La Verdad

img
Poder de seducción
img
Carlos Escobar | hace 3 horas| 0

Vuelve la música al Archivo Regional con un magnífico concierto de cámara. Las obras que contiene no se programan habitualmente en nuestro entorno, pero se trata de composiciones de juventud de tres fantásticos músicos interpretadas por jóvenes talentos con total solvencia para cualquier exigencia técnica o artística.

El violinista Antimo Miravete, el violista Raúl Hurtado Hurtado y el chelista Pedro Fernández Millán son los constituyentes del trío Dolce Armonía, recientemente constituido por iniciativa de Enrique González Semitiel, precisamente la persona que promueve y organiza el ciclo Música en el Archivo. Dolce Armonía es una formación que ya ha ofrecido otros conciertos en la cuidad, así como en Yecla y Calar de la Santa (Moratalla), como nos cuenta Raúl Hurtado.

Raúl es un violista murciano que nos habla de cómo comenzó a estudiar música: “gracias al interés de mis padres en que todos los hermanos aprendiéramos a tocar un instrumento. La viola me cautivó y decidí dedicarle mi vida por completo”.

Nos explica que entró muy joven en la extinta Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia (OJRM), donde descubrió todo un mundo de posibilidades sonoras, experiencias, amigos y, por supuesto, la vocación de ser músico: “De la mano de la directora Virginia Martínez me enamoré de la música en toda su extensión, al descubrir en mí una sensibilidad que nunca antes había conocido, y que me convirtió en una persona completamente distinta”.

Más tarde, Hurtado se trasladó a Barcelona para estudiar viola con Ashan Pillai y Josephine Fitzpatrick: “Tanto Barcelona como Ashan significaron mucho en mi vida. Durante estos años maduré en muchísimos aspectos personales y musicales”.

Aunque con la OJRM y la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) ha realizado giras y actuaciones en salas de renombre nacional e internacional, su futuro está ligado a la docencia como profesor de conservatorio, “algo que me ha entusiasmado realmente desde hace muchos años”.

Sobre sus compañeros de trío, opina que son “personas por las que siento una gran afinidad y respeto a la hora de tocar, especialmente tras conocerlos más profundamente durante este último año”. Raúl siente una gran responsabilidad en lograr una buena interpretación de la música. Al ser la viola un instrumento a medio camino entre el violín y el violoncello, su papel “es el de equilibrar y empastar los sonidos de los otros instrumentos a través de las armonías, los acompañamientos y las melodías.”

Con respecto a las Variaciones sobre una canción bávara del gran maestro alemán Richard Strauss (1864-1949), “nuestra intención al tocarlo es realzar la cultura popular alemana de la época del compositor, proyectando hacia el oyente las intenciones y motivos que inspiraron su creación”.

Raúl nos advierte que prestemos atención al cuarto movimiento del Trío en Sol Mayor de Hummel (1778-1837), un talentoso alumno de Mozart: “Inicialmente compuesta para dos violas y un violonchelo, es un auténtico guiño a La flauta mágica”.

Tras el descanso, el trío Dolce Armonía interpretará la Serenade en Do Mayor de Ernst von Dohnányi (1877-1960), una pieza en cinco movimientos que ha ocupado la mayor parte de los ensayos, debido a su alta dificultad técnica y musical. Como intérprete del concierto del Archivo Regional, nos recomienda especialmente la Romanza, el segundo movimiento de esta pieza: “Sus grandes cambios de carácter desarrollan la melodía de una manera realmente sorprendente”.

Espero que disfruten de un rato agradable escuchando a estos formidables músicos.

 

Viernes 28 de abril, 20 h. Archivo General de la Región de Murcia. Variaciones sobre una canción bávara de R. Strauss, Trío para violín, viola y violonchelo en sol mayor  de J. N. Hummel y Serenata para trío de cuerda en do mayor, Op 10 de E. Dohnányi. Trío Dolce Armonía. Antimo Miravete (violín) Raúl Hurtado Hurtado (viola), Pedro Fernández Millán (violonchelo). Entrada libre hasta completar aforo.

 

Ver Post >
Hijos de la memoria
img
Carlos Escobar | 13-04-2017 | 13:58| 0

La historia de la música occidental comienza con los primeros manuscritos de canto gregoriano sobre textos de la liturgia romana. Carlomagno fue decisivo para que estos textos en latín sobre versículos de la Biblia se recopilaran y difundieran por toda la Cristiandad, pero como no existía todavía la notación musical, las melodías debían ser retenidas por la memoria de los hombres y transmitidas de forma oral.

Una de las personas con más interés y conocimientos sobre canto gregoriano y música antigua en Murcia es Eduardo Martínez Gracia (segundo por la derecha en la imagen), profesor del Departamento de Ingeniería de la Información y las Comunicaciones de la Universidad de Murcia que dirige a la Capilla de San Miguel en el concierto del Domingo de Resurrección del próximo día 16 de abril en la Iglesia de San Juan de Dios.

