La música de Liebestod con la que termina el drama Tristán e Isolda es tan impresionante como la del preludio que ya hemos comentado. Además de las versiones originales para ópera (con soprano) y para orquesta (sin canto) escritas por Wagner, existe la genial transcripción del Liebestod de Franz Liszt, suegro del compositor, que analizaremos con la ayuda del pianista internacional Ruben Micieli.

Ruben conoce muy bien la partitura de una obra que enriquece con su talento y creatividad. Por ello, es un privilegio hablar con él del Liebestod: “Los primeros cuatro compases de la pieza representan la muerte de Tristán y el primer acorde es precisamente el de este personaje [0:06]. Podríamos decir que son una introducción a la escena en la que Isolda encuentra muerto a Tristán”.

A continuación aparece en pianissimo la misma melodía del fragmento “So starben wir, um engetrennt” (“Así moriríamos para estar más unidos”) perteneciente a la parte final del segundo acto de la ópera, compuesto en la tonalidad La bemol mayor, que representa a la noche y a la muerte. Estas notas constituyen el célebre leitmotiv Muerte de amor [0:29] siempre reconocible al oído aunque sufra cambios a lo largo de la partitura: ”Precisamente Wagner se caracteriza por emplear un tema y modularlo constantemente creando la melodía infinita. Además, el registro de este leitmotiv va aumentando gradualmente hasta llegar a un enorme crescendo rossiniano que termina alcanzando el clímax”. 

Después del crescendo hay una parte muy interesante en la que el piano imita el sonido del arpa creando ondulaciones de pasión [3:40]. Sobre este aspecto, Micieli opina que: “Este gran arpeggione es uno de mis momentos favoritos porque el corazón arde en un fuego de amor”.

Otro leitmotiv clave en el Liebestod es el Éxtasis de amor que aparece por primera vez en [2:15-2:20] y luego en [2:27-2:32; 2:40-2:45 y 2:54-2:59.]. Es una sección que fascina a Micieli por la manera en la que Wagner entrelaza las voces y crea una polifonía maravillosa para el pianista: “Hay que destacar la habilidad de Liszt para transcribir una pieza tan compleja”.

El tercero de los leitmotiv importantes es Pasión fatal en el que Wagner logra un golpe de efecto con el acompañamiento. Ya les hablé de esto en un post del verano de 2013 titulado Arritmias intencionadas (Ver: https://blogs.laverdad.es/musicainesperada/2013/08/24/arritmias-intencionadas/). Es fantástica la intención con la que Wagner inserta de forma irregular los tresillos para agitar el corazón del oyente y con la que posteriormente detiene el latido con una ligadura hasta la primera nota del siguiente compás [4:42-5:34]. Ruben Micieli suscribe esta percepción: “Wagner realmente es un maestro en esto y sabe perfectamente como representar el concepto de la pasión fatal como un tipo de amor tan intenso capaz de volvernos locos. Así, en pocos segundos acelera y ralentiza nuestros corazones. En mi opinión, lo que hace que esta parte sea tan impresionante es el contraste dinámico entre forte y piano subito.”

Ruben Micieli opina que el concepto de sueño de amor tan idealizado y transfigurado que propone Wagner, solo puede alcanzarse con la muerte. Con su poder de encantamiento, la pasión fatal se apropia del intelecto y llegar a provocar un estado de deliro en las personas: “Cuando interpreto este fragmento, pienso en ese vacío que te deja sin aliento y trato de polarizar la dinámica tanto como me sea posible

El crescendo [5:35-5:54] es uno de los momentos con más poder emocional para Ruben: “Representa  la progresiva agitación de Isolda hasta alcanzar una suerte de éxtasis donde la intensa perturbación mental la llevará a la muerte para alcanzar la paz y la serenidad”.

