El enigma que encierran las partituras musicales da pie a que se hable sobre sobre ellas una y otra vez sin llegar a conclusiones definitivas. La flauta mágica es una las óperas que entraría dentro de esta categoría por muchos motivos.

El primero de ellos es su calificación como “apta para todos los públicos”. Tanto el argumento como la música y la colorida puesta en escena son un deleite para pequeños y mayores. Como asegura Nikolaus Hanoncourt en una entrevista incluida en Diálogos sobre Mozart (Acantilado, 2016), “sin duda, es un cuento de hadas […] la música es de una sencillez que resulta difícil asociarla mentalmente con la última obra de Mozart”. La genialidad del compositor de Salzburgo permite que el ritmo y la sencillez de la partitura sean comprensibles y fascinantes para niños, para personas sencillas y para los más exigentes expertos musicales, en opinión de Hanoncourt. 

El ser humano se hechiza cuando le cuentan historias que, si son ágiles en cuanto al ritmo y están llenas de humanismo, como ocurre con La flauta mágica, hacen que éste mantenga un estado permanente de alerta y avidez por conocer qué va a suceder a continuación, aunque sepa de memoria la trama.

Sin embargo, debajo de esta aparente sencillez musical hay una elaborada intención por parte del compositor. Si se analiza la partitura, se comprobará que es cierta la aseveración de Hanoncourt cuando responde en sus diálogos: “Mozart estaba entusiasmado con el libreto”. La utilización que hace el compositor de los elementos populares muestra que pensaba en el público que asistía al Theater auf der Wieden, donde los dúos, tríos, cuartetos y quintetos vocales se suceden de tal forma que nunca decae la acción. Entre estos elementos musicales también figura el vals que suena cuando las tres damas se disputan a Tamino.

En la guía de audición de La flauta mágica del sello MA NON TROPPO (Robinkook, 2000) se destaca como Mozart pone la música al servicio de la acción, confiriéndole a ambas la misma importancia. Así, los preludios orquestales y las introducciones de las arias, no sólo van a introducirnos en la escena, sino que posibilitan que la acción comience a desarrollarse antes de que el personaje cante (dos ejemplos serían la huída de Tamino de la serpiente o las continuas bromas de Papageno). 

¿Cómo son los personajes de La flauta mágica? Hanoncourt aporta la idea de que Mozart no nos representa a la gente como buena y mala, sino que “cada personaje puede ser ambas cosas”. Esta duplicidad se manifiesta a la perfección en La Reina de la Noche que inicialmente se muestra como una madre dolorida que convence al príncipe Tamino de que Sarastro es el malo que ha secuestrado a su hija Pamina, y en otro momento de la ópera se rebela en una mujer vengativa llena de ira.

Mozart escribe una música distinta y especial para cada personaje. Para Pamina emplea la armadura de clave en Mi bemol que es el tono del amor, para Papageno usa sol mayor que representa al pueblo llano, a Sarastro como simboliza la justicia y la sabiduría le otorga la tonalidad de la luz, do mayor. Además, el compositor hace un uso muy concreto del intervalo conocido como sexta napolitana para reflejar emociones o estados de los personajes.

Otro aspecto interesante de La flauta mágica es su relación con la masonería. Mozart y el libretista Schikaneder eran masones y la ópera contiene muchos símbolos de la logia en un intento de difundir al público estos ideales. Entre los elementos que forman parte de la alegoría masónica están el recorrido iniciático de la pareja formada por Tamino y Pamina, las ideas de  libertad, igualdad y fraternidad así como la omnipresencia del número tres (tres damas, tres muchachos, tres bemoles del mi bemol (que es la armadura de clave de la partitura), tres puertas y tres pruebas a superar, entre otros.

Como en esa época la masonería no era aceptada, el compositor y el libretista utilizan los personajes para representar a los distintos estamentos sociales. Así, Tamino, el joven príncipe que se muestra un tanto desorientado, carente de agresividad y ávido de conocer la verdad y el amor sería el emperador José II; Pamina representa al pueblo austríaco ilustrado; Sarastro es el célebre científico y pensador Ignaz von Born y el carácter despreocupado de Papageno y Papagena, lo identifican con el pueblo llano que no está contaminado por el pensamiento de Rousseau. Algunos emparejan a la inestable y codiciosa Reina de la Noche con la emperatriz María Teresa, sin embargo, otros musicólogos, alegando que la emperatriz falleció años atrás, piensan que representaría a la Iglesia. Este sería el motivo por el que Mozart le asigna dos arias fantásticas, en la línea del resto de la ópera, pero en un estilo anticuado, en un intento de mostrar el carácter desfasado  y caduco de lo que representa el personaje. Finalmente, Monostatos, el esclavo de tez negra, simboliza al clero o a los jesuitas.

Volviendo a los Diálogos sobre Mozart, para Nikolaus Hanoncourt los personajes de La Flauta mágica son en realidad los miembros de una familia cotidiana en la que surgen problemas a raíz del reparto de una herencia, de forma que la Reina de la Noche no estaría conforme con que legado que ha recibido (de su difunto marido) Sarastro, un amigo de la familia y a partir de ahí se desencadenan los acontecimientos.

En cualquier caso, La flauta mágica, como les decía, da y dará lugar a muchas interpretaciones. Como lo principal es su música, les propongo la audición de la obertura de esta genial ópera, escrita en la tonalidad de mi bemol. El Adagio inicial comienza con tres acordes muy reconocibles: mi bemol, sol y si bemol, en una clara alusión a la masonería. Se completa con un Allegro fugado donde los instrumentos se suceden unos a otros siguiendo auténticos juegos de imitación que son una delicia para disfrutar en familia.

