Entre las virtudes más sobresalientes en las que destacó Puccini estaba su capacidad para describir la personalidad femenina con música, a través de mujeres en escena como Tosca, Madama Butterfly, Mimí, Manon o Minnie, entre otras.

Paradójicamente, en Turandot, la heroína de Puccini no es la “princesa de hielo” que da nombre a la ópera, sino Liú, el otro personaje femenino que con su humanidad conmovedora, es perfectamente creíble ante nosotros hasta el punto de agitarnos emocionalmente.

De una manera rotunda, podemos decir que Liú es la mujer que mejor representa como el compositor italiano maneja los temas delicados. En otra ocasión ya les hablé del “instinto neroniano” de Puccini refiriéndome a su capacidad para alternar entre la más terrible crueldad y el amor más puro.

En el primer acto de la ópera, Calaf, el príncipe desconocido, llega a la corte de Turandot en Pekín y se enamora de ella. Allí se da a conocer como un nuevo pretendiente para casarse con la princesa en contra de las advertencias de su padre, de su sirvienta Liú y de tres máscaras que resultan ser los ministros del emperador. Calaf decide someterse con determinación a los tres acertijos que “la princesa de hielo” le propone  a sabiendas de que un error significaría su muerte.

Una vez más, la ópera de Puccini muestra la naturaleza humana y la credibilidad de un enamorado que, preso de la obsesión, no atiende a los consejos y a advertencias para llevar a cabo su empresa. 

Tanto se centra la atención de Calaf en Turandot que permite atónito que la mujer que lo ama, Liú, sea torturada y finalmente se quite la vida, una vez que ella entiende que su amor hacia el príncipe es imposible y que su gesto protege su identidad y por tanto su vida.

Puccini dejó de escribir en la partitura de Turandot justo cuando muere Liú, hecho que tiene un claro reflejo en la producción que se está representando en el Liceo. Al final de la ópera, Turandot descubre que es una mujer con capacidad para amar, pero a diferencia de la versión original completada por Alfano en la que se casa con Calaf, en la propuesta de Barcelona, la princesa besa a la yacente Liú al tiempo que el coro se desnuda para despertar de la irrealidad que está viviendo.

Turandot es una obra de arte en cuanto a melodías, armonías, orquestación, corales y colorido, pero ante todo es un alegato al amor puro y una lección de humanidad. Parece que el destino ha querido que estos días sea representada en Barcelona, donde la convivencia democrática es traicionada por la barbarie independentista.

No debería emplearse el número singular para hablar de la mirada. Al menos, para la misteriosa e inoportuna mirada que intercambian por primera vez Tristán e Isolda. Tampoco tendríamos que emplear palabras al describir el intercambio de excitación, expectativas y añoranza entre los dos amantes. Richard Wagner lo hizo con la música  del motivo de la mirada, uno de los fragmentos más importantes de la ópera y del preludio que hoy retomamos.

¿Cómo Wagner puede expresar con música la esencia de las miradas de Tristán e Isolda? Sin duda, la clave está en el cromatismo tal y como afirma Barenboim en sus Diálogos sobre música y teatro con Patrice Chéreau. Para él, cromatismo significa disonancia, inestabilidad, ambigüedad o búsqueda. Esto se explica en música con un ingenioso símil: Cuando escuchamos una pieza orquestal con una tonalidad establecida, aunque no seamos músicos, podemos decir que nos sentimos tan confiados como el que está sentado en el sofá de casa o saboreando una comida agradable. Si la obra modula a otra tonalidad, esto nos saca de nuestra zona de confort y nos sentimos como en un paraje desconocido o probando una comida exótica extraña a nuestro paladar. El cromatismo es el grado extremo de desorden armónico y permite al compositor dejarnos en ascuas en momentos de tensión interna sin solucionar, lo que es característico en este preludio operístico. 