El final del Liebestod tiene gran trascendencia merced al diminuendo hacia dolcissimo que figura en la partitura [6:02]: “Para mí representa el momento de la muerte de Isolda donde Wagner nos remite al acorde de Tristán. Morir por amor es el gesto más grande que se puede hacer por la persona amada. Isolda no contempla una vida sin Tristán y lo sigue a la muerte para estar en paz junto a él. En los últimos cinco compases la música experimenta una maravillosa disminución que refleja la lenta extinción de Isolda y sus ultimas respiraciones jadeantes antes de morir”.

Ya hemos dicho que la música de Tristán e Isolda fue audaz en su tiempo por el cromatismo y los cambios de tonalidad. Desde que escuchamos el acorde de Tristán al principio de la ópera, Wagner nos deja en un estado permanente de inestabilidad e inseguridad. Tras cuatro horas de ópera y haber recorrido el espectro armónico, por fin llegamos al territorio conocido que representa la tonalidad Si mayor con la que termina la obra. Pero antes del final, el compositor nos devuelve a la calma con un acorde de Tristán en Mi menor [7:16], para que, por fin, podamos reclinarnos tranquilos en el sofá de casa.

Las primeras miradas que intercambian sin mediar palabra Tristán e Isolda es el detonante del amor que brota en sus corazones, pero a partir de este momento cada uno va seguir su camino. Años después, el leal vasallo pide la mano de Isolda para su tío y amigo, el rey Marke, ocultando sus sentimientos de amor hacia ella. Cuando embarca con la princesa irlandesa y se dirigen al reino de Marke, Tristán evita a la joven durante el trayecyo, la cual se siente traicionada, humillada e impotente ante su inevitable destino. Ella ama a Tristán desde el primer encuentro, tanto, que a pesar de reconocerlo como enemigo, le perdona la vida en su estado de indefensa convalecencia. 

Isolda viaja en su camarote acompañada de Brangania, su fiel confidente, que custodia un cofre con brebajes (filtros) mágicos. Instantes antes de arribar al puerto, Isolda hace llamar a Tristán para darle a beber la pócima de la muerte y vengarse del que considera un traidor cruel, hipócrita y cobarde, por ir a buscarla para entregarla a otro hombre. Brangania, aterrorizada, desobedece a Isolda y sustituye el filtro de muerte por el del amor, que llevaba en el cofre por si era preciso despertar la pasión de un rey que se casaba por razones políticas.

La mirada inoportuna que intercambian Tristán e Isolda les revela que están hechos el uno para el otro, pero la realidad es que viven en mundos separados donde el poder, la fama, la lealtad, la amistad, el odio, la desdicha y el honor, se interpone entre ellos. Son enemigos que se aman desde la primera vez que se ven, pero como no se han hablado nunca, desconocen los sentimientos del otro. El viaje en barco resulta ser un martirio para dos amantes por el profundo dolor que los invade por separado. Así, Tristán acude al camarote de Isolda y bebe el brebaje de muerte sin titubear. Isolda le arrebata con brusquedad la copa para envenenarse también.

Pero la copa contiene filtro de amor de modo que los protagonistas no mueren. De repente, se libera la pasión contenida y los amantes se precipitan en un deseo sin descanso y cargado de sensualidad. El contraste entre los dos brebajes, el de amor y el de muerte, queda reflejado en la música que Wagner escribe en el preludio de Tristán e Isolda. En el video adjunto de la grabación en Japón de la Filarmónica de Viena dirigida por Christian Thielemann, los violonchelos inician un leitmotiv cromático y ascendente denominado filtro de amor (3:44), dos compases después de finalizar el motivo de la mirada que ya comentamos en la publicación anterior. Inmediatamente le sigue el breve motivo del filtro de muerte (4:04) a cargo de los fagotes, contrabajos y clarinete bajo, que le confieren un característico tono sombrío por el carácter descendente e in crescendo de la última nota. El motivo del filtro de la muerte reaparece en 4:21. Intercalados entre los motivos de filtro de amor y de muerte, aparecen el leitmotiv de la angustia de Tristán y el del cofre, pero como ocurre con el motivo del clímax amoroso, los comentaremos en otra ocasión.