Cuando se decide comprar una colección de música clásica por entregas es muy probable que la primera de ellas sea a precio reducido y contenga las sinfonías números 40 y 41 de Mozart. La consecuencia inmediata de este tipo de formatos de reclamo es que todos tengamos en casa un valioso CD medio escondido de una serie que no llegamos a completar.

Resulta paradójico que la mejor música de uno de los grandes compositores de la historia permanezca tan oculta a nuestros oídos al tiempo que nos entristece la cancelación del programa de la OSRM de esta semana en el Auditorio de Murcia que incluía la última obra instrumental en gran formato de Mozart, la Sinfonía nº 41 en do mayor, Júpiter, KV 551.

Dos de los músicos que mejor conocen esta partitura son Antonio Clares, profesor de viola del Conservatorio Profesional de Murcia y violista de la Orquesta del Siglo XVIII y Silvia Márquez, catedrática de clave del Departamento de Música Antigua del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En el año 2006 hicieron el arreglo de la Júpiter para formación de cámara y la interpreatron con La Tempestad, de la que son miembros fundadores y alma mater del grupo. El resultado fue un excelente album de música clásica titulado Mozart Infrecuente y que se grabó en el Monasterio de los Jerónimos de Murcia en agosto de 2011.

La última de las sinfonías vienesas del compositor de Salzburgo es una de las  grandes composiciones escritas hasta hoy. Para nuestros invitados lo más relevante es “el contraste entre los motivos poderosos o de afirmación con los de más sensibilidad” según Antonio y “la grandiosidad exultante de principio a fin construida sobre elementos sencillos como una sucesión de cuatro notas o una escala descendente” afirma Silvia. Para ellos, el brillo trasciende más allá de cualquier forma y la tensión se mantiene en todo momento como si de una ópera se tratase: “podemos imaginar los elementos de una ópera, diálogos de personajes, ejércitos, escenarios, amor, inocencia y tragedia, entre otros”. 

Hay que remontarse al verano de 1788 para imaginar a Mozart componiendo con agilidad sus sinfonías nº 39, 40 y 41 lo que todavía sigue siendo un misterio. A Antonio le fascina como tres obras de tal magnitud constituyan una unidad: “De hecho se interpretan en muchas ocasiones en concierto las tres juntas”.  Silvia cree, que más allá de la genialidad y la imaginación del maestro, “Mozart tenía el oficio de la composición tremendamente asimilado a partir de la armonía, desde el teclado. Probablemente partió de una estructura armónica muy clara y muy bien definida”.

Solo un genio puede concebir mentalmente una obra y plasmarla en la partitura con toda su estructura y contenido en tan poco tiempo – añade Clares – que nos recuerda que los manuscritos de Mozart apenas tienen correcciones, lo que refleja la fluidez existente entre su mente y la pluma sobre el papel. 

Hemos hablado de la alternancia que hay en la Júpiter de temas llenos de esperanza y luz frente a los que denotan cierta angustia. Silvia opina que este conflicto lo resuleve el maestro “con el juego de silencios y las fermatas. Mozart utiliza los silencios como puntos de reposo y cambio de dirección. Si ha llegado a un punto tras una frase de luz, el silencio significa que viene la tormenta. Si tras ella alcanzamos otro punto de reposo, aparece un nuevo tema brillante que nos hace reconciliarnos. Creo que su intención es no dejar al oyente acomodarse en un ≪afecto≫, como en la vida misma”. 

Nos adentramos en algunos momentos sublimes de la composición. Uno de ellos es el segundo movimiento, un Andante cantabile lleno de lirismo. Para Silvia Márquez “es magistral la variedad y el juego rítmico del acompañamiento de las cuerdas, bien con semicorcheas, con tresillos sincopados o con alternancia de melismas de fusas. El resultado es un andante sin respiro, que mantiene al oyente en vilo hasta el final”. 

Me encantaría seguir hablando con Silvia y Antonio sobre la sublime coda con la que termina este segundo movimiento, pero tenemos que irnos al Molto allegro con el que finaliza la Júpiter (ver vídeo adjunto), un movimiento que Clares etiqueta como de arquitectónico y lleno de energía aunque para él es también “intelectual y complejo sobre todo en la fuga final a ocho voces de la coda. No es un movimiento de simple fiesta, sino una fiesta interesante donde la repetición del motivo inicial, el contrapunto, las inversiones de ese motivo y sus contrarios, son un auténtico reto para un oyente que desea comprender todo lo que Mozart le cuenta”. 

Para Silvia, el cuarto movimiento “es sencillamente magistral. Me parece un hito en la historia de la música. Comienza con un tema de cuatro compases a modo de ≪cantus firmus≫ en el que un motor de corcheas tímidamente sugerido es el presagio de 423 compases de un ritmo frenético”. Precisamente, esta parte del movimiento es, para la clavecinista y directora de La Tempestad, “un momento de exuberancia absoluta donde convergen de forma increíble el control del contrapunto –la dimensión horizontal barroca– con la armonía –la dimensión vertical clásica–“. Coincide con Antonio en que la coda es absolutamente apoteósica: “¡cinco temas en stretto al mismo tiempo y dispuestos en ocho voces que resultan todas ellas imprescindible!”.

