La Verdad

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Categoría: Ambientes sonoros
El instinto neroniano

 

El maestro Puccini nos lleva de turismo por Roma en Tosca, su quinta ópera. Cada uno de los actos de esta formidable partitura transcurre en lugares tan emblemáticos de la Ciudad Eterna como son la Iglesia de San Andrea della Valle, el Palazzo Farnese o il Castello de Sant Angelo.

Tosca es una ópera de primer nivel por diversos motivos. Desde el punto de vista musical, es una obra cautivadora desde la primera a la última nota, al tiempo que Puccini dibuja de una forma magistral la personalidad de los personajes, especialmente el de Floria Tosca, uno de lo papeles de soprano más sublimes de la historia del género.

Otro aspecto singular de Tosca es la alternancia entre crueldad y amor puro que tan bien maneja un compositor dotado de auténtico instinto neroniano.

Eduardo Sandoval, uno de los mejores tenores de la tierra, acaba de representar con éxito el papel de Mario Caravadossi en la producción de la Opéra de Massy (Paris) representada el mes pasado, bajo la dirección de Dominique Rouits y por ello le he pedido que nos hable sobre como vive desde dentro todo lo que significa Tosca para él: “Puccini nos sumerge en el Verismo lleno de detalles realistas, fuertes efectos escénicos, momentos crueles y morbosos y un argumento fiel al hecho histórico de la Batalla de Marengo”.

Para el tenor, la fuerza del drama se intuye desde los primeros compases, tanto en lo musical como en lo argumental: “La devoción religiosa, el amor, los celos, la pasión, la intriga, la violencia y la muerte de los tres protagonistas, se conjugan con una música que cambia magistralmente en función del carácter de los personajes”.

“En Tosca vemos dos maneras de amar totalmente diferentes”, nos explica Sandoval. Para él, Floria y Mario son dos enamorados que se admiran y se entregan sus corazones generosos y nobles, lo que contrasta con el deseo del tirano y despiadado Scarpia para conseguir los favores de Tosca a cualquier precio.

Sobre el papel de Mario Cavaradossi, Eduardo Sandoval opina que “es un  pintor  reconocido y un idealista político muy comprometido con las ideas modernas de la época, es decir, la libertad del pueblo romano frente a la opresión. Cavaradossi representa la modernidad y al hombre noble capaz de morir por lo que cree justo”.

El pintor es el único personaje que para Sandoval muere con honor y con el deber cumplido. Poco antes de ser fusilado víctima de los celos y de la envidia, canta la preciosa aria E lucevan le stelle, “donde se refleja la belleza del amor que siente hacia Tosca. La introducción del aria y los acordes finales son, en mi opinión, lo más hermoso de la ópera”.

Es difícil no quedar atrapado con esta obra genial. En el vídeo adjunto, Eduardo Sandoval comparte con nosotros el dúo de amor del primer acto tomado en directo de la Opéra de Massy. En el escenario está reproducida la cúpula suspendida de San Antonio della Valle, la segunda en tamaño de Roma y en cuyos frescos se representa la gloria del paraíso celestial. Un paraíso en donde nos encontramos cuando se escucha la música de Puccini.

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El espejo de la pureza

 

 

 

Murcia es una región que cultiva la Música Antigua. Lo comprobamos en la Feria y Encuentros Internacionales de Música Antigua (FEIMA) celebrada en el Auditorio Víctor Villegas el pasado mes y a la que asistieron muchas personas interesadas en la música del Medievo, Barroco y Renacimiento. Hoy hablamos con tres de los músicos más implicados en FEIMA y en Early Music Project una plataforma circunscrita a promover la cultura en este periodo.