El acto de bondad de la fiel Brangania repercute en la psique de los amantes, cuya reacción interna describe perfectamente Wagner en el motivo del delirio de amor (de 7:16 a 8:04). Este fragmento es muy interesante porque aparecen ondulaciones melódicas en las que se alternan los violines primeros y segundos, con el apoyo de violas y chelos, y que cada vez comienzan en un tono más agudo. Esas ondas de pasión sin apenas respiro son muy apropiadas para reflejar los latidos de los amantes, pero como Wagner quiere llevarnos al límite, propone de nuevo el motivo de la mirada en violines, violas y chelos que retoman los instrumentos de viento madera al tiempo que la cuerda dibuja variaciones del mismo en escalas ascendentes que alcanzan hasta 3 veces la nota La bemol aguda en los violines (8:32, 8:36 y 8:42), lo que resulta hiriente e incluso doloroso para los que empatizamos con los amantes.

Los motivos de la mirada y el delirio de amor aparecen íntimamente unidos porque cuando los ojos del Tristán herido suplican la compasión de Isolda, despiertan en ambos una pasión latente que el filtro de amor desbloquea y lleva a la pareja a una existencia conflictiva en permanente anhelo.

El preludio finaliza con doce compases absolutamente impactantes (10:32). Aparece un redoble de timbal en piano en el que el corno inglés repite la primera frase de los chelos en el preludio acentuada con el acorde de Tristán y la respuesta de oboe. Todavía más en piano, repite la frase el clarinete bajo con respuesta del clarinete en La, para concluir con la melodía lenta de los violonchelos y contrabajos que nos prepara para la inmensidad del Liebestod.

….continuará….

Si tratamos de correlacionar la música con el país nipón, es casi imposible obviar la ópera Madama Butterfly escrita por Giacomo Antonio Domenico Michelle Secondo Maria Puccini (1858-1924),  genial italiano en el arte de componer sobre el carácter de la mujer.

De visita en Londres en 1900, Puccini asiste a la obra teatral del americano David Belasco que versa sobre el drama de esta mujer y decide trasladarlo al mundo operístico. Consciente de su capacidad para describir la personalidad femenina y crear una música capaz de mantener la intensidad dramática requerida para contarnos el mundo interior de Cio-Cio-San (Mariposa), el maestro de Lucca nos lleva a la Nagasaki de principios de siglo para contarnos la historia de amor unidireccional de la protagonista hacia un teniente de la marina americana.

La Cio-Cio-San enamorada es una quinceañera ingenua e inmadura que no duda en renunciar a sus raíces, religión, cultura y entorno familiar para tratar de ser la perfecta esposa de un extranjero. Durante los tres años que espera el retorno de su marido, la joven sobrevive con dificultades económicas y el rechazo de su familia en la esperanza del reencuentro con su amado. Un anhelo que transpira en cada nota del aria de Butterfly “Un bel di vedremo” (“Un día veremos”), que pueden escuchar en el vídeo adjunto.

Es increíble la delicadeza con la que Puccini envuelve musicalmente a su personaje femenino. Es tan real  lo que nos transmite Cio-Cio-San en este aria, que superamos con dificultades el cruel momento en el que descubre que su teniente está casado con una joven americana y ha vuelto para recoger al hijo que han tenido en común. Puccini se muestra neroniano componiendo la música de la dramática metamorfosis de Butterfly hacia una mujer madura y desilusionada, que finalmente opta por el suicidio como única salida a su terrible situación. Pero este es un tema nos daría para escribir otro post.

De momento, Butterfly se suma al acto de hermanamiento hispano-nipón que tendrá lugar el lunes próximo en la Biblioteca del Río Segura a las 7:30 de la tarde, al que todos ustedes están invitados.