Los músicos de La Tempestad ya tenían la experiencia de interpretar música sinfónica transcrita para formación de cámara siguiendo los arreglos de las Sinfonías de Londres de Haydn realizados por Johan Peter Salomon. Cuando llegó el momento de transcribir el Molto allegro de la Júpiter para los siete músicos de La Tempestad, Antonio y Silvia encontraron un escollo felizmente salvable: “Mozart aquí no nos permitía prescindir de alguna pequeña parte en el acompañamiento, porque los temas pasan de una voz a otra y era una especie de crimen dejar fuera del arreglo cualquier motivo o grupo de notas. Lo solucionamos utilizando la mano derecha del fortepiano como un instrumento independiente de los otros siete. De todos los arreglos que hemos tocado es la única vez que ha sido necesario recurrir a este método”. 

Para el futuro, Silvia y Antonio tienen que ponerse de acuerdo. Ante la cuestión sobre la siguiente sinfonía que les gustaría preparar para pequeño formato hay discrepancias, esperemos que solucionables: “A mí personalmente, me gustaría hincarle el diente a la Sinfonía en sol menor KV 550, de la que hay arreglos de la época que están muy bien y a los que podríamos darle nuestro toque” – afirma Antonio -. Sin embargo, Silvia tiene más presente que estamos en año Beethoven y está trabajando en el arreglo para violín y piano que hizo Hans Sitt de la Cuarta Sinfonía del compositor alemán: “Partimos de un material que es oro puro”. 

Antonio y Silvia, Silvia y Antonio, son dos de los mejores músicos afincados en nuestra región, con un impulso creativo y docente reflejado en multitud de conciertos y proyectos que se han visto paralizados por la pandemia que nos asola. Esta imparable pareja cree que “hay que aprovechar estos momentos, ordenar el pasado, reflexionar, organizar materiales y planificar el futuro. Esperemos que todo esto pase cuanto antes para lanzar nuevas ideas. Quizás nuestro futuro no se trazará sobre el mismo paradigma que veníamos utilizando, pero lo cierto es que el directo no tiene sustituto. Entre todos, encontraremos las formas de lograrlo, estamos seguros”. 

Y nosotros también, queridos amigos.

Richard Strauss escribió música para describir con maestría el perfil psicológico de una las femmes fatales más enigmáticas de la humanidad. El músico alemán hoy nos lleva a las orillas del Mar Muerto para recrear la historia de Salomé y del mito que la rodea.

La figura de Salomé fue un estímulo recurrente para despertar la imaginación y la curiosidad de escritores, pintores, músicos, directores y actores, como fueron van der Weyden, Picasso, Botticelli, da Sesto, Bellini, Fuseli y Tiepolo, entre otros. Además, autores como Apollinaire, Mallarmé, Flaubert, Valle-Inclán, Pessoa y Cortázar, no se resistieron a completar el escueto perfil psicológico bíblico que se intuye tras la lectura de San Marcos 6,21-28:

“Entró la hija de Herodías y danzó, gustando a herodes y los comensales. El rey dijo a la muchacha pídeme lo que quieras y te lo daré”.

Aunque la bella princesa judía apenas tiene protagonismo en los Evangelios, va adquiriendo un sobrecogedor halo de maldad conforme nos alejamos del relato bíblico, de forma que la muchacha adolescente hace perder la cabeza a Herodes antes que a Juan el Bautista. Así, Flaubert en sus cuentos titulados Herodías (1877), dotó de personalidad literaria a Salomé y fue el primero que relata con detalle la escena de seducción a través de la danza:

“En lo alto del estrado se despojó del velo. Era Herodías en su juventud. Después comenzó a danzar.
Sus pies pasaban, uno delante del otro, al ritmo de una flauta y de un par de crótalos. Sus brazos torneados llamaban a alguien que huía siempre […]. Sus actitudes expresaban suspiros, y toda su persona mostraba tal languidez que no se sabía si lloraba a un dios o si moría entre sus caricias. Con los párpados entreabiertos, torcía la cintura, balanceaba su vientre con ondulaciones de brisa, hacía temblar sus dos pechos, y su cara permanecía inmóvil y sus pies no se detenían […].
Danzó como las sacerdotisas de la India,como las nubias de las cataratas, como las bacantes de Lidia. Se inclinaba hacia todos los lados, semejante a una flor agitada por la tempestad […]. Sin doblar las rodillas, separando las piernas, se inclinó tanto que la barbilla rozó el tablado […].”

Pero, ¿Cómo llegó Salomé a encarnar el mal femenino? ¿Por qué se conviertió en un icono artístico tan atractivo? La historia sobre la hermosa adolescente seductora fue el tema elegido por Oscar Wilde para su polémico drama titulado Salomé, estrenado en Londres en 1892 y que conviertió definitivamente en mito universal a la bella adolescente.

Según Isabel Lozano, especialista en Psiquiatría y profesora de la UMU, “El deseo prohibido es el verdadero protagonista de la obra de Wilde que va pasando de personaje en personaje. Salomé es consciente que cualquier hombre que la mire es irremediablemente seducido por ella y, sin embargo, se ve sorprendida por el amor que siente al escuchar las palabras de Juan el Bautista, que se resiste a mirarla, transformándola a partir de entonces en una joven impulsiva, rebelde y fuera del control de su madre.”

La Salomé de Oscar Wilde se representó más tarde en el Kleines Theatre de Berlín un día que el compositor Richard Strauss asistió a una función. Al terminar la representación, Henry Grünfeld le sugirió que escribiese una ópera sobre la perversa seductora, a lo que el maestro contestó:

“Ya estoy en ello”.