Amber Kay, soprano del grupo La Cantoría y coordinadora de Early Music Project, refiere que la música compuesta antes del Clasicismo es un progreso natural hacia lo que vino posteriormente: “Con ella surgió la notación musical, el contrapunto y la tonalidad”. Además, como nos explica David Gutierrez, traversista del grupo Pretérito Imperfecto y responsable de Early Music Kids, “la Música Antigua se reactivó con la interpretación históricamente informada, la corriente musical del siglo XX que interpreta las obras musicales de la forma más parecida posible a cómo se hizo en el pasado, utilizando instrumentos antiguos e investigando en tratados y en otras fuentes iconográficas”.

Ignacio López como responsable de comunicación de Early Music Project destaca que escuchar Música Antigua nos permite conocer y entender la música actual: ”Es un espejo donde mirar el pasado para comprender el presente e incluso intuir como será el futuro”.

De hecho, la Música Antigua no está tan lejos como parece y sorprende por sus similitudes con la música popular actual. Amber aclara que en el Renacimiento y en parte del Barroco se componía de forma modal, antes de que naciese la tonalidad: “Es más, hoy día, tras siglos de composición tonal, hemos vuelto a la música modal. En géneros como el rock, se compone con los modos eólico, dórico y mixolidio.”

La Música Antigua trata temas cotidianos de su época como el amor, el desamor, la muerte, la soledad, la melancolía y el enamoramiento, tópicos que no han pasado de moda por ser inherentes a la naturaleza humana. David nos confiesa lo que siente escuchando esta música: “Es un placer sumergirse en los paisajes sonoros propios de otras épocas a la vez que se recupera el valor cultural y el patrimonio musical de la región”.

Es muy interesante conocer la perspectiva de estos músicos. Amber, como soprano, considera básico el cuidado de la pureza de la interpretación: “La música es lo más importante y los adornos hay que hacerlos siguiendo los estándares de la época”. A la hora de tocar el traverso barroco, David Gutierrez vigila especialmente la articulación de un instrumento que ofrece gran variedad de timbres: “Esto me da mayores posibilidades para transmitir esta música”.

Early Music Project es una plataforma de difusión para todo lo relacionado con Música Antigua que promueve la creación de nuevos ensembles y grupos, al tiempo que difunde su conocimiento por el sureste español, vinculándolo a la cultura, la historia, el arte, el turismo, la gastronomía y la naturaleza. Ignacio nos cuenta que el Festival Internacional de Música Antigua de la Villa de Aledo “refleja el interés de interpretar Música Antigua en un enclave histórico de nuestra región, donde la acústica es idónea”.

Aunque ya hay dos grupos residentes del festival de Aledo (La Cantoría y Pretérito Imperfecto), allí se promueve la creación de nuevas agrupaciones ofreciéndoles herramientas para establecerse y darse a conocer en el panorama musical regional y nacional.

A continuación tienen el vídeo del Festival Internacional de Música Antigua de la Villa de Aledo celebrado este año, pero desde Música Inesperada, les tendré bien informados de los próximos conciertos sobre Música Antigua, que prometen ser interesantísimos.

 

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Cambio de traje

 

La época dorada de la ópera en Viena está ligada a la figura de Gustav Mahler (1860-1911), el músico que revolucionó la concepción musical de la antigua capital imperial.

Mahler era de origen judío, lo que de entrada lo descartaba para ser director de la Ópera Imperial. Hay que tener en cuenta que en la sociedad vienesa de finales de siglo XIX existía un arraigado espíritu antisemita que complica la vida a los ciudadanos de origen judío, que constituían la décima parte de los habitantes de la ciudad.

Esta atmósfera antisemita era consecuencia de la relevancia social que había logrado un pueblo que hablaba bien el alemán, que tenía plena libertad religiosa y que destacaba tanto en el ámbito cultural como  en las carreras universitarias de donde salían excelentes juristas y médicos. Sin embargo, a pesar de que la Constitución de 1867 les permitía ser ciudadanos con los mismos derechos que sus vecinos, el acceso a determinados cargos dentro del ejército o la administración seguía siendo un gran problema.