Uno de los últimos actos del Centenario de la Universidad de Murcia celebra al mismo tiempo el 50º Aniversario de la Coral Universitaria, con la interpretación del oratorio El Mesías de Händel.

Detrás de cada efeméride hay siempre una interesante historia y muchas personas cuyas acciones han sido determinantes en el devenir de los acontecimientos. Cuando hablamos de la Coral de la Universidad de Murcia, uno de los gigantes sobre cuyos hombros disfrutamos de su presente y se planea el futuro, es su fundador, Enrique González Semitiel, Profesor de Lengua y Literatura que nos recuerda que “con veintidós años, siendo un alumno de segundo curso de Comunes de la Facultad de Letras, pensé que sería bueno que en Murcia hubiese una coral de estudiantes como la que ya existía en la Universidad de Madrid o Salamanca”.

Enrique adquirió su formación coral estudiando con el Padre José Ignacio Prieto en la Universidad Pontificia de Comillas. Allí era obligatorio para todos los alumnos el estudio del solfeo y sólo los más cualificados pasaban a la Schola Cantorum de Comillas que dirigía el propio Padre Prieto.

Era el curso académico 1965-66 cuando le propuso esta idea a Manuel Batlle Vázquez, Rector de la Universidad de Murcia en ese momento, que junto a Mariano Baquero y Manuel Muñoz Cortés apoyaron la idea desde el primer momento. Se determinó que Fulgencio Fernández Gil, cura y músico formado en la Universidad Pontificia Gregoriana de Roma fuese el director: “Entonces ensayábamos a diario en una sala con piano del Colegio Mayor de Carmelitas (hoy día Colegio Mayor Azarbe), pero como el director no tenía la disponibilidad requerida por sus obligaciones con la Iglesia, finalmente me hice yo cargo de la dirección de la Coral Universitaria”.

Las primeras partituras que se prepararon en la coral fueron las que González Semitiel trajo de Comillas o les prestaba el Orfeón Fernández Caballero con el que siempre existió una magnífica relación. Nuestro invitado cuenta que el repertorio inicial de la Coral Universitaria se basó en la polifonía renacentista española y en el cancionero, que se difundieron en actuaciones por toda la Provincia de Murcia.

Enrique recuerda entre las representaciones más significativas, las primeras con acompañamiento de orquesta: “A mediados de los setenta, invitamos a dirigir la coral a José Luis López García, Catedrático del Conservatorio de Murcia, con el que se interpretó la Historia del Nacimiento de Cristo de Schütz y un monográfico con las Cantatas 140 y 34 de Bach”. 

Posteriormente, se presentaron otros programas con la Orquesta de Cámara de Madrid dirigida por Luis Remartínez siendo muy señalado El Mesías navideño junto a la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia con Eric Feldbusch, Director de Orquesta del Real Conservatorio de Bruselas.

El Festival Internacional de Orquesta de Jóvenes es otro de los acontecimientos impulsados por González Semitiel y que está vinculado históricamente con la Coral Universitaria: “Fue especialmente interesante la representación en el Teatro Romea del Día del Juicio Final de G. P. Telemann con la Orquesta del Conservatorio de Lucerna”.

El idilio entre Enrique González Semitiel y la Coral Universitaria se ha mantenido a lo largo de estos cincuenta años de existencia, en los que este profesor ha tenido que rehacerla en tres ocasiones: “Cuando los alumnos cantantes tenían cierto nivel y entonación, se marchaban y esto dificultaba la continuidad del proyecto. A raíz de la Coral Universitaria, surgieron otros grupos más pequeños que han seguido con su actividad o han desaparecido. Al final queda la satisfacción de haber formado y compartido música con muchas personas que siguen con esta afición”. 