Strauss no fue el único músico sensible a los encantos de Salomé. Vivaldi, Stradella, Wagner o Massenet, ya nos mostraron distintas formas de relación amorosa entre San Juan y la caprichosa joven. El compositor germano suprime algunas frases del texto de Wilde para que no existan dudas sobre la firme actitud de rechazo de San Juan y escribe una música marcadamente dramática al llevar la orquesta al límite y poner en aprietos a los cantantes por la dificultad de la partitura. El maestro de Munich se anticipa al modernismo y a la politonalidad, valiéndose de altas dosis de violencia armónica, de melodías fragmentadas y de leimotiv o ideas musicales evocadoras de sentimientos, estados de ánimo, personajes, partes del cuerpo o circunstancias.

En un momento determinado, Salomé se siente agobiada por el ambiente congestionado del salón de banquetes de Herodes y sale al jardín a respirar su aroma, donde se encuentra con el sonido de la voz del profeta Jokanahan.

“¡No quiero quedarme! ¡No puedo quedarme!
¿Por qué el tetrarca me mira así, con esos ojos de topo bajo sus párpados trémulos? Es extraño que el marido de mi madre me mire de ese modo.
¡Qué fresco es aquí el aire! Aquí puedo respirar. “

Lo que sucede a continuación demuestra por qué Salomé es una mujer fascinante que desordena sin remedio al mundo masculino. En palabras de la joven,

“El misterio del amor es más grande que el misterio de la muerte”.

La luna, tan presente a lo largo de obra, presagia el cruel final que describe Wilde y que tan bien reflejan los terroríficos acordes compuestos por Strauss. Les propongo releer con detenimiento el texto de Flaubert acompañándolo de la música de la Danza de los siete velos de Richard Strauss.

Beethoven compuso una única ópera, Fidelio, una oda a la Libertad y una auténtica llamada a la Humanidad con una alta dosis de moralidad muy intrincada en la vida real. La trama transcurre en una cárcel de Sevilla del siglo XVII que el maestro inunda con una música sublime y que refleja de una manera definitiva el contraste existente entre la oscuridad de la prisión y la luminosidad de la justicia. Todo un manifiesto apasionado contra las prisiones de cualquier índole, basándose en un hecho real acontecido durante la Revolución Francesa.

La fuerza moral de la ópera Fidelio se ve incrementada por la intensidad con la que Florestan y Leonora viven su amor conyugal, aderezada con una música de gran pureza caracterizada por la emoción, los acentos y el dramatismo a la que Beethoven dedicó doce años de su vida. Leonora es la esposa de un preso político encarcelado hace más de dos años por el malvado y corrupto Pizarro y que tiene la valentía de disfrazarse de hombre (Fidelio) para solicitar un trabajo como ayudante del carcelero Rocco y así liberar a su marido.

Uno de los momentos más interesantes en Fidelio con los que el músico alemán mejor ilumina la lúgubre cárcel sevillana es el cuarteto vocal del primer acto “Mir ist so wunderbar … “(“Qué sentimiento extraño…”) en el que Marcelina, la hija del carcelero; Fidelio, Rocco y Jacquino, el portero de la prisión, expresan sus sentimientos más íntimos. En hecho de que las cuatro voces desnuden sus emociones simultáneamente sólo es posible en una ópera y Beethoven es un maestro de instantes mágicos como apreciarán en el video adjunto.

Mientras Marcelina expresa su amor hacia el desconocido Fidelio, éste es consciente de ello, pero su preocupación se centra en el rescate de su amado esposo, empresa con alto riesgo y con escasas esperanzas de llevar a cabo felizmente. Rocco declara su convicción de que Fidelio es la pareja ideal para su hija y, finalmente, Jacquino transmite su desesperación por la indiferencia de Marcelina.

Este cuarteto es uno de los más célebres de la historia de la música. En él las cuatro voces forman un canon con una estructura extraordinaria que facilita la declaración simultánea de sentimientos tan dispares como el amor, la confianza, la ansiedad y la desesperación. El impacto emocional es terrible para el oyente que maneja la cruda realidad desconocida para los cuatro personajes. En breve Marcelina verá como se rompe su corazón al descubrir que su futuro marido es una mujer; Rocco verá que el futuro de su hija se esfuma; Leonora (Fidelio) teme por la vida de Florestan y se siente angustiada por si llegará a tiempo de salvarle y nadie sabe como va a terminar la historia entre Jacquino y Marcelina.

Les recomiendo que escuchen este fragmento de Fidelio en el que no necesitan el texto. Beethoven nos habla de la vida de personas honradas y decentes que tienen proyectos de vida que en entran en conflicto simplemente porque así es la existencia humana. A veces los sueños no se cumplen y no es porque alguien atente contra ellos.

El arte de Beethoven nos acerca a la condición humana, a lo que significa sacrificarse por amor y a lo inevitables que son las lágrimas cuando te tocan el corazón.

¡Ojalá que mi vecino del próximo verano sea tan gruñón como Don Luis!

El próximo lunes Murcia se sumerge en aires barrocos. Nos visita Lina Tur Bonet al frente de MUSIca ALcheMIca que interpretarán un interesante programa sobre Vivaldi en el Auditorio Víctor Villegas.

Conversar con Lina es viajar por todos los periodos de la música de la mano de una violinista de referencia mundial que conjuga talento y formación junto a la asimilación del legado artístico historicista y de la tradición europea. Su amplio repertorio se extiende a más de 400 años de música que ha defendido en los mejores auditorios del planeta.