Cuando Eduardo era adolescente, su padre le recomendó escuchar unas cintas de cassette de canto gregoriano para crear un ambiente adecuado y facilitar sus estudios académicos: “Con el tiempo, el canto llegó a interesarme más que el estudio”, confiesa este profesor de informática.

Más tarde, acudió a la Catedral de Murcia para cantar gregoriano y continuó el estudio en el Conservatorio de Murcia con el profesor Ginés Torrano, al tiempo que se inició con el oboe, lo que posteriormente le facilitó tocar el bajón, instrumento de viento madera de la familia del fagot típico de iglesias españolas y austríacas: “Es ideal para doblar las voces agudas del canto gregoriano, especialmente cuando hay escasez de bajos profundos”.

Aunque los cantos gregorianos se transmitían de memoria de monjes a monjes, llega un momento que la Iglesia Católica decide recopilar la notación melódica junto al texto de los manuscritos y encarga dicho cometido a la Abadía benedictina de Saint Pierre de Solesmes.

Para Eduardo Martínez, el canto gregoriano es actualmente importante para que Europa recupere su identidad cultural y espiritual. Durante nuestra conversación, me muestra con gran satisfacción el Graduale Triplex, libro de partituras fundamental en la celebración litúrgica de las misas y las horas: “En sus sistemas de cuatro líneas o tetragramas no vienen separados los compases como en los pentagramas a los que estamos habituados, ya que el ritmo se rige por el texto y los acentos”.

En la partitura adjunta correspondiente a la del concierto del domingo, aparecen encima del texto los tetragramas con tres tipos de notación musical. El más llamativo es el de las formas cuadradas dispuestas entre dos tipos de trazos que representan a los neumas (del griego pneuma, aliento). Estos elementos gráficos reproducen los detalles rítmicos de la melodía memorizada por los cantores y los movimientos de las manos del director del coro. Este informático muestra sobre la propia partitura que la notación cuadrada proviene de la Escuela de Nôtre-Dame (siglo XII) y que los signos de la notación neumática reflejan los de la Biblioteca Municipal de Laón (en negro) y los de Saint Gall (en rojo).

Para Eduardo Martínez el canto gregoriano “tiene una profundidad espiritual inigualable que no vuelve a lograr la música posteriormente. La Iglesia Católica Romana lo consideró como uno de sus tesoros durante el Concilio Vaticano II”. Para disfrutar del canto gregoriano no basta con buscar su belleza, “hay que entender el texto y la esencia de la música que lo refleja, puesto que existen piezas específicas para cada día del año”. La Misa Dominica Resurrectionis se canta en el tono séptimo, identificado con la juventud por su alegría: “Se caracteriza por el ascenso de la melodía hacia la nota más aguda que es un La”.

En cuanto a la ejecución de las notas, Eduardo distingue entre el canto silábico, donde cada nota coincide con una sílaba del texto, y el canto melismático, donde la altura musical de las notas va cambiando en una misma sílaba: “Con esto se consigue destacar las palabras más importantes – como pueden ser immolatus o Dominus – ya que se canta un grupo de más de cinco o seis notas sobre una misma sílaba”. 

El concierto del domingo se ha programado como un acto del Día Mundial de la Voz y en el participa la Capilla de San Miguel dirigida por Eduardo Martínez y La Cantoría dirigida por Jorge Losana. Esta última, cantará piezas de polifonía, repertorio que convivía y adornaba al canto gregoriano en el siglo XVI: “El gregoriano se llamaba canto llano por contener una sola voz lo que contrastaba con las elaboradas composiciones a varias voces -canto polifónico o de órgano-, basadas en la técnica del contrapunto que dotaba  a las líneas melódicas de una gran fuerza expresiva”.

Las dos agrupaciones vocales alternarán su papel en el concierto, de forma que la Capilla de San Miguel se encargará de los cantos propios (propium missae) del Domingo de Resurrección (Introitus, Graduale, Alleluia, Sequentia, Offertorium y Communio) mientras que La Cantoría acometerá las piezas ordinarias (ordinarium missae) así llamadas porque no variaban en función de la fiesta del día (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei de la Missa Da Pacem de Nicolas Gombert).

Nuestro invitado aclara que la misa del Domingo de Resurrección “tiene la peculiaridad de contar con una secuencia, tipo de canto silábico que exaltaba poéticamente un hecho de especial trascendencia, como ocurre en la de este concierto titulada como Victimae paschali y que relata la escena del sepulcro vacío”.

La recomendación de Eduardo para los asistentes al concierto de la Iglesia de San Juan de Dios es que “es imposible descubrir el canto gregoriano con un solo concierto, pero si cierran los ojos es muy posible que éste les transmita algo trascendental que va más allá de lo que contenga el texto en sí mismo”.

Les invito a descubrir como los compositores del siglo XVI escribían canto llano y polifónico para una misa en un día tan señalado. Eduardo Martínez y Jorge Losana han preparado una velada muy especial que reconstruye para ustedes la celebración de un Domingo de Resurrección.