En otro acto de creatividad, Enrique González, puso en marcha una Schola Cantorum en el Instituto Alfonso X El Sabio, cuyos cantantes posteriormente formaron parte de la Coral Universitaria en un proyecto que tuvo la continuidad necesaria dada la preparación que ya tenían estos estudiantes al llegar a la universidad.

Desde estas páginas felicitamos a la Coral Universitaria de Murcia y a su fundador, Enrique González Semitiel, la persona que la gestó y que la cuidó con mimo durante muchos años.

Jueves 17 de diciembre, 20:30h. Auditorio Víctor Villegas de Murcia. Oratorio El Mesías de Haendel. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y Coral Universitaria de Murcia. Rocío Ruiz (soprano), Pedro Pérez (contratenor), Antonio Lozano (tenor), Pablo Acosta (barítono). Jorge Losana (dirección de coro). Virginia Martínez (dirección musical). Entradas a 10 y 3 euros (descuento estudiantes)

Hace algo más de un año les presenté en “Música Inesperada” al invitado de hoy (ver “El impulso creador”. 18 de enero de 2014). Javier Ignacio Córdoba López (El Palmar, 1995) es un músico muy creativo que compagina los estudios superiores de violonchelo con la composición musical.

Con sus comentarios analizaremos sus Tres piezas fantasía para violonchelo y piano (septiembre de 2014) que  el mismo estrenó acompañado del pianista Jesús Aparicio en el concierto “Con el Músico Amigo”, celebrado hace 3 semanas en el Aula Cultural de Cajamurcia.

Javier Ignacio escribió las tres composiciones en una sola tarde: “Están dedicadas a mi profesora de violonchelo Alicia Martínez de la Escuela de Música Chaplin. Ella me ayudó a preparar las piezas fantasía de Schumann con las que superé la prueba de acceso al Grado Superior en Alicante. Le estoy muy agradecido porque ha sido una persona clave en mi formación como músico”.

La primera de las piezas está escrita en Do menor y es un movimiento triste. Tras la introducción del piano, el violonchelo lleva la melodía desde el registro grave hasta el agudo. Hay un segundo tema que contrasta con el anterior al estar escrito en Mi bemol mayor y mostrar una cara más alegre. Tras regresar al tema inicial, la pieza concluye con unos arpegios del piano.

“La segunda obra en La bemol mayor es más melancólica”, nos cuenta Córdoba. Mientras el chelo introduce la melodía, el piano le acompaña. El segundo tema es doloroso y aporta dramatismo al movimiento. Siguiendo un carácter ternario, el primer tema reaparece y la obra concluye con tres acordes del piano con una nota tenida del chelo que apaga el movimiento en pianissimo.

Tras una breve introducción, surge el rondó de la tercera pieza en Do mayor que tiene un aire danzante y optimista: “El piano y el chelo juegan entre ellos y se contestan generando un movimiento vivo que no baja de intensidad en ningún punto. Las frases en forte y en piano se alternan con distintas articulaciones.”

La grabación que adjunto fue realizada por Javier Ignacio Córboba al violonchelo y por Jesús Aparicio al piano. Este último es Profesor de Piano de la Escuela Chaplin y en palabras del joven compositor: “Me aporta muchos valores positivos frente a la música.”

Es para mí una satisfacción hablar de música con un violonchelista y compositor emergente tan formado en buenos valores y con un definido espíritu imaginativo. Espero que disfruten de la audición de su obra.

Existe sobrada evidencia de que el clima influye en los compositores y en los temas musicales de algunas de sus obras.

Autores como Vivaldi, Beethoven, Britten, Vaughan Williams, Berlioz, Strauss y otros más contemporáneos como Brett Dean, Terence Blanchard o Laurie Anderson, se han inspirado en las alteraciones climáticas para crear algunas de sus composiciones más interesantes.

Que el clima genera ideas musicales ha quedado bien patente en el estudio de los científicos atmosféricos de la Universidad de Oxford, Karen Aplin y Paul Williams, publicado en la revista Wheater en 2011.