Esta gran violinista formada en Friburgo y Viena nos explica que MUSIca ALcheMIca es un ensemble formado por los mejores intérpretes que han trabajado con ella. Dentro de la idea de combinar elementos musicales para convertirlos en oro: “Por supuesto, se trata de un oro simbólico. Compartimos la música de una manera auténtica tratando de ofrecerla de un modo distinto, dialogando con el público y con otros tipos de arte, sin olvidar los proyectos pedagógicos que desarrollamos en distintos lugares del mundo”.

El concierto del lunes gira en torno a la música de Antonio Vivaldi, para Lina Tur uno de los compositores más célebres, con más influencia y que estableció la forma concierto que hoy conocemos: “El propio Bach aprendió mucho de él. Fue un artista completamente instalado en el barroco, época de exhuberancia, fantasía, virtuosismo y maestría de sus compositores. Vivaldi supo sublimar su creación y conseguir estar verdaderamente de moda”.

Comento con Tur Bonet el hecho de que los intérpretes de música antigua se preocupen cada vez más por el enfoque historicista y por los instrumentos y recursos estilísticos propios de la época. Sin embargo, la actitud del que escucha también es importante: “Creo que el oyente simplemente tiene que recuperar la frescura para ser fiel a cualquier época. A menudo, la gente dice que va los conciertos de música clásica, pero que no entiende. Otros no van porque no entienden. Y esa sensación precisamente es lo que tenemos que cambiar para que vengan a los conciertos.”

Lina opina que para escuchar música no se necesita más que unos oídos y un corazón abiertos. El resto ocurre directamente y ahí reside la fuerza de la música: “ La música clásica a veces puede ser compleja, pero siempre debe escucharse con la frescura y la naturalidad de cualquier otra. A veces requiere más atención, obviamente. Pero cuando uno se acostumbra, se abren nuevas percepciones y dimensiones, se profundiza en la escucha y se entra en otro tipo de experiencia…”

El programa de Lina Tur con MUSIca ALcheMIca incluye un concierto para violonchelo interpretado por el gran Mauro Valli y cuatro conciertos de violín que son inéditos por distintas razones. El concierto en re mayor todavía no ha sido grabado y tiene una estructura sencilla y muy bella. Otro es Il Grosso Mogul, seguramente el concierto más célebre de Vivaldi después de Las cuatro estaciones, que destaca por su virtuosismo extremo y que se interpretará en su versión original e inédita. Una de las obras se puede etiquetar como de extravagancia barroca, por la imitación que hace el violín imitando de la tromba marina, instrumento medieval con un sonido característico: “Este concierto ya ha sido grabado, pero sin el artilugio del ponticello que emplearemos para conseguir el sonido de tromba marina, que es tan especial que me recuerda a Cyrano de Bergerac, un personaje no muy agraciado físicamente, pero que dice cosas maravillosas”.

El concierto finalizará con una obra inédita del violinista alemán Pisendel, uno de los compositores favoritos de Vivaldi y a quien le dedicó mucha música. Esta pieza precisamente fue revisada y corregida por el propio maestro italiano.

Tur confiesa que tiene dificultades para destacar algo en concreto sobre el resto del programa del lunes: “Siento la magia durante todo el concierto y de maneras muy distintas… la música en vivo tiene algo de ritual y hay que conseguir que la magia esté todos los afectos, emociones e ideas que se expresan.”

Lina Tur ocupa la cátedra de violín en el Conservatorio Superior de música de Zaragoza desde 2005 y en el Conservatorio Superior Katarina Gurska de Madrid desde 2015. Su compact disc Vivaldi Premieres del sello PAN CLASSICS con la obra inédita para violín solista del compositor ha sido reconocida internacionalmente por la prensa especializada. En este concierto que ofrecerán en directo, el arte de la alquimia combinará una serie de elementos para lograr ese oro inédito. No puede faltar su curiosidad, señor espectador.

Lunes 30 de abril, 20h. Sala Miguel Ángel Clares. Auditorio Víctor Villegas de Murcia. Entrada libre hasta completar aforo.

Cada día se descubren más partituras antiguas escritas desde la Edad Media hasta el Barroco. Fueron muchos los hombres y mujeres que en ese periodo elevaron la composición a la categoría de arte y que, sin embargo, no han tenido la relevancia de otros músicos del mismo nivel.

Un caso particular es el de las monjas compositoras de los conventos de la Europa medieval y renacentista. En esa época, la única manera que tenía una mujer de evitar un matrimonio no deseado, era tomar los hábitos religiosos e integrarse en la vida conventual. Las novicias recibían una sólida formación cultural en el que la música tenía especial protagonismo, lo que les permitía participar en la liturgia como intérpretes e incluso más tarde como compositoras de obras musicales.

A finales de 2009, la doctora en Musicología María Ángeles Zapata funda el grupo vocal femenino DeMusica Ensemble, dedicado al repertorio antiguo y con un reconocido nivel artístico refrendado con un primer premio en la categoría de Agrupación Vocal Camerística del IX Concurso Nacional de Música de Cámara Francisco Salzillo.

DeMusica Ensemble toma el nombre del tratado homónimo de San Agustín del siglo IV sobre diálogos de inspiración neoplatónica que influyeron marcadamente en los compositores del Renacimiento, por su concepción liberal de la música.

Esta agrupación vocal fue noticia en 2016 por la cuidada edición del disco O Clarissima Mater con obras antiguas escritas por monjas europeas y grabadas en la Iglesia de San Sebastián de Ricote (Murcia). María Ángeles nos cuenta que: “La música de estas compositoras tiene, entre otras cualidades, la originalidad de estar fuera de los requerimientos estéticos de la época. Se trata de piezas de gran calidad, belleza y espiritualidad que estaban pensadas para la liturgia de los conventos”.