 

Domingo 16 de abril. 19:30h. Iglesia San Juan de Dios. Día Mundial de la Voz. Concierto Dominica Resurrectionis Ad missam in Die. Voces de la Capilla de San Miguel y de la Cantoría. Directores artísticos: Eduardo Martínez y Jorge Losana. Entrada libre hasta completar aforo.

Ver Post >
El instinto neroniano
img
Carlos Escobar | 08-04-2017 | 12:20| 0

 

El maestro Puccini nos lleva de turismo por Roma en Tosca, su quinta ópera. Cada uno de los actos de esta formidable partitura transcurre en lugares tan emblemáticos de la Ciudad Eterna como son la Iglesia de San Andrea della Valle, el Palazzo Farnese o il Castello de Sant Angelo.

Tosca es una ópera de primer nivel por diversos motivos. Desde el punto de vista musical, es una obra cautivadora desde la primera a la última nota, al tiempo que Puccini dibuja de una forma magistral la personalidad de los personajes, especialmente el de Floria Tosca, uno de lo papeles de soprano más sublimes de la historia del género.

Otro aspecto singular de Tosca es la alternancia entre crueldad y amor puro que tan bien maneja un compositor dotado de auténtico instinto neroniano.

Eduardo Sandoval, uno de los mejores tenores de la tierra, acaba de representar con éxito el papel de Mario Caravadossi en la producción de la Opéra de Massy (Paris) representada el mes pasado, bajo la dirección de Dominique Rouits y por ello le he pedido que nos hable sobre como vive desde dentro todo lo que significa Tosca para él: “Puccini nos sumerge en el Verismo lleno de detalles realistas, fuertes efectos escénicos, momentos crueles y morbosos y un argumento fiel al hecho histórico de la Batalla de Marengo”.

Para el tenor, la fuerza del drama se intuye desde los primeros compases, tanto en lo musical como en lo argumental: “La devoción religiosa, el amor, los celos, la pasión, la intriga, la violencia y la muerte de los tres protagonistas, se conjugan con una música que cambia magistralmente en función del carácter de los personajes”.

“En Tosca vemos dos maneras de amar totalmente diferentes”, nos explica Sandoval. Para él, Floria y Mario son dos enamorados que se admiran y se entregan sus corazones generosos y nobles, lo que contrasta con el deseo del tirano y despiadado Scarpia para conseguir los favores de Tosca a cualquier precio.

Sobre el papel de Mario Cavaradossi, Eduardo Sandoval opina que “es un  pintor  reconocido y un idealista político muy comprometido con las ideas modernas de la época, es decir, la libertad del pueblo romano frente a la opresión. Cavaradossi representa la modernidad y al hombre noble capaz de morir por lo que cree justo”.

El pintor es el único personaje que para Sandoval muere con honor y con el deber cumplido. Poco antes de ser fusilado víctima de los celos y de la envidia, canta la preciosa aria E lucevan le stelle, “donde se refleja la belleza del amor que siente hacia Tosca. La introducción del aria y los acordes finales son, en mi opinión, lo más hermoso de la ópera”.

Es difícil no quedar atrapado con esta obra genial. En el vídeo adjunto, Eduardo Sandoval comparte con nosotros el dúo de amor del primer acto tomado en directo de la Opéra de Massy. En el escenario está reproducida la cúpula suspendida de San Antonio della Valle, la segunda en tamaño de Roma y en cuyos frescos se representa la gloria del paraíso celestial. Un paraíso en donde nos encontramos cuando se escucha la música de Puccini.

Ver Post >
Edificios de emociones
img
Carlos Escobar | 30-03-2017 | 21:41| 0

 

A menudo el ser humano intenta vincular con hermetismo música y conceptos, o si lo prefieren las estrofas y los textos que le sirven de inspiración. Sin embargo, esto no siempre es así y basta con que el intérprete refleje el carácter, el ambiente o las sensaciones del poeta, para que logre estremecer al oyente.

Los sonetos para violín y piano de Eduard Toldrá (1895-1962) son el paradigma de esta forma de entender la música y así lo comparte nuestro invitado de hoy, Pablo Roca Montoya, que es un violinista y arquitecto de Cartagena que interpretará el sábado una selección de estas íntimas piezas.

Los tres sonetos que ofrecerá Pablo acompañado de la pianista Isabel Amparo Martínez Túnez (ver post de marzo 2017 titulado El piano con duende) fueron escritos por Toldrá en 1922 sobre poemas de autores catalanes: “Sonetí de la rosada (Rocío) de Trinitat Catasús i Catasús, Ave María de Joan Alcover i Maspons y La font (La fuente) de Joan María Guasch i Miró, son textos que a Toldrá le gustaba que fuesen leídos cuando se interpretaba su obra”.