El cargo de director de la Ópera Imperial no era una excepción, por lo que Mahler tuvo que demostrar algo más que ser un gran músico y se decidió por convertirse al Catolicismo, requisito que la Doctora en Historia Isabel Margarit, etiquetó como un “sencillo cambio de traje”.

Así que, además de un brillante curriculum vitae como alumno  del Conservatorio de Viena y de sus cargos como director musical de los teatros de ópera de Praga, Leipzig, Budapest y Hamburgo, Gustav Mahler tuvo que certificar su bautizo católico para que el apoyo de Johannes Brahms le permitiese ser protagonista una de las páginas más gloriosas de la Historia de la Música.

Gustav Mahler fue un compositor y un director musical de una exigencia artística sin par. Esto le proporcionó grandes satisfacciones, aunque también le acarreó consecuencias negativas. Pero esto forma parte de otra historia.

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Embajador en Bélgica

 

Todavía reciclan por el cerebro las melodías del fantástico concierto de Camerata de Murcia en el Auditorio de Murcia y tenemos la ocasión de hablar con Pablo Ases Urenya, uno de sus miembros fundadores, esta vez con motivo de su contratación por la Orquesta Nacional de Bélgica (NOB), fundada en 1931 y actualmente dirigida por Andrey Boreyko

Nacido en Albaida (Valencia), Ases realizó su carrera como violinista en el Conservatorio de Murcia bajo la tutela del profesor Joaquín Palomares y la complementó en la Academia de Estudios Orquestales de la Fundación Baremboin-Said de Sevilla y el grado de Máster en el Conservatoire Royal de Bruxelles con la profesora Shirly Laub

Pablo tiene una dilatada experiencia como violinista solista y concertino en las principales orquestas de jóvenes de Murcia y Valencia, así como en la Joven Orquesta Nacional de España. Precisamente, cuando viajé como médico de la OJRM en la gira de 2009 realizada por Nueva York y Chicago, tuve la ocasión de compartir con él y sus compañeros la emoción de llevar nuestra música a sitios tan emblemáticos como el Lincoln Center de la Gran Manzana. Desde entonces ha colaborado con frecuencia en la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia.

El joven violinista se siente “muy afortunado en la NOB por interpretar casi a diario la música de los mejores compositores junto a músicos y solistas de primer nivel”. Nos comenta que Bélgica es un país importante en la historia de la música y donde tiene lugar el  mundialmente conocido Concurso Reina Elisabeth, con más de 75 ediciones celebradas: “Por él pasan cada año los mejores violinistas, pianistas y cantantes del planeta y nuestra orquesta participa en la fase final”.

Un dato que es llamativo y que subraya Pablo Cases es la emotiva deportividad reinante entre los participantes del concurso. Claude Debussy defendía que “la competición es sólo para caballos” y esta idea flota en el ambiente del certamen donde lo realmente importante es compartir sentimientos como la alegría, la pasión y, por qué no, la tristeza que conlleva vivir esta experiencia única. Pablo afirma que “es muy emocionante sentir la intensidad, la presión que se respira en el aire y la personalidad de los participantes en las distintas fases del concurso”. ¿Se imaginan como debió ser el recorrido por este prestigioso concurso de ganadores como los pianistas Emil Gilels (1938), Leon Fleisher (1952) o los violinistas David Ositrakh (1937), Gidon Kremer (1967) y Vadim Repim (1989)?

En cuanto al día a día de la NOB, resaltaremos sus giras internacionales por las salas más importantes del país y del extranjero. Ases Urenya nos invita a los programas de esta temporada con músicos de la talla de Maxim Vengerox, Mischa Maisky, Vilde Frang, Julia Fischer, Nikolai Lugansky o Sabine Meyer, entre otros. Uno de los momentos más esperados es la participación de la legendaria pianista rusa Elisabeth Leonskaja interpretando el concierto de piano de Robert Schumann.