Para esta musicóloga, las voces blancas de DeMusica Ensemble abarcan obras compuestas y/o adaptadas específicas de este tipo vocal para explorar nuevas interpretaciones dentro del panorama musical: “Nuestra finalidad es investigar, interpretar, difundir y promocionar la música compuesta e interpretada por mujeres y que sean reconocidas en el ámbito musical y cultural”.
Las voces de la agrupación son Susana Almazán (Cantus I), Eva Sánchez (Cantus I), Susanna Vardanyan (Cantus II), Rocío Ruiz (Cantus II), la propia Mª Ángeles Zapata (Altus I), Susi Gálvez (Altus II) y Nuria Díez (Altus II) acompañadas por Javier Sáez (Órgano) y Lorenzo Cutillas (Viola de arco). Este conjunto interpreta música compuesta por monjas de conventos femeninos europeos y afirman que O Clarissima Mater “es el fruto de años de investigación alrededor del patrimonio musical de estas mujeres, dejando de lado el repertorio profano que tenemos en mente para futuros trabajos discográficos. Las partituras las hemos ido encontrando en diferentes fuentes, manuscritas, realizando transcripciones y en editoriales especializadas de música de compositoras”.

O Clarisima Mater es el también el título de uno de los responsorios incluidos en el CD escrito por la monja alemana Hildegard von Bingen, conocida como la Sibila del Rhin. La directora de DeMusica Ensemble nos explica que “es un homenaje a su compositora, una figura extraordinaria y una mujer pionera del siglo XII, con una vasta producción musical, como literaria y científica”.

He tenido la oportunidad de escuchar este disco con atención y se los recomiendo. Disfrutarán de una música de calidad, muy bien grabada e ideal para retrotraernos en el tiempo durante las tardes de invierno.

Con el paso del tiempo, las colecciones de discos se enriquecen con nuevas grabaciones o versiones de obras ya conocidas. Al recorrer con la mirada la discoteca de casa, rememoro con frecuencia los momentos únicos en los que adquirí lo que para mí son joyas de la discografía. Cuando tengo que elegir que discos me voy a llevar para escuchar en vacaciones, paso por la terrible experiencia de no saber exactamente que es lo que voy a dejar hasta la vuelta del veraneo. Por otro lado, como cada uno de nosotros tiene un oído (y un cerebro) con cierta preferencia por determinados timbres, tempos y, si me lo permiten, por los aromas de época que envuelven algunos discos, la magia contenida en cada cajita con música no deja de ser algo muy íntimo y personal.

Hace unos días leí en el último Music Magazine de la BBC un artículo de Elinor Cooper que resumía la opinión de distintos expertos sobre veinte mejores de las mejores sopranos de todos los tiempos. Me pregunté ¿es posible hacer un listado de cantantes en este sentido?

Así que opté por hacer ejercicio mental guiado por mi criterio y sin atender a otras consideraciones, con el reto de intentar definir qué sopranos me han conmovido más a lo largo de mi vida. Soy perfectamente consciente de que corro un elevado riesgo de cometer un grave sacrilegio para otras opiniones, pero lo cierto es que es irrefutable el hecho de que una obra de arte provoca en cada uno de nosotros reacciones, experiencias y emociones muy distintas.

Por ello no voy a pasar por alto la magia de la íntima liederista Elly Ameling, la sublime perfección de Rosa Poncelle, la exquisita dicción y fraseo de Christine Brewer, la regularidad y excelencia de una todoterreno como Christa Ludwig o las memorables interpretaciones de Leontyne Price o Margaret Price.

Lucía Popp es una cantante que vinculo a los últimos cuatro lieder de Richard Strauss; Joan Sutherland, conocida como La stupenda tras su debut en La Fenice, fue una Lucía de Lammermoor sublime; la inocencia seductora de Victoria de los Ángeles la convirtió en una Rosina increíble, sin olvidar sus papeles como Carmen de Bizet y Margarita en el Fausto de Gounod. También son maravillosas las interpretaciones de Gundula Janovich en las bodas de Figaro de Mozart o en la Creación de Haydn, la fiabilidad de Monserrat Caballé para cantar las óperas de Bellini y Donizetti, dando la sensación de que algunas fueron escritas expresamente para ella.

María Callas fue una cantante única. Con su voz singular y sus excelentes cualidades dramáticas, artísticas, técnicas y vocales, nos deleitó en los roles de Traviata, Norma y Lucía de Lamermoor, entre otros, pero para mí la soprano de origen griego fue la Tosca por excelencia por su manera de desenvolverse en situaciones que van de la pasión más amorosa a la crueldad más extrema, contraste que Puccini manejaba como nadie.

En el mundo de Richard Wagner me quedaría con la Brunhilda de Brigitte Nilsson, y la Isolda de Kirsten Flagstad, aunque también su interpretación de los Cuatro últimos lieder de Strauss es soberbia. Y en la esfera de la obra de Gustav Mahler, el protagonismo lo acapara Kathleen Ferrier, una soprano que supo entender el mensaje del compositor y transmitirlo como nadie ha hecho jamás.