Para preparar el concierto, Pablo e Isabel Amparo, han tratado de conjugar la imagen que cada uno de ellos tienen sobre la composición: “Personalmente me gustan estas obras impresionistas del siglo XX. Me siento muy cómodo reflejando sensaciones a través de la música”. De Sonetí de la rosada, destaca su carácter ligero, “de manera que se podría tocar con una flauta”. De la pureza e inocencia de este soneto iremos al carácter íntimo y sosegado del Ave María: “Para mí, esta música refleja la intranquilidad que nos produce la incertidumbre sobre si realmente hay otra vida tras la muerte”. Finalmente, nos comenta Pablo que el soneto “La fuente” contiene una música más virtuosa pero sin perder la sencillez: “Trataré de reflejar la sensación del agua que cae”.

Pablo Roca obtuvo la carrera de violín bajo la tutela del profesor Joaquín Palomares en el Conservatorio Superior de Murcia y el Grado de Arquitectura por la Universidad Politécnica de Cartagena, pero su inquietud no tiene techo: “Ahora estoy estudiando viola con la profesora Kasia Grenda”.

Sobre sus primeros pasos en la música, el violinista nos cuenta como empezó a tocar el piano con algo más de dos años sentado junto a su abuelo: “Él tocaba el piano y la guitarra. Cuando mis padres advirtieron que tenía buen oído, me llevaron a la escuela de música”.

Les recomiendo que escuchen estos sonetos de Toldrá interpretados por estos músicos. Conozco a Pablo desde hace años desde su paso por la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia y su posterior colaboración con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y estoy convencido de que disfrutarán con la música de este arquitecto creador de emociones.

 

Sábado 1 de abril, 19 horas. Aula de Cultura de la Fundación Caja Mediterráneo. Música de Falla, Wolf, Turina, Balakirev y Toldrá. Entrada 10 euros.

Ver Post >
Menú Mozart
img
Carlos Escobar | 26-03-2017 | 08:02| 0

 

Muchos de los grandes maestros dedicaron composiciones a personas de su entorno que, en cierto modo, pasaron a la historia ligadas a la generosidad del músico en cuestión. Una de las mujeres que quedaron inmortalizadas por una dedicatoria de W. A. Mozart fue su alumna Franzisca Jacquin, la cual tuvo el honor de estrenar el Trío para piano, clarinete y viola en Mi bemol K.498, conocido como el trío de los bolos (Kegelstatt), tocando su piano con el compositor a la viola y el célebre Anton Stadler al clarinete.

Vamos a tener la oportunidad de escuchar esta obra interpretada por la pianista Beatriz Gómez García, el violista Luis Manuel Vicente Beltrán y la clarinetista Rocío Parreño del Amo en la XXIª edición de Cuadros con Música y se han brindado a comentarnos aspectos muy interesantes sobre la partitura y la preparación del concierto.

Beatriz comenzó los estudios de piano por iniciativa de sus padres, pero decide dedicarse por entero a la música cuando, en palabras de ella, descubre los momentos maravillosos que día a día le regala la inquietud por mejorar con su instrumento, llegando a ser un complemento indispensable en su vida. Desde su punto de vista, “el tercer movimiento- Rondeaux- es el de mayor despliegue técnico y virtuoso, con grandes contrastes para el piano al combinar fragmentos solísticos con los de acompañamiento del resto de voces”.

Luis Manuel decidió dedicarse a estudiar profesionalmente la viola porque “el mundo de la música es en el que más cómodo me siento desde niño”. Su instrumento era uno de los preferidos de Mozart y quizás por ello tiene un especial protagonismo en el tercer movimiento (Rondeaux): “Tiene una parte muy dramática en modo menor que contrasta profundamente con el carácter alegre y sencillo del resto”.

Rocío, titulada en Humanidades y Estudios Sociales, tiene su referente en un tío que es profesor de música y clarinetista como ella. Sobre la importancia del instrumento en el Clasicismo y en la obra de Mozart, opina que “aunque es más famoso el Concierto para clarinete y orquesta del compositor de Salzburgo, en el Trío Kegelstatt, el instrumento tiene intervenciones importantes tanto como solista, sobre todo en el primer y tercer movimientos, como a dúo con la viola y el piano”.

Los tres músicos coinciden en que el segundo movimiento (Menuetto) “es el más interesante a nivel colectivo por la búsqueda de una sonoridad conjunta. Hemos realizado un trabajo específico y minucioso en este sentido, así como en la correcta ejecución de cada entrada y en la interacción del trío”.

Dado que hay momentos de la obra en los que parece que cada instrumento es un personaje de una historia, su profesor de música de cámara, Gabriel Lauret, les sugirió escuchar una ópera de Mozart para que captasen la intención de la pieza: “A nivel camerístico todos participamos a la vez y nos contestamos mutuamente. Es necesario que hablemos con el instrumento, pero también que escuchemos, miremos, confiemos, respetemos y aprendamos y nos comprometamos con los otros dos componentes”.

Escuchando los valores que defienden estos jóvenes músicos, creo que ellos van a disfrutar y nos van a hacer disfrutar con esta genial y singular obra de Mozart.

 

Lunes 27 de marzo, 20 horas. Aula de Cultura de Cajamurcia de Gran Vía de Murcia. Trío para piano, viola y clarinete de Mozart. Conferencia sobre el cuadro de Antoine Watteau “Embarque para la isla de Citerea” por el profesor Germán Ramallo Asensio. Entrada libre hasta completar aforo.