Parece ser que tiene más importancia el impacto del cambio climático que el clima paisajístico en sí. Por esto, los fenómenos de cambio climático o los desastres atmosféricos constituyen una fuente creativa inagotable en piezas como “Un réquiem por Katrina” (ganadora de un premio Grammy), “Landfall” (sobre el huracán Sandy), “Fire Music” (basada en el Sábado Negro de Melbourne), “Liquid interface” o las “Winter Songs” compuestas para el Quinteto de Viento de la Orquesta Filarmónica de Berlín, entre otras.

Aunque no tengamos en cuenta los numerosos lieder y canciones inspiradas en textos poéticos (casi la mitad de ellos contienen expresiones que evocan a eventos meteorológicos), es fácil comprobar cómo la música, a través de su lenguaje universal, expresa situaciones climáticas que ya se intuyen en el título de la obra. Me refiero a “Las cuatro estaciones” de Vivaldi, a “Nuages” (“Nubes”) de Debussy, o al “Regenlied” (“Canción de la lluvia) de Brahms.  

También la meteorología ha contribuido al desarrollo de instrumentos que imitan a los fenómenos climáticos como son las guitarras especiales, las metálicas hojas de trueno o las máquinas de viento, entre otros aparatos.

El fenómeno atmosférico más popular que encontramos en la música es la tormenta, alegoría de las turbulencias emocionales. Un maestro en la imitación de los sonidos de la lluvia, los truenos, los relámpagos fue Beethoven y por ello les invito a escuchar el video adjunto del cuarto movimiento de su Sexta Sinfonía “Pastoral”. Benjamin Britten también refleja muy bien la tormenta en sus Cuatro Interludios Marinos de la ópera Peter Grimes.

El viento ha sido representado musicalmente de forma genial en la Pastoral de Beethoven, pero también se aprecia en otras composiciones el suave susurro generado en las hojas de un árbol (tercer movimiento de la Sinfonía Fantástica de Berlioz) o el  gélido vendaval de la “Sinfonía Antártica” de Vaughan Williams.

Wagner se quejaba de la mala influencia que tenía el mal tiempo en su rendimiento compositivo y llega a defender en su obra “Arte y Clima” que el clima influye en la capacidad para el Arte, de forma que los artistas del norte de Europa están en desventaja con respecto a los de la cuenca del Mediterráneo.

Les dejo con una bella frase de John Luther Adams, posiblemente el compositor más implicado con el cambio climático y ganador del premio Heinz, que tras la larga estancia en Alaska que marcó su filosofía creativa musical, afirmó: “Marché a Alaska para alejarme del mundo, pero el mundo me encontró”.

Entre todas las enseñanzas que he recibido del maestro Josep Fuster, profesor de clarinete y de música de cámara, destaco el cuidado de los aspectos básicos del estudio e interpretación musical. Me refiero al solfeo, al ritmo, a la afinación, al manejo de la emisión del aire, a tocar los pasajes rápidos logrando que se escuchen todas las notas, a estudiar las partes más difíciles muy despacio para progresivamente hacerlo más rápido, a cuidar todo lo que ocurre entre dos notas y a dar de sentido a la frase musical.

Las enseñanzas de Fuster son valiosas porque contienen lo “innegociable” para conseguir una adecuada expresión musical. El clarinetista valenciano (Villanueva de Castellón, 1960) vive un momento óptimo fruto de la dilatada experiencia como profesor e intérprete, del dominio sobre el instrumento de ébano y de la sabiduría para la docencia, esto es, la maestría para transformar estudiantes en discípulos con creatividad musical.

Josep Fuster acaba de publicar la obra “Ejercicios técnicos de flexibilidad” (Editorial Boileau, Barcelona 2013) donde ofrece su punto de vista sobre todo lo relacionado con la sonoridad, afinación, columna de aire, digitación y articulación con el clarinete.  Para el maestro Fuster, manejar la técnica del instrumento con la adecuada flexibilidad y homegeneidad es el complemento indispensable de la expresividad requerida para dar conciertos.