Puede que no exista un momento vital tan agitado para nuestro cerebro como cuando nos enamoramos. Y paradójicamente, es un instante donde no necesitamos la ayuda de ningún psiquiatra para resolver nuestro conflicto interior. Wagner sabía esto y además conocía perfectamente la mente del ser humano. Él mismo estaba viviendo una intensa aventura amorosa extramarital con Mathilde Wessendok, con todos problemas que conllevaba el asunto.

Desde la primera vez que se miran Tristán e Isolda surge el amor entre ellos. Ese encuentro es muy inoportuno porque Tristán, guerrero enemigo de Isolda, se encuentra gravemente herido tras un combate en el que ha dado muerte al prometido de la princesa irlandesa. Conocedor de las dotes curativas de la bella joven, se traslada a su país ocultando su identidad. Ella lo sana con sus mágicas artes, pero finalmente reconoce una muesca en su espada que coincide con el fragmento metálico hallado en la herida de su prometido. Por ello se dispone a matar al todavía moribundo guerrero en el instante que percibe que: “Desde su lecho el herido no miraba el desnudo acero en mi mano, me miraba a los ojos”. Sin que en ningún momento los dos personajes se dijeran nada, la princesa baja el arma y Tristán retorna a su patria.

Hoy les propongo un vídeo del Preludio de Tristán e Isolda dirigido por Leonard Bernstein. Como conocen muy bien el principio, ya saben cómo Wagner nos inquieta con el acorde de Tristán y otras ideas musicales sin resolver armónicamente. Entre 2:28 y 2:49 irrumpe el motivo de la mirada, el primer fragmento melódico y cargado del cromatismo que refleja la agitación de unos amantes que, desde ese instante, de forma explícita o reprimida, se añorarán irremediablemente. El motivo de la mirada reaparece con ligeras modificaciones en las maderas y en la primera trompa (4:12), en las cuerdas (5:08), de nuevo en las maderas (5:15) y en los violines, chelos, maderas y trompa (6:33), entre otros. 

Estoy seguro que encontrarán más compases del preludio en los que se verán conmovidos por esta eterna mirada.

… continuará …

Hace unos minutos estaba al piano con la partitura de la ópera Tristán e Isolda. Debajo de la palabra Vorspiel (Preludio) el maestro indica Langsam und schmachtend, es decir, “despacio y languideciendo” , en un compás de 6 por 8. Las primeras cinco notas forman una bella frase cromática y descendente del violonchelo que traduce el decaimiento al que invita el maestro.

Me levanto del piano y aún con la partitura abierta, no consigo imaginar con exactitud lo que mis oídos acaban de escuchar. Hay pocas cosas más emocionantes que hablar de la música de Richard Wagner y especialmente de Tristán e Isolda. Baudelaire opinaba que las obras de este creador, en tanto que son música verdadera, sugieren ideas análogas en cerebros diferentes. Posiblemente esto sea cierto, ya que el compositor manejaba con maestría la armonía y la orquestación al servicio de la descripción del interior de la naturaleza humana.

Bryan Magee en su libro Aspectos sobre Wagner afirma que las óperas wagnerianas son auténticos manuales animados de psicoanálisis y lo justifica equiparando la melodía musical a la voz del Yo y la armonía orquestal a la voz del Ello, lo que explica la tremenda inquietud que genera esta música en el oyente.

Hoy contamos con el apoyo del vídeo adjunto en el que el director Zubin Mehta dirige a la Bayerisches Staatsorchester en el National Theatre de Munich. Me gustaría que lo escucharan con tranquilidad y se dejaran llevar por esta música.

En los primeros compases del Preludio el protagonismo es de los violonchelos. Su melodía cromática es inmediatamente contestada por una frase ascendente del oboe (0:12 a 0:23) completando el encantamiento en el que Wagner nos sumerge.

Si prestan la máxima atención a lo que ocurre entre 0:12 a 0:16 (que luego se repite modificado entre 0:38 y 0:42 y más tarde entre 1:16 y 1:19) escucharán el famoso y enigmático acorde de Tristán compuesto por las notas Fa-Si-Do sostenido-Sol sostenido tocadas simultáneamente.