Ver Post >
Amores imposibles
img
Carlos Escobar | 22-03-2017 | 14:03| 0

Este año, el ciclo de recitales del Archivo General de la Región de Murcia está dedicado a obras para viola y piano. El primero de los conciertos tendrá como protagonistas a dos excelentes músicos de origen búlgaro: el violista Rumen Cvetkov y el pianista Ludmil Angelov. 

Rumen es el Viola Solista de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia desde 2009 y nos cuenta que siempre ha considerado que su instrumento “es el más adecuado para expresar musicalmente el amor humano”. Cvetkov y Angelov han elegido el “Romance” como tema de recital del próximo viernes: “El protagonismo lo tiene el fenómeno del amor imposible que viven Romeo y Julieta o los músicos Johannes Brahms y Clara Schumann”.

Precisamente el concierto comienza con los tres bellos romances para violín y piano de Clara Schumann que el propio Rumen ha arreglado para viola: “Es maravilloso para mí el poder interpretarlos, especialmente si consideramos que fueron escritos por una extraordinaria mujer en una época donde la composición estaba dominada por los hombres”.

En la Sonata número 1 opus 20 de Brahms, originalmente escrita para clarinete, el violista intentará demostrar que su instrumento es perfecto para la interpretación. La Konzertstück para viola y piano de Enesco es la única pieza del recital escrita de entrada para viola y piano. Para Rumen, “los violistas no tenemos un repertorio tan amplio y rico como los chelistas y violinistas,  pero si el  privilegio de interpretar una obra de estilo francés tan interesante como ésta”. 

La composición con la que termina el concierto es una selección de piezas de Romeo y Julieta de Prokofiev arregladas para viola por Borissovsky con el consentimiento del maestro. Para los dos músicos búlgaros “esta versión rusa del conocido clásico de Shakespeare contiene una música muy profunda que está entre lo mejor que escribió el compositor ruso”.

El programa de este primer concierto del ciclo del Archivo es muy atractivo para cualquier aficionado a la música clásica, al tiempo que es una excelente oportunidad de escuchar a dos músicos de un nivel artístico de primer nivel. Ludmil Angelov, catedrático honorífico de la New Bulgarian University y académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, es un pianista reconocido a nivel internacional en concursos de Italia, EE.UU. y Montecarlo. Está considerado uno de los mejores especialistas en la música de Chopin con interpretaciones en las principales salas de conciertos del mundo y grabaciones en disco galardonadas con el Grand Prix du Disque Chopin, además de la obtención de la medalla Gloria Artis del Ministerio de Cultura de Polonia. Rumen Cvetkov comparte su puesto de viola principal de la OSRM con el de Viola Solista invitado de la Orquesta del Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia. Tras completar su formación en Bulgaria, EE.UU. y Holanda, ha participado en conciertos por todo el planeta dirigido por las mejores batutas del momento y toca con la viola The Time fabricada en 1785 por Simon Schodler.

 

Viernes 24 de marzo, 20 horas. Archivo General de la Región de Murcia. Obra de C. Schumann,  Brahms, Enesco, Chauson y Prokofiev. Rumen Cvetkov (viola). Ludmil Angelov (piano). Entrada libre hasta completar aforo.

Ver Post >
Dichosa melancolía
img
Carlos Escobar | 09-03-2017 | 17:41| 0

 

La música clásica rusa es una preferencia para los melómanos. La calidad de los compositores se refleja en unas obras con un carácter especial y enigmático que denominamos como “estilo ruso”. El  próximo programa de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (OSRM) es íntegramente ruso y por ello hoy entrevistamos a Olga Tinibaeva, una profesora de la sección de violines primeros de la orquesta con mucha experiencia concertística y docente.

Tinibaeva comenzó los estudios de violín en una escuela de música situada en un bello paraje de la zona verde que rodea a Moscú, donde abundan los bosques y los lagos. Posteriormente pasó a la escuela especial para niños prodigio,  un edificio anexo al Conservatorio Estatal de Moscú donde posteriomente completó sus estudios superiores y de postgrado. Ella nos comenta que en Rusia, cuando una persona termina los estudios, tiene la obligación de trabajar. Su primera ocupación fue la de profesora de violín en el Conservatorio de Samarkanda, situado cerca de su lugar de nacimiento. Vuelve a la capital rusa ya casada con el violinista Sadvacas Tinibaev y forma parte de la Orquesta Filarmónica de Moscú (1984-1990). Más tarde, toma la decisión de trasladarse con su familia a España en busca mejores oportunidades y en 1993 se incorpora a la OSRM, alternando la interpretación de la música sinfónica, con la de conciertos como solista o formando parte de grupos de cámara.

Olga es muy feliz en Murcia, donde reside desde hace 24 años, aunque nunca deja de añorar Rusia: “Si, pero cuando voy a allí, algo me llama desde España. Creo que tengo el corazón repartido entre los dos países”.