Solista de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC) desde 1993, participa en giras con diferentes orquestas europeas y americanas y forma dúo con la pianista Isabel Hernández en distintos recitales y grabaciones con música de cámara de Brahms, Weber y Rossini.

Sobre su colección de discos “Música Virtuosa”, ya dedicamos un post de este blog.

Por fortuna, nuestra región está incluida en el circuito europeo donde Josep Fuster  imparte cursos y clases magistrales como profesor invitado. En unos días, los estudiantes de clarinete del entorno, tienen la oportunidad de recibir sus enseñanzas y lograr ser cada día un poco mejores que el anterior.

Lugar: Encuentros Musicales de la Casa Rural Candelón. Abarán, 28 y 29 de Diciembre de 2013. Profesor: Josep Fuster (Clarinete Solista de la OBC y Profesor de clarinete y música de cámara de la ESMUC de Barcelona). Más información en www.casaruralcandelon.com.

En este blog sobre música hay establecida una especial prioridad hacia los jóvenes músicos que combinan esfuerzo y talento. Hoy hablamos con Olga Albasini Garaulet, estudiante de Cuarto Curso de Grado Superior de Piano en Salamanca. Esta joven músico nace en Murcia en 1992 y desde sus inicios destaca como estudiante. Además de la calificación de Matrícula de Honor y Premio Extraordinario en el Conservatorio Profesional de Murcia, su inquietud por esta profesión la lleva a completar el curso “Robert y Clara Schumann”  del New England Conservatory de Boston y a participar en numerosos conciertos como solista y como miembro de grupos de cámara en distintas cuidades de nuestro país.

Olga nos cuenta como a su llegada a Salamanca: “Soy la única estudiante de la residencia que está matriculada en el Conservatorio. Al principio, nadie considera que mi carrera como músico es importante y exigente. Sin embargo, a los pocos meses de estancia, una compañera de Farmacia, se sorprende lo ocupada que estoy con mis estudios y reconoce que ¡soy la persona con menos tiempo libre que conoce! “

Nuestra joven paisana elige esta ciudad para estudiar piano con absoluto convencimiento: “Salamanca es una ciudad con un conservatorio que no está entre los más famosos de España. Sin embargo, la enseñanza del piano es de las de mejor calidad, con muy buenos profesores, cada uno con su manera de impartir clase y su distinta concepción técnica y artística.”

El conservatorio donde estudia Olga es pequeño pero cuenta con un buen auditorio, lo que para nuestra pianista es fundamental: “Para nosotros es muy importante tocar las obras en el “Steinway gran cola” del auditorio. Además de ser un lujo tocar este piano, nos acostumbramos al mismo y rodamos las obras delante del público. Las audiciones que hacemos allí nos familiarizan con esa acústica tan especial y nos hace madurar musicalmente”.

La actividad musical en el auditorio del Conservatorio de Salamanca es muy intensa. A partir de Noviembre, cada día hay programado un concierto o una audición musical que va desde la orquesta barroca hasta el taller de música contemporánea. Albasini opina que: “En el conservatorio se cuida mucho que tengamos una amplia cultura musical como parte fundamental de la formación y no hay mejor método para conseguirlo que acudir a muchos conciertos que además, son gratis.”

Olga vive al margen de la animada vida universitaria de esta ciudad: “La música es una disciplina muy absorbente y exigente. El conservatorio se convierte en tu casa ya que allí tienes el piano y la cabina de estudio. La demanda para estudiar en los pianos del conservatorio es muy alta y la única manera de evitar colas esperando es estudiar en horas intempestivas, como son las ocho de la mañana o las dos de la tarde.”