Además de la intensa agenda de más de 70 programas previstos como músico de la NOB, nuestro invitado asiste regularmente a los festivales internacionales de Schleswig-Holstein Music Akademie, Moritzburg Music Festival (Dresden), Young Euro Classic (Berlin), Festival de Wallonie y Klara (Bruselas), Aix-en- Provence y Santander. A pesar de ello Pablo Ases espera disponer de tiempo para disfrutar de Bruselas, una ciudad muy cultural con numerosas actividades artísticas y sociales. 

Para nosotros, es una gran satisfacción que, tras el paso por el conservatorio y la OJRM, la formación de uno de nuestros músicos tenga este reconocimiento internacional. Es una pena que el proyecto OJRM, fruto de una política cultural ejemplar durante 30 años, hoy día no tenga continuidad. Ojalá que el ejemplo de Pablo Ases, así como el de tantos músicos destacados que ya les he presentado en Música Inesperada, activen de una vez una llama de sensatez en los responsables culturales.

De momento, podemos decir que la OJRM y Murcia ya tiene embajada en Bélgica.

 

 

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Dejad que se acerquen

Las orquestas sinfónicas trabajan en espacios donde la acústica es fundamental. Para poder equilibrar los planos sonoros, afinar correctamente o crecer musicalmente como entidad, las agrupaciones orquestales necesitan lugares de ensayo muy bien diseñados arquitectónica y acústicamente, como es el caso de la sala principal del Auditorio Víctor Villegas. Como los conciertos se preparan en un ambiente de extrema concentración, puntualidad, silencio y respeto, las sesiones de ensayo no suelen estar abiertos al público en general.

Cuando una orquesta sale a tocar a la calle, todo esto cambia por completo, especialmente si la excusión tiene cierto carácter festivo. Acercarse a los músicos, hablar con ellos -selfies incluídos- y escuchar música con los más pequeños de la casa, sin temor a que se levanten, expresen su emoción o señalen hacia lo que llama su atención, pasa a ser algo permitido y, si me lo permiten, recomendable.

Al consultar los textos que cuentan la biografía de los grandes directores, en casi todos hay referencias a momentos clave de la infancia de estos maestros en los pudieron asistir a un concierto que les despertó la vocación. La primera vez que se descubre que el movimiento de una batuta es capaz de organizar a todo un batallón de músicos, esto queda archivado en la memoria. La orquesta de la región donde residimos debe tener ese doble carácter de profesionalidad y cercanía, de forma que sus músicos sean reconocidos y apreciados por sus vecinos.

En las ciudades alemanas esto es una realidad y el prestigio de los instrumentistas de la orquesta es tal que, por ejemplo, a la hora de alquilar una casa, tienen para el propietario clara preferencia frente al resto de ciudadanos.

Desde estas líneas les animo a que el próximo lunes 14 de septiembre, a las 19 horas, vayan con sus familias a la céntrica Plaza Santo Domingo. La Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, con motivo del inicio de la temporada artística, saldrá de casa y compartirá con ustedes propuestas, expectativas,  ilusiones y algunas de las piezas musicales más conocidas.

Estoy seguro que todos los que asistan al evento comprobarán como, tanto la directora como los profesores de la orquesta, se encuenra en un perfecto estado de forma musical y de dimensión humana.

¡Nos vemos extramuros!

 

 

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Una flor para Sofía

Un concierto de la Orquesta Filarmónica de Berlín (OFB) en su mítico auditorio de la capital germana es todo un acontecimiento musical para cualquier persona aficionada a la buena música.

Hace dos semanas visitamos el pentágono dorado (ver post de Música inesperada del 24-8-2013) con motivo del programa número 83 de la temporada dirigido por Daniel Barenboim. Nada más bajar del taxi que nos llevó a la fantástica sede de la Berliner Philharmoniker, nos dirigimos a la zona de taquillas donde nos esperaba un anfitrión de lujo.

El privilegio de ser recibidos por Joaquín Riquelme, violista titular de la OFB, nos permitió conocer partes de la Philharmonie no accesibles al público general, además de algún que otro secreto sobre el día a día de la orquesta.