El alma rusa, según ella, no se puede entender. A pesar de ello, la violinista intenta aclararnos que: “El estilo ruso es difícil de interpretar. Las melodías cantábiles son tan extensas como los paisajes de Rusia. Es muy importante evitar interrumpirlas y por eso es fundamental poner bien los arcos”. Otros elementos del paisaje como los grandes lagos o la vegetación son fuente de inspiración musical: “Hay muchas canciones populares en torno al árbol llamado abedul y que luego las oímos en las sinfonías de Chaikovski”. En Rusia, nos aclara Tinibaeva, las canciones populares se cantan a todas horas, especialmente después de las comidas. Rusia tiene la extensión equivalente a veniteséis veces la de Europa, por lo que en cada región la música tiene algo especial en este sentido.

Sobre el estilo ruso, Olga nos aclara que: “Los rusos somos muy melancólicos, somos exageradamente tristes y ese sentimiento puede estar contenido en una sola nota. Los intervalos de segunda aumentada de Chaikovski son especiales por su melancolía y al interpretarlos hay que hacerlos muy bien. El músico nunca debe romper una melodía rusa a pesar de que toque los acentos contenidos en ellas”. En la música, las melodías suelen reaparecer en distintos momentos y para la violinista rusa es importante que cada vez se toquen de una manera distinta:  “Aunque cambie el color del sonido, nunca se debe perder el carácter de la composición. El músico no debe salirse de la línea melancólica e imaginaria que surca la partitura”.

Otros aspectos que Tinibaeva destaca de la música rusa es en relación con el vibrato: “No es sólo un movimiento de la muñeca, a veces consiste en un matiz o un movimiento del arco. Pero el impulso musical tiene que salir del alma y el oyente se da cuenta de esto solo con sentirlo”.

La enseñanza en Rusia tiene ciertas particularidades también: “Los profesores de escuelas de música cuidan mucho cada nota, ya que por muy corta que sea, está escrita por algo. Además, al alumno se le exige desde el principio y no se permite lo que está “casi hecho”. Tambien se corrige mucho la postura; hay que pensar que la mano derecha es fundamental para poder hablar, para que se entienda lo que queremos decir. Finalmente, destacaría lo que se insiste en el cuidado y respeto del instrumento. El alumno debe referise a su instrumento como “su violín”.

Para nuestra invitada de hoy, es más sencillo explicar con el instrumento que con palabras la música que escucharemos en el concierto de mañana. Del Concierto de piano de Chaikovski piensa que es técnicamente muy difícil, pero destaca más su intención: “Es que es un tema enorme, muy especial y no creo que pueda ser capaz de explicarlo. Se trata de una música muy dolorosa que sale desde el propio alma. Lo que siente el alma de Chaikovski surge poco a poco a lo largo de su música. Lo que no sale en una obra, sale en otra y por ello está todo tan relacionado, con independencia de la armonía propia que tiene el lenguaje del compositor”, aclara la violinista rusa. Para ella, es un concierto en el que aparecen temas populares. Así en los movimientos primero y tercero “escuchamos melodías ucranianas que son muy melódicas y bonitas y en el segundo movimiento usa una canción francesa que cantaban sus hermanos cuando eran niños”.

Al hablar de la Sinfonía número 2 en mi menor de Rachmaninov, Tinibaeva se siente más cómoda y nos cuenta que la escribió entre los años 1906-1907 y se la dedicó Serguei Taneyev, que era profesor suyo y a la vez, el alumno predilecto de Chaikovski: “Después del estreno de la primera sinfonía, esta fue criticada duramente y no aceptada, por lo que el joven músico cayó en una profunda depresión. A pesar del éxito del Concierto número 2 para Piano y Orquesta, el seguía sin confiar en sí mismo como compositor. Olga opina que Rachmaninov aquí rompe la forma de la sinfonía al incluir un segundo movimiento distinto al lento habitual. Su música contiene todo el drama que está viviendo y parece que surgen muchas dudas, mucho trabajo mental que denotan su infelicidad como compositor. El maestro ruso en ese momento trabaja como director en el Teatro Bolshoi y el estreno de la Segunda sinfonía en 1908 fue un gran éxito.

Tinibaeva nos resume la obra del siguiente modo: “Comienza con una lenta introducción, cuyo tema es el pilar de toda la obra. Los cellos y contrabajos interpretan una melodía al estilo de los cantos antiguos rusos que nos recuerda el tema de la fatalidad de las últimas sinfonías de Chaikovski. La segunda parte es un scherzo transparente con el que podemos imaginar un típico paisaje invernal ruso: una llanura nevada sin fin, con una troika a lo lejos, el sonido de sus campanillas y una canción que se escucha y se pierde. Luego se oscurece la sonoridad y la ventisca ha alcanzado a los viajeros. En el cuarteto de los metales aparece una melodía oscura coral pero más adelante poco a poco todo se tranquiliza”.