Mucho se ha escrito sobre este acorde mágico, hasta el punto que hay seguidores y detractores de teorías dispares y basadas en complejos argumentos teóricos de armonía. Yo personalmente, prefiero pensar que Wagner hace uso del cromatismo con el único fin de reflejar la compleja psique de sus personajes, en cuyo interior encontramos contenidos reprimidos y altamente cargados de emociones, lo que tiene un efecto inquietante como opina Magee. Por ello, el acorde de Tristán resulta tan misterioso e incomprensible a nuestros oídos.

Volvamos a la partitura y al vídeo. Hemos escuchado la magia con la que nos introduce el violonchelo y cómo a partir del acorde de Tristán (0:12) contesta el oboe. La segunda vez que escuchamos al chelo, la respuesta es una melodía ascendente del clarinete, y a la tercera pregunta formulada por el instrumento de cuerda, de nuevo es el oboe el que contesta, seguido de una réplica en eco de la flauta (1:19).

Tras una pausa muy breve, los violines (1:33) y las maderas (1:38), prolongan en pianissimo la resonancia de las flautas y, de repente, se incrementa el volumen orquestal hacia el clímax amoroso, leitmotive que lideran los violines (1:43).

Lo que sucede a continuación es de una belleza sublime y lo dejaremos para el próximo post. Se trata del motivo de la mirada expresado con delicadeza por los violonchelos (1:52 a 2:21). Pero ustedes ya tienen desde este momento la libertad de escucharlo y disfrutarlo, así como el resto del preludio.

…continuará….

Beethoven compuso una única ópera, Fidelio, una oda a la Libertad y una auténtica llamada a la Humanidad con una alta dosis de moralidad muy intrincada en la vida real. La trama transcurre en una cárcel de Sevilla del siglo XVII que el maestro inunda con una música sublime y que refleja de una manera definitiva el contraste existente entre la oscuridad de la prisión y la luminosidad de la justicia. Todo un manifiesto apasionado contra las prisiones de cualquier índole, basándose en un hecho real acontecido durante la Revolución Francesa.

La fuerza moral de la ópera Fidelio se ve incrementada por la intensidad con la que Florestan y Leonora viven su amor conyugal, aderezada con una música de gran pureza caracterizada por la emoción, los acentos y el dramatismo a la que Beethoven dedicó doce años de su vida. Leonora es la esposa de un preso político encarcelado hace más de dos años por el malvado y corrupto Pizarro y que tiene la valentía de disfrazarse de hombre (Fidelio) para solicitar un trabajo como ayudante del carcelero Rocco y así liberar a su marido.

Uno de los momentos más interesantes en Fidelio con los que el músico alemán mejor ilumina la lúgubre cárcel sevillana es el cuarteto vocal del primer acto “Mir ist so wunderbar … “(“Qué sentimiento extraño…”) en el que Marcelina, la hija del carcelero; Fidelio, Rocco y Jacquino, el portero de la prisión, expresan sus sentimientos más íntimos. En hecho de que las cuatro voces desnuden sus emociones simultáneamente sólo es posible en una ópera y Beethoven es un maestro de instantes mágicos como apreciarán en el video adjunto.

Mientras Marcelina expresa su amor hacia el desconocido Fidelio, éste es consciente de ello, pero su preocupación se centra en el rescate de su amado esposo, empresa con alto riesgo y con escasas esperanzas de llevar a cabo felizmente. Rocco declara su convicción de que Fidelio es la pareja ideal para su hija y, finalmente, Jacquino transmite su desesperación por la indiferencia de Marcelina.