Esta pianista disfruta mucho con la experiencia de estudiar música frente a 56 teclas blancas y 40 teclas negras: “ Todo este esfuerzo me permite aprender y mejorar. Estoy muy satisfecha con mi decisión de estudiar una profesión tan bonita que permite transmitir emociones y sensaciones tan intensas a otras personas. Hoy estudiando un fragmento del Concierto nº 1 de Brahms, me ha dicho un compañero que escuchaba: ¿no es maravilloso, ser músico y poder llegar después de un mal día y tocar esta música?” Sí, lo es, he respondido.”

Hoy les propongo disfrutar la interpretación que Olga nos ofrece de “San Francisco de Paula caminando sobre las aguas” de F. Lizst.

Les propongo participar en un experimento. Sólo tienen que escuchar con atención un video de seis minutos y dejarse llevar por la música que Don Ricardo compone para concluir la ópera “Tristán e Isolda”. Cuando terminen, les animo a seguir leyendo el blog.

Isolda canta una bella y misteriosa melodía que nos sobrecoge desde el principio. Su amado Tristán ha muerto en su brazos y ella anhela seguirlo en la eternidad. A medida que progresa la voz de la protagonista, la música agita su corazón hasta provocarle una verdadera taquicardia que también conmueve al oyente.

Olvidemos por un momento el canto de Isolda y concentrémonos en el acompañamiento de los violines que aparece en el minuto 03:40. Esta contramelodía contiene dos corcheas por cada tiempo del compás a modo de un latido cardíaco constante (ver A del esquema).

Pero en 03:47 y 03:52, el compositor provoca sendos extrasístoles al intercalar un triplete, es decir, tres notas en el espacio de dos corcheas (ver en color rojo en B del esquema), lo que altera nuestro corazón y nuestro subconsciente ya que normalmente centramos nuestra atención en el canto de la soprano. A partir de este momento, estos “tripletes extrasistólicos” aparecen cada vez con más frecuencia y en partes del compás donde no esperamos, creando una verdadera arritmia irregular (ver en color rojo en B y C del esquema)

Pero Wagner no se conforma sólo con esto. Nos lleva hasta la extenuación con toda la intención añadiendo otro recurso técnico. El compositor traza una ligadura entre la primera nota de cada compás y la última del compás precedente, incrementando nuestra ansiedad al impedir que respiremos donde lo hacíamos al comienzo de la pieza (ver en color azul en C del esquema).

Esta es la explicación de nuestra agitación al escuchar todo lo que pasa bajo el canto de Isolda. Si lo desean, vuelvan al vídeo y traten de escuchar simultáneamente a los violines y a Jennifer Wilson como soprano.

Dedico esta publicación a todas las personas que comparten conmigo momentos de música (leyendo, escuchando o interpretando) y con las que descubro cosas nuevas de este mundo tan apasionante.

Nocturno es una obra melódica, de corta duración, compuesta para piano solo y que evoca  una atmósfera de noche. Nocturno, literalmente, significa “pieza nocturna”.

El compositor irlandés John Field inventa el género, pero es Chopin el que escribe las obras que alcanzan más fama e interés musical. Otro compositor que nos dejó tres Nocturnos para orquesta de gran impacto emocional es Debussy con sus “Nuages”, “Fêtes y “Sirenes”.

Les propongo escuchar un Nocturno de Ángel Campos, joven compositor manchego que reside entre Murcia y Madrid. Ángel generalmente escribe obras para formaciones más numerosas, pero, como le ocurrió a Mozart, Fauré, Scriabin o Satie, siente atracción por este género musical e inicia un ciclo de Nocturnos que fructifica con el estreno de este Nocturno nº 1.

En palabras del compositor, “se trata de reflejar los distintos estados de ánimo del ser humano durante la noche, mediante la voz solitaria de un piano”.

La obra está dedicada al pianista Ismael Muñoz, que hace una interpretación magistral.