La músico continua explicando que en la lenta tercera parte suena la melodía ensoñadora de los violines, la cual continúa en el solo del clarinete. y que “podríamos comparar con un río que fluye por la estepa rusa, serpenteando sin cesar”.  El final es brillante y alegre, con un movimiento brusco, temáticamente está relacionado con todas las partes que le preceden.

Como han comprobado es un placer conversar con una violinista tan interesante como es Olga Tinibaeva. Creo que sus comentarios despiertan nuestra curiosidad por el estilo ruso y descubrir las particularidades a las que ella se refiere mediante la escucha en directo de este formidable programa.

 

Viernes 10 de marzo, 20 horas. Concierto nº 1 para piano y orquesta de Chaikovski y Segunda Sinfonía de Rachmaninov. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Gabriela Montero (piano). Virginia Martínez (dirección musical). Entradas 14, 12 y 8 euros.

Ver Post >
Invitación a la danza
img
Carlos Escobar | 05-03-2017 | 16:24| 0

El singular atractivo de los conciertos de Cammerata va más allá de la calidad interpretativa de sus componentes y está ligado a la cuidadosa selección del programa y de los músicos invitados. Para esta orquesta de cuerda, la tentación de abrir su repertorio hacia la música antigua y la temática barroca ha propiciado la feliz conjunción artística con La tempestad, agrupación con sede en la región cuyo perfil profesional y humano ya se reflejó en el post de Música Inesperada titulado “La expresión del afecto” (ver enlace adjunto*).

Hoy hablamos con Silvia Marquez, directora e intérprete de instrumentos de teclado de La tempestad y que hará lo propio en el concierto de mañana: “Escucharemos obras de compositores franceses, italianos y alemanes de los siglos XVII y XVIII caracterizadas por estar originariamente escrita para cinco elementos de distinta tesitura (Dessus, Haute-contre, Taille, Quinte y Basse de violon), con lo que la densidad musical en mayor que en la concepción actual”. Según nos explica Silvia, durante el concierto estos cinco elementos serán representados por el violín primero, violín segundo, viola primera, viola segunda y los bajos (violonchelos y contrabajos), respectivamente. Es más, en Les Boréades de Rameau las violas se reparten un papel principal y otro con la voz del fagot.

Uno de los reclamos de mañana será el escuchar al solista de violín en el concierto de Vivaldi ya que Pablo Suárez Calero es un músico con un virtuosismo de máximo nivel. Además, Silvia Marquez nos invita a acudir al Auditorio Víctor Villegas para disfrutar las distintas danzas que interpretarán los músicos de Cammerata y La tempestad: “Las de Matthew Locke son danzas populares propias de los campesinos. Esta música efectista acompañaba a las representaciones teatrales de La tempestad de Shakespeare donde el público asistente estaba poco cultivado”.

Las danzas de Lully son gavotte y minuetti de la corte con su típicas entradas iniciadas con un golpe de bastón, según nos comenta esta clavecinista y directora musical: “Y las de Muffat recogen los estilos francés e italiano y se disponen entre movimientos de un carácter mas lento y pacificador, lo que supone un factor sorpresa”.

Aunque en el Concierto grosso de Geminiani no hay danzas, la música está llena de contrastes que surgen sin pausa alguna y de alternancias entre partes de solo y tutti orquestales. “Las danzas de Rameau son puro teatro – nos explica Silviaya que la música describe por imitación elementos como un reloj o el céfiro, el viento suave y mensajero de la primavera”.

Como ven, los fenómenos atmosféricos rondan sobre los atriles de Cammerata y La tempestad, lo que sin duda es una auténtica invitación a compartir con intensidad y en directo el espíritu de la música barroca.

 

*http://blogs.laverdad.es/musicainesperada/2015/12/10/la-expresion-del-afecto/

 

Lunes 6 de marzo, 20h. Auditorio de Murcia. Obras de Locle, Lully, Vivaldi, Muffat, Geminiani y Rameau. Cammerata y La Tempestad. Pablo Suárez Calero (violín). Antonio Clares (viola). Silvia Marquez (dirección musical). Entradas: 10 euros y 8 euros (estudiantes con acreditación).

Ver Post >
El piano con duende
img
Carlos Escobar | 01-03-2017 | 13:21| 0

Manuel de Falla vivió en París durante 7 años (1907-1914) y allí conoció a destacadas personalidades del mundo de la música, danza, pintura y literatura. El célebre Diaghilev le pidió de forma reiterada que compusiese una obra típica española para ser representado por los Ballets Rusos y el maestro español creó El sombrero de tres picos. Diaghilev le encargó la coreografía a Leónidas Massine, los decorados y vestuarios a Picasso y la dirección musical a Ansermet.

La temática burlesca del ballet narra la historia del corregidor de Guadix, que lleva un sombrero de tres picos, que se encapricha de una joven y guapa molinera que intenta reirse de él con la colaboración de su marido. Finalmente, los vecinos del pueblo se mofan de su situación y lo ridiculizan en un manteo colectivo. La pieza originaria orquestal consta de dos suites de tres números cada una.