Este cuarteto es uno de los más célebres de la historia de la música. En él las cuatro voces forman un canon con una estructura extraordinaria que facilita la declaración simultánea de sentimientos tan dispares como el amor, la confianza, la ansiedad y la desesperación. El impacto emocional es terrible para el oyente que maneja la cruda realidad desconocida para los cuatro personajes. En breve Marcelina verá como se rompe su corazón al descubrir que su futuro marido es una mujer; Rocco verá que el futuro de su hija se esfuma; Leonora (Fidelio) teme por la vida de Florestan y se siente angustiada por si llegará a tiempo de salvarle y nadie sabe como va a terminar la historia entre Jacquino y Marcelina.

Les recomiendo que escuchen este fragmento de Fidelio en el que no necesitan el texto. Beethoven nos habla de la vida de personas honradas y decentes que tienen proyectos de vida que en entran en conflicto simplemente porque así es la existencia humana. A veces los sueños no se cumplen y no es porque alguien atente contra ellos.

El arte de Beethoven nos acerca a la condición humana, a lo que significa sacrificarse por amor y a lo inevitables que son las lágrimas cuando te tocan el corazón.

¡Ojalá que mi vecino del próximo verano sea tan gruñón como Don Luis!

La GAES Pilgrim Race ha resultado una aventura increible de siete días de duración en la que he convivido con personas de diferentes trayectorias vitales procedentes de distintas partes del mundo. He pedaleado y compartido campamento, comida y habituallamientos con hombres y mujeres que hemos tenido una suerte desigual en la vida pero cuya determinación y esfuerzo nos ha puesto a todos en el mismo plano físico y emocional. He aprendido mucho de esta feliz andadura donde tanto me han ayudado y en la que he tratado de corresponder parcialmente a tanta gratitud.

A lo largo de esta peregrinación ciclista a Santiago de Compostela se han producido caídas y enfermedades que han impedido que algunos llegasen físicamente a la Plaza del Obradoiro, aunque creo que en ese momento mágico las almas de todos los que tomamos la salida estaban presentes en la meta.

En la última etapa las colinas que rodean la localidad de Chantada amanecieron inundadas de una espesa niebla que pudimos sobrepasar a medida que ascendíamos. Era tal la belleza del paisaje que en ese momento resonó en mi interior el emotivo coro de los peregrinos de la ópera Tannhäuser de Richard Wagner y que pueden escuchar en el video adjunto.

Como podrán apreciar, la solemnidad y majestuosidad con la que comienza esta coral alcanza su cénit cuando toma protagonismo la orquesta con el acompañamieto en corcheas de los violines (ver 2:02).

En definitiva se trata de un canto a la esperanza y a la rendeción a través del amor, que podría ser la banda sonora de las vivencias de la peregrinación a Santiago de Compostela, vivencias que perdurarán eternamente para el resto de nuestros días, tal y como expresa la última estrofa de esta bella coral.

La primera vez que nos emocionamos en la ópera, es un instante que nunca se olvida. La combinación de elementos en una producción operística supone un potente estímulo que, a pesar de que conozcamos el texto, la música y la historia con todo lo que va a suceder a continuación, seguimos sucumbiendo a ese momento mágico que nos convierte en seres apasionados. Un director de cine que conocía muy bien esta reacción humana fue Alfred Hichtcook, un genio de las emociones que nos mantenía en ascuas como espectadores, al privarnos de poder advertir a un personaje de lo que iba a suceder, aunque el maestro nos revelase desde el principio su destino.

La ópera es un género escénico que se perpetúa a pesar de los altibajos socioeconómicos que vivimos porque todavía hay una inmensa minoría de personas que siente profundas emociones ante curiosas situaciones que muchas veces están fuera de la lógica. Así, Stack (2002) en la revista científica Death Studies, afirmaba que los fans de la ópera ven con más normalidad un suicidio ante una deshonra que las personas que no asisten a las representaciones.

Desde el punto de vista neurológico se ha intentado encontrar una explicación fisiológica a éste fenómeno. Como ocurre en el enamoramiento, aquí entran en acción una serie de circuitos dopaminérgicos, receptores opiáceos y áreas cerebrales como el lóbulo temporal y el sistema límbico. Además, el procesamiento de sonidos y de palabras durante la escucha operística, requiere de la interacción de regiones corticales de los lóbulos frontales y temporales.