En casa la soprano más conocida es Elisabeth Schwarzkopf. Podríamos decir que ella es casi de la familia. Sus papeles como condesa en Las bodas de Fígaro de Mozart o de La Mariscala en El caballero de la rosa de Strauss la consagraron en el Olimpo de la lírica. La belleza y la clase de esta soprano complementaban su categoría artística de tal modo que la audición de sus canciones de Mozart, Strauss, Wolf y Schubert todavía estremecen y perturban al oyente atento. Cuando falleció en 2006, muchas de las personas de mi círculo de aficionados a la música lo sentimos como una verdadera pérdida en el seno familiar. Afortunadamente, nos dejó sus registros en disco e imágenes de vídeo como las que les adjunto.

Con ellas logro sobrevivir cada verano hasta que el otoño nos traiga más música.

La segunda temporada de Cammerata en el Auditorio Víctor Villegas está servida. Tuve la oportunidad de asistir el pasado 5 de septiembre a la presentación del ciclo de esta agrupación y puedo confirmarles que la apuesta musical es de primer orden en cuanto a intérpretes y obras seleccionadas.

En el acto estuvieron presentes representantes de la Consejería de Cultura con su máxima responsable al frente, del Auditorio y Palacio de Congresos, de la prensa, la directora de la OSRM, los músicos de Cammerata y su Presidente Honorífico, Joaquín Riquelme, que antes de incorporarse a la Filarmónica de Berlín quiso apoyar a Cammerata con su presencia y un discurso lleno de sinceridad y grandes expectativas.

Joaquín Riquelme es una persona muy interesante porque, además de haber alcanzado el éxito artístico y profesional en una de las mejores orquestas del mundo, conserva la humildad y sencillez de siempre, lo que le permite hablar con criterio y experiencia sobre música. Por ello, el hecho de aceptar la presidencia de honor en Cammerata ya denota la seriedad de la propuesta de esta agrupación de cuerda ya consolidada en la programación del buque insignia de la cultura regional.

Además, la colaboración entre Riquelme y Cammerata ha quedado plasmada en el disco que han grabado juntos por el sello Eudora Records y con música de Brotons, Händel y Tchaikovsky. El CD es una joya en cuanto a interpretación, edición y sonido. Ya se sabe, con buenos ingredientes se cocina bien y ahí está el resultado final. Esta grabación puede adquirirse de una forma fácil y con unas condiciones excelentes, en el abono de Cammerata denominado Premium.

Me gustó mucho el respeto profesional que contenían las palabras de Joaquín Riquelme hacia los integrantes de Cammerata. El violista se siente muy a gusto en su tierra, pero especialmente cuando comparte su arte con músicos que hablan su mismo lenguaje y respiran con él con tanta naturalidad.

Los miembros de Cammerata que acudieron a la representación fueron los hermanos Lorenzo y Gonzalo Meseguer, Ana Mba y Laura Torcal. Lorenzo fue el encargado de explicar el ciclo de 3 conciertos que ofrece Cammerata y que comienza el 17 de octubre precisamente con el programa Jubileum en el que Joaquin Riquelme es el invitado estelar y en el que interpretarán obras de Brotons, Elgar y Tchaikovsky.

El segundo programa de Cammerata se titula La muerte y la doncella, tendrá lugar el  5 de enero de 2017 e incluye obras de Mozart, Mendelssohn y Schubert. Los invitados especiales son Pablo de Pedro y Batipste López, miembros de Europa Galante, la célebre orquesta barroca italiana fundada por Fabio Biondi en 1990.

Por último, el ciclo se cierra el 6 de marzo con un interesantísimo concierto en colaboración con La Tempestad con obras de Locke, Rameau, Lully, Vivaldi y Geminiani.

Además, fuera de este ciclo, Cammerata colabora con la OSRM en dos programas que ya comentaremos con detalle, así como con los Conciertos en Familia.

Joaquín Riquelme hizo dos consideraciones finales importantísimas. Una vez más, ante la Consejera de Cultura, volvió a insistir en la necesidad de activar la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, cuna de nuestros mejores músicos profesionales que están en activo. Hoy día no tendríamos Cammerata ni él estaría en la Filarmónica de Berlín si estos músicos no hubiesen tenido la oportunidad de tocar juntos el repertorio orquestal básico bajo la supervisión de selectos profesores. Nuestra consejera es una mujer muy activa, ilusionada y con grandes dotes de comunicación, pero su gestión en cultura no llegará al aprobado ni tendrá el reconocimiento del mundo de la música si no pone en marcha de una vez a la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia. Dicho queda de nuevo.

La segunda acertada consideración de Riquelme fue para el público de Murcia. Este ciclo (con CD incluido) de Cammerata es un acontecimiento musical de primer nivel a un precio muy asequible. En Berlín, las entradas para este triple evento se hubiesen agotado en 24 horas. En nuestra tierra las cosas son distintas, pero no se duerman, ya que estamos hablando de música de muchos quilates y como surja una fiebre del oro, a lo mejor se quedan sin entrada.

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La obra de Richard Wagner (1813-1883) en la que más aflora el amor por la vida y por el arte es la ópera Los maestros cantores de Nuremberg. De sus obras de madurez, es la única composición en las que los personajes son puramente humanos, ya que en ella no hay dioses, dragones, caballeros del grial o barcos fantasmas) .

Por otro lado, Los maestros cantores de Nuremberg es una ópera cómica del maestro alemán con rasgoss típicos de la opera bufa como son el papel de Beckmesser o el de la pareja formada por David y Magdalena. En este sentido, hay una escena muy característico que nos recuerda a la ópera Don Giovanni de Mozart que es la escena de la Serenata en la que Magdalena crea una premeditada confusión llevando el vestido de Eva.