Posteriormente, Falla hace una versión para piano de tres movimientos: Danza de la Molinera, Vecinos y Danza del molinero. Si Diaghilev necesitara un pianista para representar esta versión, pediría que el intérprete sintiese el flamenco en sus venas y que tuviese una cuidada técnica pianística. Precisamente estas son cualidades que atesora Isabel Amparo Martínez Túnez (Jaén, 1988), pianista muy implicada con la música española y el baile flamenco, a los que se dedica con pasión.

Amparo Martínez es uno de los músicos que participan en el concierto del próximo sábado 4 de marzo en el que tocará la Danza de la molinera y la Danza del molinero de El sombrero de tres picos. Además, interpretará junto al violinista Pablo Roca las seis danzas de la Suite popular española del propio compositor gaditano.

Para tocar la obra de Falla, esta pianista nos comenta que: “Me apoyo mucho en el carácter rítmico andaluz, en el zapateado y el rasgueo de la guitarra flamenca. Si no pensara en eso, no podría tocarla, no tendría la fuerza que se necesita para interpretarla”. 

La joven pianista formada en el Conservatorio de Murcia cree que la Danza del molinero le va a gustar más al público que la Danza de la molinera: “La primera es más corta y se trata de una farruca con partes distintas que logran impactar al público. La Danza de la molinera, es un fandango en el que se repiten los temas con el atractivo de que cada vez lo hacen en un tono diferente”.

El concierto del sábado tiene el título de Diaghilev, según nos cuenta Amparo, y forma parte de un ciclo de cinco programas dedicados al bailarín Félix García, un artista importante en el pasado que ha recobrado interés tras las interesantes investigaciones de Antonio Hernández, profesor de la asignatura de Música. Amparo tocará en otro concierto del ciclo la pieza Vecinos del Sombrero de tres picos de Falla que es una seguidilla con marcado carácter andaluz.

Espero que se animen a asistir al concierto y a disfrutar de los giros melódicos de Manuel de Falla, un músico andaluz que se impregnó del estilo neoclásico y de los aires rusos para crear una obra eterna.

 

Sábado 4 de marzo, 19 horas. Aula de Cultura de la Fundación Caja Mediterráneo. Música de Falla, Albéniz, Rossini, Schumann, Bizet, Massenet y Delibes. Entrada 10 euros.

Ver Post >
El lado oscuro
img
Carlos Escobar | 25-02-2017 | 23:38| 0

Todavía hay gente que duda sobre si existe la maldad. Los aficionados a la ópera saben que sí y que ésta tiene su particular traducción musical en la trama. De hecho hay malos más antipáticos que otros y generalmente con un destino que depende mucho de lo magnánimo que sea el personaje sabio y recto al que se enfrente.

Uno de los malos menos repelentes de la historia de la ópera es Monostatos, el personaje creado por Mozart en La flauta mágica que continuamente ronda por la escena y que se caracteriza por ser cobarde, mentiroso, desleal y abusar de su posición en el templo (es un moro de piel oscura y jefe de la guardia de Sarastro, el sumo sacerdote autoritario, justo y sereno).

La flauta mágica es un singspiel, es decir, un espectáculo popular con canciones muy del gusto de todas las clases sociales. Mozart llevó este género a la máxima expresión en esta obra, cuya música y valor humano son tan excepcionales que atraen la atención de cualquier persona desde la infancia a la madurez.

Por ello, la representación de La flauta mágica hoy en Murcia es un acontecimiento musical de primer nivel y que disfrutaremos en familia tanto en escena como al salir del teatro, en el momento de compartir impresiones sobre su puesta en escena.

El personaje de Monostatos es una continua amenaza para que Pamina y Tamino, la pareja de enamorados, consiga superar las tres pruebas y disfrutar de una vida en común llena de felicidad. La maldad de Monostatos se sustenta en el odio y el sentimiento de inferioridad. Él quiere conseguir a toda costa los favores de Pamina, que lo rechaza con firmeza, por lo que está dispuesto a hacer lo que sea. Cree que el principal problema que le impide lograr su objetivo es el color de su piel, alejado de la blancura lunar de la piel de la bella joven.

Para conseguir seducir a Pamina, Monostatos se vale del secuestro, la extorsión y la traición, todo aderezado con mentiras y odio. Unos dicen que Mozart quiso reflejar en Monostatos el subconsciente de Sarastro, lo que justificaría la presencia del moro malvado en sus dominios, otros creen que pretende representar al hábito negro de una orden religiosa que en su época rechazaba a la masonería, sociedad secreta a la que pertenecía el compositor. En cualquier caso, la maravillosa música de La flauta mágica, el triunfo de la verdad y el castigo moralizante de la maldad, contribuyen a que finalmente sintamos una inexplicable compasión por Monostatos.

Ver Post >

Últimos Comentarios

jmbuenoortiz 23-12-2016 | 04:34 en:
Creatividad solidaria
isabelmillandiaz_674 16-01-2016 | 18:17 en:
Cazatalentos
Flugencio 24-07-2015 | 07:21 en:
Melodías escondidas

Etiquetas

No hay tags a mostrar

Otros Blogs de Autor