La entrada del edificio para los músicos y el resto de personal de la institución nos llevó por la escalera de acceso a la zona de camerinos y cafetería. Entre los baúles de transporte para instrumentos empleados por la OFB cuando sale de gira, algunos de los filarmónicos se preparaban para el inminente concierto, mientras otros conversaban entre ellos de una manera distendida. A lado de un amplio ventanal, Barenboim se dirigía a otros miembros de la OFB que ponían la vista y sus atentos oídos sobre cada palabra del maestro.

La desorientación que sufríamos dentro del laberinto se agravó por la emoción del momento. Imaginen la sorpresa que supuso traspasar unas de las puertas y encontrarnos directamente dentro de una de las terrazas de la sala. Nos dirigimos a nuestras localidades intentando recordar cada paso para poder localizar la puerta verde que nos devolvería al terminar el concierto a la zona de los músicos.

Las obras del programa eran Teufel Amor (algo así como Amor de diablo o Diablo amoroso) del compositor contemporáneo Jörg Widman (1973) y la Sexta Sinfonía en La menor op. 74, Patética, de Peter Tschaikowsky (1840-1893).

Teufel Amor está basado en un texto del célebre Fiedrich Schiller y es una obra que sorprende por sus timbres, sonoridades y ritmos impregnados de la mágica acústica de la Philharmonie. Los fragmentos melódicos del violín y los agitados ritmos de la danza del diablo se dispersaban por toda la sala antes de sorprender nuestros sentidos.

Transmitir lo que sentimos escuchando la Patética de Tchaikowsky no está al alcance de mis palabras. La introducción fúnebre del fagot en el primer y cuarto movimientos, los lamentos del clarinete y la irrupción de los trombones en el movimiento final son siempre memorables con solistas de este nivel, pero lo que más se disfruta en la Philharmonie es del equilibrio generado por el tejido orquestal, donde cada detalle es ofrecido como si fuese el mensaje más valioso dirigido al oyente. Esta es la explicación al sincero e inesperado aplauso del auditorio al finalizar el tercer movimiento, donde los espectaculares tutti de la OFB  llevó  in crescendo al público hacia un emotivo clímax, conscientes de que todavía  quedaba por disfrutar el transcendental último movimiento de la sinfonía.

Los aplausos finales invitaron a Barenboim a salir a saludar una y otra vez, incluso una vez que los músicos se habían retirado del escenario. Momentos antes, una de las flores del ramo que recibió el maestro argentino, recorrió los primeros atriles hasta llegar a manos de Joaquín Riquelme, en ese momento a punto de convertirse en feliz padre.

La rapidez con la que se vaciaron las terrazas de la sala de la Philharmonie facilitaron nuestro exitoso retorno a la zona de los músicos. Un espacio donde pasamos un entrañable rato charlando con los familiares de Joaquín. Saborear una cerveza alemana con los músicos, familiares y amigos de la OFB en ese ambiente es tan gratificante que hacen de estas dependencias privadas un lugar mágico para melómanos.

La flor que recibió Joaquín antes de la celebrada llegada de Sofía, simboliza el reconocimiento de toda la OFB al camino recorrido por el músico murciano. La lección que contiene esa flor es un homenaje a la trayectoria de un músico que aprovechó su talento con la máxima determinación. Por eso, desde este post aplaudimos a este gran filarmónico nacido en la región.

No les dejo sin contarles un cotilleo de la Philharmonie: Los estudiantes de música que invierten parte de su tiempo libre en asistir a los ensayos de la OFB no pasan desapercibidos para la institución. En los programas donde es posible, el interés de estos jóvenes es premiado por la complicidad de los porteros de la entrada.

En conclusión, nuestra visita a la Philharmonie ha sido inolvidable. En esta casa, a los melómanos y a los estudiantes se les trata tan bien como a la música. Creo que con esto, está casi todo dicho.

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