Pero la experiencia de asistir a la ópera va mucho más allá de lo estrictamente neurocientífico. Cuando hablamos de una obra en el hall del teatro, en la cafetería o en el restaurante, empleamos términos con un alto impacto emotivo que se relacionan con aspectos muy variados. Cada uno de nosotros tiene un filtro sensitivo para disfrutar con más intensidad la música, el carisma de los cantantes, la credibilidad de la historia, la puesta en escena o las relaciones humanas, entre otros aspectos.

Además, muchos de nosotros comentamos sobre la ópera en plural. Sin duda, nos interesa mucho como reaccionan nuestros acompañantes, sus gustos, sus intereses y sus opiniones. Durante el retorno a casa, se vive un momento único y especial al comentar la representación con las personas que nos han acompañado y es muy posible que la experiencia tras vivir la ópera en directo sea posteriormente modulada por la conducta y comentarios de otros espectadores.

Desde el punto de vista individual, la ópera es con frecuencia un espejo donde se refleja nuestra personalidad o nuestras vivencias. Un maestro que comprendió muy bien este fenómeno fue Gustave Flauvert describiendo las emociones de Madame Bovary en una representación de Lucia de Lammermoor de Donizetti. En el transcurso de la representación, Emma Bovary cede ante la ondulante melodía de los violines que la hacen temblar desde el palco. Posteriormente, la protagonista se siente transportada a otro lugar ante los elementos escénicos e imaginarios que se conjugan (personajes, sombreros,capas, capas, espadas,…). Por último, en la escena en la que Lucía aparece vestida de novia, Emma Bovary recuerda el día de su boda y todas las circunstancias de su vida que habrían sido diferentes.

Más recientemente, en 1990, el director de cine Garry Marshall nos contó la historia de Vivian Ward, una vulgar e inocente prostituta de Los Ángeles que es llevada a la Ópera de San Francisco por su cliente, donde asiste a La Traviata de Verdi. Pretty Woman se emociona tanto desde el palco, que cuando le preguntan qué le ha parecido la obra, contesta con rotunda sinceridad que, del gusto, por poco moja su ropa interior.

Está claro que esto no sólo se explica con neurotransmisores químicos. En cualquier caso, durante los silencios tan emocionantes que se viven en un palco, siempre viene bien llevar una muda. Por si acaso.

Aunque ya hablamos de Carmen en Música Inesperada (ver post titulado “La natural indiferencia de Carmen” de 4 junio de 2013), creo que la personalidad de esta eterna gitana admite un nuevo análisis en profundidad.

Desde que Carmen se estrenó en la Ópera Cómica de París en 1875, la obra ha ido incrementando el éxito con numerosas representaciones por todo el mundo. Sin embargo, inicialmente esto no fue así, ya que la ópera de Bizet tenía una temática amoral, carente de romanticismo, con escasez de buenos sentimientos y además terminaba de forma trágica, lo que causó un gran impacto en la sociedad habituada a acudir a la Ópera Cómica en familia y a presenciar historias con un final feliz.

Volviendo al personaje principal, una cuestión a aclarar es si Carmen puede considerarse una auténtica mujer fatal por perversidad, consciencia de su poder de encantamiento y uso de sus atributos para manipular al hombre. Desde luego, lo que no tiene discusión es que la zíngara tiene en todo momento un perfecto control corporal, inteligente manejo de las ideas del bien y del mal y hábil dominio en la estrecha línea que separa la vida de la muerte.

