hecho muchas giras con obras suyas en las que participa como solista”. 

El Nachtstuck (Nocturno) de Widmann  es una de las primera obras del repertorio del Trío Picasso y se caracteriza por ser introspectiva por la sonoridad y efectista por la abundancia de colores: “A lo largo de los ocho minutos que dura, el público reconocerá los efectos característicos de cada instrumento como son sul ponticello, glissandi y pizzicati entre otros”, afirma Meseguer.

En la misma línea de colorido y efectos está Private game para clarinete y cello de la compositora hebrea Shulamit Ran (1949). Nacida en Tel Aviv y afincada en la Universidad de Chicago donde es profesora del Departamento de Música, es artista residente de la Orquesta Sinfónica de Chicago, con la que desarrolla proyectos comisionados por Daniel Barenboim. Lorenzo Meseguer define su obra como “muy desconocida en Europa, pero rica en coloraturas y contrapunto lo que hace que su lenguaje se complemente con el resto de obras”.

La velada se cierra con el Trío para clarinete, violonchelo y piano op. 114 de Brahms (1833-1897), obra de música de cámara por excelencia a pesar de estar escrita para un conjunto de instrumentos tan dispares. Les pregunto a Daniel Broncano y a Mario Mora sobre cómo solucionan esta singularidad del trío: “La música que tocamos está muy bien compuesta y aunque los tres instrumentos son distintos, son muy naturales por su similitud con la voz humana. Por ello funcionan muy bien en el trío y los intérpretes sólo tenemos que acordar cómo vamos a atacar las líneas melódicas para que la idea musical sea compartida”.

El Adagio es un movimiento especial. Para los que tocamos el clarinete, la entrada del instrumento con suavidad emitiendo un Do es tan emocionante como arriesgada, ya que la afinación puede alterarse. Para Broncano, el secreto está en “imaginar la nota y cantarla interiormente antes de tocar y soplar sin picar con la lengua, manteniendo la referencia en la cabeza”.

El Andantino es definido por Mario Mora como “nostalgia feliz. El final de la vida de Brahms está impregnado de nostalgia pero referida a lo que se recuerda con una sonrisa. El compositor es un genio y crea un momento amoroso con tres instrumentos que avanzan de la mano”.

El opus 114 del compositor de Hamburgo transita entre la languidez, el vals y la energía del Finale, lo que es un reto que los músicos mantengan un mismo propósito. Para los miembros del Trío Picasso, esta obra es como una sinfonía ya que pasa por muchos momentos distintos. Mario Mora insiste en la importancia de decidir cómo se va a atacar todo, si la energía va a ser juvenil y activa o por el contrario, más profunda o madura, que es lo que buscarán estos intérpretes: “Hay que saber pasar de esos caracteres a otros, lo que se ve facilitado por lo bien escrita que está la música. Quizás lo más complicado sea darle unidad a todo, de manera que el oyente sea capaz de mantener la atención y percibir todo lo que ocurre”.

Daniel, Lorenzo y Mario constituyeron el Trío Picasso en 2014 como resultado de haber coincidido en los conservatorios de Madrid y Londres. Han actuado en salas de prestigio internacional de Reino Unido, España y Alemania. Cuando hablamos de la música de Brahms, explican que su continua intensidad no permite que haya ningún momento superficial: “Todo tiene un por qué. Brahms era vanguardista en cuanto al uso del ritmo y la alternancia entre ritmos binarios y ternarios hacen mágico este movimiento. Cuando el compositor usa ritmos ternarios, calza a la música con botas tan pesadas que tiende a ir hacia atrás, mientras que en binario, se hace más saltarina y va hacia adelante. Intentamos jugar con esas dos líneas de atracción y esto hace que este movimiento sea tan especial”.

Viernes 22 de noviembre, 20 horas. Obras de música de cámara de Clara Schumann, Wismann, Ran y Brahms. Entrada libre con invitación hasta completar aforo. Las entradas podrán retirarse en el Real Casino de Murcia a partir de dos horas y media antes del inicio del concierto. 

El hecho de comenzar una semana con música de Franz Schubert (1797-1828) es reconfortante ya que sus obras están llenas de frescura, encanto y talento.

Por otro lado, la guitarra fue un instrumento muy popular a principios del siglo XIX y muchos de los compositores de la época, entre los que se encontraba Schubert, la tocaban con mucho interés, tratando de mejorar la técnica con los consejos de profesores de contrastado nivel.

Uno de los músicos contemporáneos de Franz Schubert que destacó pos su dominio de la guitarra fue su compatriota Wenzel Matiegka (1773-1830) que escribió muchas  composiciones y arreglos para el instrumento de seis cuerdas. En 1814, Schubert descubre su Nocturno para flauta, viola y guitarra y se decide ampliarlo con una voz para el violonchelo creando así una joya de la composición.

El guitarrista Fernando Espí, miembro del Cuarteto Gaya, tuvo la feliz idea de incorporar este Cuarteto de cuerdas con guitarra obligada D. 96 al repertorio de esta formación de cámara y hoy es una de las obras que escucharemos en el Auditorio Víctor Villegas. El resto de miembros del Cuarteto Gaya son los catedráticos del Conservatorio Superior de Murcia Antonio García Egea, Luis Llácer y David Apellániz que nos cuentan cómo sus voces están repartidas de manera que las melodías y acompañamientos pasan por los cuatro atriles para crear una delicada atmósfera de virtuosismo y lirismo.

El Cuarteto Gaya ha tenido que adaptar la obra original de Schubert y el violinista Antonio García tocará la partitura escrita para flauta sin apenas modificar nada de la misma, salvo algunas ligaduras poco naturales para el violín. 

La obra está formada por seis movimientos (Moderato, Menuetto, Menuetto con Trio, Lento e patetico, Zingara y un Tema con variazioni). El violista Luis Llácer insiste en el hecho de que esté escrita para cuatro solistas y que la viola tiene el cometido del refuerzo rítmico junto a la guitarra y del armónico y bajo con el violonchelo: “La viola está en todas partes”. 

En cuanto a los momentos más destacables de este Cuarteto de cuerdas con guitarra los miembros del Gaya destacan la Zíngara por su carácter gitano y libre, las Variazioni del final por los momentos estelares del guitarrista Fernando Espí y del cellista David Apéllaniz y el movimiento lento, porque el violín nos muestra la delicadeza y la belleza con la que se concibió la pieza.

Lunes 18 de noviembre, 20h. Auditorio Víctor Villegas de Murcia. Cuarteto D. 96 de Schubert, 7 Estudios de Sor y Cuarteto número 9 de Paganini. Cuarteto Gaya.