Desde el punto de vista musical, Los maestros cantores de Nuremberg es una maravilla. A pesar de que algunos critican que Wagner da un paso compositivo hacia atrás en esta ópera al usar formas arcaicas como la polifonía antigua o de temas populares o el abandono del cromatismo tan presente e Tristán e Isolda, realmente estamos ante una partitura soberbia en la que utiliza recursos muy variados que logran construir una excelente comedia humana.

Por ello, los tipos de registro de la ópera antigua como monólogos, canciones, corales, bailes, conjuntos finales movimientos del conjunto, van surgiendo en relación con la acción y no tanto con la interrupción. Quizás la excepción es el famoso monólogo de Hans Sachs, muy en la línea de la ópera seria al tratarse de un momento de reflexión (y por tanto un standby de lo que está realmente pasando).

Otro momento sublime creado por Wagner es el sublime quinteto hacia el final y que inicia Eva de una forma delicada para expandirse con la sucesión de voces hasta el éxtasis. En mi opinión es uno de los momentos mágicos fabricado por Don Ricardo a pesar de que traiciona su máxima estética de que no cante más de una persona en escena.

En estas fechas, desde Música Inesperada les recomiendo escuchar esta ópera. El célebre e impresionante Preludio con el que empieza les llevará directamente a una mañana de San Juan (Johannistag) en la iglesia de Santa Catalina de Nuremberg, hoy en ruinas, lugar donde se inicia una bella historia sobre la música del mejor Wagner.

El arte con el que creó Isaac Albéniz (1860-1909) la Suite Iberia es una amalgama de elementos románticos, impresionistas, folklóricos, nacionalistas y virtuosísticos que la convierte en una pieza singular y eterna. Su música es tan variada y rica, que da la sensación que nuestros cinco sentidos no son suficientes para captar todo lo que el maestro de Camprodón nos propuso.

Por ello, les traigo a la sección titulada Oro Molido de Música Inesperada, la grabación en formato DVD que Orpheus editó en diciembre de 2015 con el pianista tinerfeño Gustavo Díaz-Jerez, un virtuoso del instrumento, cuyas manos revolotean sobre las teclas de un Steinway tal y como imaginó Albéniz que lo harían las de Blanche Selva, la intérprete que estrenó la pieza y una de las personas a las que se la dedicó.

Gustavo Díaz-Jerez, intérprete que ya conocen en las mejores salas de conciertos del planeta, es profesor de piano del Conservatorio Superior de Música del Pais Vasco “Musikene” y miembro Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel. Ha tenido la gentileza de corresponder nuestra curiosidad y de la conversación en torno a la Suite Iberia de Albéniz, y estas son sus opiniones al respecto.

¿Por qué la Suite Iberia debe programarse en los auditorios?

“Iberia es una de las obras maestras de la literatura pianística universal, no sólo española. Creo que es una obra que se toca muy poco completa, a pesar de llevar escrita ya más de un siglo. Es muy atractiva para el oyente, no sólo por la belleza de sus líneas melódicas y de su armonía, sino también por la espectacularidad de su pianismo.”

(Aclaración: El término pianismo significa técnica o estilo de interpretación del piano, o de composición de obras para este instrumento, que resultan propios de un determinado autor, de un intérprete o de una época.)

¿Por qué la Suite Iberia es atractiva para un intérprete?

“Abordar la Suite Iberia en su integridad supone un gran reto para un pianista. Es una de las obras más difíciles de la literatura pianística. Pero esta dificultad no es gratuita, ya que Albéniz siguió desarrolló con Iberia la técnica pianística de la misma manera que lo hicieron Beethoven, Chopin, Liszt, Debussy, etc.  Además, es una obra de un lirismo extraordinario y una sonoridad muy personal y original.”

¿Qué tiene que aprender a descubrir el oyente para disfrutar de esta obra?

“Creo que Iberia es una obra de tal calidad que puede ser disfrutada por cualquiera, sin necesidad de tener conocimientos profundos sobre ella. Iberia, como no podía ser de otra manera, emana de la mente musical de Albéniz, muy ligada al pianismo romántico, a la modernidad y a las nuevas tendencias musicales de la época. Evidentemente, hay mucho de inspiración española en Iberia, pero también hay una clara influencia del Impresionismo y del pianismo lisztiano. Como solía decir Ravel, la Suite Iberia es compleja pero no complicada. Es un perfecto equilibrio entre lirismo, ritmo, armonía, y pianismo acrobático.”

Al final del post, tienen dos enlaces a sendos fragmentos de muestra del DVD de la Suite Iberia interpretada por Díaz-Jerez. Muchos de los lectores ya conocerán la versión en soporte CD que el propio pianista grabó en 2009 con motivo del centenario de la muerte de Albéniz y cuya calidad se vio refrendada con la concesión de la Medalla Albéniz en 2010. Esta nueva versión en vídeo de alta definición y sonido de alta densidad tiene un gran impacto en el oyente, especialmente por los fragmentos en los que se visualizan las manos del pianista sobre el teclado desde una cámara cenital.

En Corpus Christi en Sevilla, Albéniz parte de la canción popular La Tarara para plasmar la religiosidad y fe de una ciudad a través de su folclore. Por otro lado, Triana es un ejemplo de la habilidad con la que el músico adorna la armonía con una luz y color sin par.

El resto de esta Suite Iberia también contiene el virtuosismo de Díaz-Jerez recogido en esta edición de DVD tan cuidada y que no tiene desperdicio. ¡Qué ustedes la disfruten!

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