Bizet nos muestra una Carmen que no es una criminal, sino más bien una astuta mujer con una admirable independencia y no está sujeta a normas. Básicamente, Carmen desea vivir la vida con intensidad, sin poner demasiado énfasis en aspectos como la libertad, el amor y el resto de las personas. Tampoco debemos etiquetarla como una mujer feminista, ya que más bien es individualista, con amores que no duran más de seis meses. Puede asegurarse que Carmen se muestra libre en el amor sin necesidad de rendir cuentas a nadie. Esta gitana andaluza que tanto seduce con su físico y con su mirada, es a la par ingeniosa y sincera, especialmente cuando previene a Don José de que si él la sigue, esto le acarreará problemas.

Nuestra protagonista nace libre y muere libre. Ella termina sabiendo su destino y lo acepta sin ninguna tipo de fatalismo. Carmen viste de rojo y de negro, los colores de las cartas en las que lee su propio destino. Precisamente, es ese momento de angustia ante la muerte, en el que en esta mujer reafirma más claramente su urgencia por vivir.

Carmen una mujer apasionante y universal. Volveremos a hablar de ella.

Ludwig van Beethoven, uno de los grandes músicos de la historia, refleja perfectamente su enorme personalidad en cada pieza de su vasta producción artística. Sus 16 cuartetos de cuerdas, nueve sinfonías y la ópera Fidelio constituyen uno de los legados más humanistas y profundos de toda la historia de la música.

El compositor de Bonn era un hombre con firmes principios y una gran tenacidad a pesar de sus circunstancias vitales adversas, que le acarrearon un sinfín de problemas personales y de salud, entre los que destaca la pérdida auditiva progresiva considerando su condición de músico profesional. El ADN de Beethoven no contenía tantos genes para la fácil inspiración como el de Mozart, Rossini o Schumann. Por el contrario, el maestro alemán cimienta su creatividad artística en el esfuerzo y el tesón con el que trataba, desarrollaba y hacía interactuar los temas musicales.

Beethoven compone para sí mismo. No acepta encargos, patrocinios o el apoyo de mecenas que pudieran recortar su libertad creativa. La defensa de la libertad como elemento catalizador del destino del hombre está presente en muchas de sus obras. Precisamente, esta consideración del hombre como un ser individual que vive en una colectividad es un asunto capital en la obra sinfónica de Beethoven. El ejemplo más representativo es la música de la Novena Sinfonía para al texto de la Oda a la Alegría de Fiedrich Schiller que dice: “Alegría,…todos los hombres se convierten en hermanos, allá donde tu suave ala se posa”.

Esta idea de la fraternidad entre los hombres ya la adelantó Mozart en La Flauta Mágica, circunstancia que llamó la atención de un Beethoven muy contrariado con la temática tan poco moralizadora de otras óperas del genio de Salzburgo. La única ópera que Beethoven escribió, Fidelio, destaca el valor del verdadero amor conyugal y el rechazo ante la tiranía y la injusticia, ideas que ya aparecen en su obertura Egmont.

El maestro alemán es un ejemplo de persona con visión de futuro. Una concepción del futuro muy audaz porque no abandona nunca la tradición cultural, comportándose como un compositor moderno que partiendo desde el Clasicismo, llega al siglo XX, anticipándose al Romanticismo. Quizás el mayor mérito de Beethoven haya sido su determinación para innovar, sin preocuparse por la posible incomprensión del entorno social.

Ludwig van Beethoven era un universitario con una sólida base cultural y humanista. En su música está presente la pasión por el mundo clásico – en los ritmos del Allegretto de la Séptima Sinfonía-, por la literatura – especialmente por Goethe – y por la naturaleza – sobre todo en la Sexta Sinfonía-. Tenía tanta personalidad este músico, que no dudó en retirar la dedicatoria para Napoleón prevista para la Sinfonía Heroica – una de sus piezas más emblemáticas – tras la decepción que le causó su auto-proclamación como emperador.

Estamos inmersos en una época de observación, escucha y meditación que es necesaria antes de depositar la confianza en la persona que gobernará nuestro municipio o nuestra región. ¿Se imaginan a Beethoven en un momento así?

Estoy convencido de que el célebre maestro alemán hubiese apoyado a un político humanista, con empatía hacia sus semejantes y que venerara con sinceridad la tierra donde convive con su familia, vecinos y amigos. Beethoven no hubiese tolerado políticos no cumplidores de sus promesas ni los que se comportaran de una manera autoritaria o injusta.

Este músico tan románticamente individualista y que amó tanto la libertad de sus semejantes como la suya propia, sigue tan vivo hoy día, que si pudiera votar, apostaría por un líder que defendiera la cultura, la originalidad creativa y el cuidado de la naturaleza. Y lo que es más importante, apoyaría a un gobernante que representara sin excepción a todos los hombres y mujeres, con independencia de la edad, nivel cultural, nivel musical, nacionalidad, condición, partido político y raza, entre otras.

Si Beethoven pudiera votar, puede que todos nos convirtiésemos en hermanos.

La música de cámara contiene la esencia del arte interpretativo. El pasado martes, casi 350 personas asistieron al Auditorio Víctor Villegas para disfrutar con expectación de los fundamentos camerísticos de un selecto octeto de músicos. El Cuarteto Saravasti celebró su XV Concierto Extraordinario de Navidad invitando a cuatro jóvenes intérpretes germinados musicalmente en la región y que han desarrollado una brillante carrera profesional fuera de Murcia.

En el escenario de la sala Miguel Ángel Clares confluyeron los talentos de Gabriel Lauret, Diego Sanz, Pedro Sanz y Enrique Vidal (experimentados componentes del Cuarteto Saravasti), con los de los violinistas Felipe Rodríguez (concertino de la orquesta Gubelkian de Lisboa) y Antonio García (Orquesta de la Comunidad de Valencia), del violista Joaquín Riquelme (Orquesta Filarmónica de Berlín) y del violonchelista Lorenzo Meseguer (Orquesta Balthazar Neumann de Friburgo).

La pieza estelar del concierto fue el Octeto para cuerdas de Mendelssohn, obra única en la Historia de la Música compuesta por éste a los dieciséis años de edad. Para tocar este octeto es imperativo que los músicos cuiden con esmero la preparación, la concentración y la conjunción entre ellos, puesto que hay momentos donde la precisión es fundamental. Desde los primeros compases, los ocho intérpretes hicieron gala de una soberbia concepción camerística, de una impactante sonoridad y una delicada musicalidad.

Además de superar con creces los retos que plantea la obra, los miembros del octeto alcanzaron la empatía con el público entusiasmado con sus respiraciones, miradas, complicidad y gestos de escucha atenta. Mendelssohn quiso que el primer violín tuviese un protagonismo especial en este octeto y Felipe Rodríguez asumió ese rol con su habitual solvencia, naturalidad y liderazgo. A lo largo de los cuatro movimientos del octeto, los arcos de los interpretes expresaron con frescura y emotividad el mensaje que el compositor dejó tan bien escrito.

En la primera mitad del concierto, el violista Joaquín Riquelme colaboró con el Cuarteto Saravasti para sumergirnos en el mundo de Mozart tocando el Quinteto de cuerda en Si bemol Mayor. El respeto de cada intérprete hacia el cometido de los demás, contribuyó a resaltar los interesantes diálogos entre violín y viola, a la vez que mantuvo el engranaje rítmico tan característico del compositor austríaco.

El momento más especial de la velada coincidió con la interpretación a ocho de la pieza de Heidrich en la que la conocida melodía de cumpleaños sufre hasta catorce transformaciones según el estilo de distintos compositores y épocas. Minutos antes, la solemne narración de Diego Sanz padre, aportó más humanidad y emoción a este aniversario.

El público asistente agradeció con fervor la generosidad, honestidad y talento de los ocho músicos y estos correspondieron a los aplausos con una bonita sucesión de bises de contenido navideño.

Una magnífica velada de música de cámara ofrecida por intérpretes de primer nivel internacional.